È una calda e assolata giornata di giugno a Roma, e il piccolo Giacomo (Francesco Bracci Testasecca) deve affrontare una delle prove più importanti della sua vita, almeno fino ad ora: gli esami di terza media. Intorno a questo importante appuntamento si muovono freneticamente anche gli altri membri della sua scombinata famiglia, divisasi in seguito alla separazione dei genitori: la sorella Emma (Lucrezia Guidone), aspirante attrice al Teatro Valle Occupato, la madre Lara (Ksenija Rappoport), ingegnere impiegata negli scavi per la nuova linea della metropolitana e ormai dedita anima e corpo solo ai suoi figli e alla sua professione, e il padre Ettore (Fabrizio Gifuni), artista senza aspirazioni né un soldo in tasca. Saranno proprio gli esami del piccolo Giacomo l’evento che permetterà ai quattro di ritrovare quell’unità perduta che, in fondo, nessuno di loro ha mai dimenticato.

Francesco Bruni torna per la seconda volta dietro la macchina da presa dopo il suo felice esordio da regista con Scialla! nel 2011 (il film che ha lanciato il giovanissimo Filippo Scicchitano nel panorama cinematografico italiano), e dopo aver realizzato nelle vesti di sceneggiatore Il capitale umano, sua ennesima (e come sempre riuscitissima) collaborazione con Paolo Virzì.

Noi 4 appare sin da subito come un progetto ben più ambizioso di Scialla!, soprattutto da un punto di vista registico, visto che le vicende dei quattro personaggi (che si passano a giro le redini della narrazione), si svolgono tutte in un solo giorno. A differenza di Scialla!, però, in Noi 4 sembra mancare il giusto connubio tra ironia e contenuto (narrativo, emozionale e culturale) che faceva del film precedente un’opera prima ben più memorabile, grazie anche all’apporto di un perfetto Fabrizio Bentivoglio.

Il film sembra soffra, inoltre, dell’incostanza nella performance degli attori protagonisti, resi goffi e a tratti macchiettistici da una sceneggiatura sottotono, che riduce Noi 4 ad essere poco più di un quadretto familiare piuttosto banale e pieno di buoni sentimenti, la cui cornice è costruita luoghi più consueti di Roma (Trastevere, il Colosseo, Piazza Vittorio). Nonostante le ottime premesse da cui il film partiva per offrire al pubblico una trattazione più profonda e attenta di un argomento che, a detta dello stesso Bruni, non è rappresentata con equilibrio da parte dei cineasti italiani, il suo film rimane è un’opera che delude le aspettative, risolvendosi in una trattazione banale che lascia lo spettatore, più vuoto di quanto non lo fosse prima di entrare in sala.

Voto 5

Tutti pazzi per Rose di Régis Roinsard
Un grazioso bijou confezionato in Francia con un tenerissimo Romain Duris; una deliziosa commedia romantica dai toni vintage che vanta alcune scelte registiche fresche, dinamiche e mai scontate.

Noi siamo infinito di Stephen Chbosky
L’adolescenza raccontata attraverso gli occhi di tre ragazzi emarginati alla ricerca della libertà e assetati di vita. Un film che parla al cuore senza mai cadere nel banale o nel melenso ma con il giusto tono di malinconia. Piccola perla la colonna sonora

Il lato positivo di David O. Russell
Candidato a 8 premi Oscar e 4 Golden Globes, è il film che ha consacrato definitivamente David O’ Russell (I ? Huckabees – Le strane coincidenze della vita, The Fighter). Ironia e dramma si fondono in una commovente commedia che fa tornare alla mente il maestro Billy Wilder.

Viva la libertà di Roberto Andò
Un faro nell’immenso buio della cinematografia italiana, anni luce avanti a opere recentemente apprezzate da una parte della critica quali La grande bellezza e Sacro Gra. Roberto Andò incanta con la sua dis-incantata riflessione sul bisogno di umanità in un Paese che si è perso dietro falsi idoli.

Gravity di Alfonso Cuarón
Un’opera umanista, intimista e ammaliante realizzata in un ipnotico 3D che porta lo spettatore a perdersi negli spazi infiniti del cosmo insieme ai due protagonisti. Magistrali regia e sceneggiatura Forse il miglior film di Alfonso Cuarón.

Frankenweenie di Tim Burton
Il riscatto del regista di Burbank avviene paradossalmente con un percorso a ritroso, ripescando un vecchio progetto e adottando un materico bianco e nero e la tecnica dello stop motion, con una storia a tratti autobiografica sul potere dei sogni.

Rush di Ron Howard
Il regista di Apollo 13 dirige magistralmente la storia della rivalità tra i piloti James Hunt e Niki Lauda confezionando una sorta di “biopic” che non cede mai al didascalico e punta tutto al confronto tra due personalità incredibilmente diverse con un risultato davvero emozionante.

Anni felici di Daniele Luchetti
Luchetti si dimostra ancora una volta capace di raccontare con delicatezza e sensibilità l’intimità di una famiglia e la bellezza della classe medio-borghese e la semplicità della sua quotidianità, con un viaggio dai toni autobiografici che è anche un omaggio al cinema in pellicola.

La vita di Adéle di Abdellatif Kechiche
Acclamato dalla critica a Cannes, è forse il film più bello dell’anno, una pellicola che nonostante una durata non convenzionale (3 ore) scorre fluida come l’esistenza, regalando immagini che restano avvinghiate alla pelle. Magistrale l’interpretazione della giovane protagonista Adele Exarchoupolos.

Come un tuono di Derek Cianfrance
Dopo l’intenso Blue Valentine Derek Cianfrance dimostra ancora una volta di saper padroneggiare alla perfezione gli strumenti cinematografici per raccontare tre storie diverse che si passano il testimone con una sorprendente eleganza. Meraviglioso il cast, soprattutto Ryan Gosling nel ruolo di un motociclista sprezzante della morte.

Isabelle ha appena compiuto 17 anni e, durante una vacanza al mare, perde la verginità. Tornata a Parigi, la giovane, un po’ per noia un po’ per provocazione, inizia a prostituirsi, incontrando uomini ben più grandi di lei nelle stanze di un lussuoso hotel con lo pseudonimo di Lea. A seguito della morte di uno dei clienti al quale la giovane aveva iniziato ad affezionarsi, Isabelle viene scoperta dalla polizia e denunciata alla madre, che tenterà di instaurare con lei quel dialogo da sempre cercato ma mai realmente iniziato.

Con Nella casa, François Ozon aveva giocato con gli occhi e la mente degli spettatori mescolando abilmente realtà e finzione attraverso il magico strumento della scrittura, fino a schernire la morale borghese tessendo una trama ricca di legami affettivi piuttosto insoliti tra un adolescente e una famiglia. E di adolescenza il regista francese torna a parlare con Giovane e Bella, che vede nel ruolo della g protagonista la modella Marine Vacht.

Giovane e bella, siamo d’accordo, ma anche annoiata e ribelle, fredda e provocante. Isabelle è un calderone di emozioni represse, una fanciulla tediata che si ritrova improvvisamente adulta e isolata, in un mondo freddo, che cerca nel sesso una via d’uscita per combattere la monotonia. Ozon presenta la sua visione di quell’età di transizione che è l’adolescenza, utilizzandola poi come pretesto per divertirsi a giocare con la morale dello spettatore, presentando situazioni ambigue in cui chi guarda, messo alle strette, riconosce di non essere poi tanto differente, moralmente parlando, dalla giovane protagonista.

Nonostante alcune brillanti intuizioni, questa volta Ozon manca il centro del bersaglio divenendo a tratti autoreferenziale ed eccessivamente distaccato nel tentativo di comunicare la sua personale visione dell’adolescenza, vagando all’interno di uno spazio troppo ampio e perdendo così i punti di riferimento dell’intreccio narrativo, sempre ammesso che il film ne abbia uno.

Il regista sembra voler superare la superficiale definizione freudiana del complesso edipico, che avrebbe potuto essere una valida seppur banale spiegazione al comportamento della giovane protagonista, per mostrare un’inquietudine ben più grande, un senso di vuoto che arriva quasi a vanificare la vita stessa. Il risultato, però, è ben diverso: Isabelle diventa una semplice ragazza annoiata che passa le sue giornate guadagnando soldi facendo sesso con uomini attempati e frustrati, e niente più. La visione malinconica dell’adolescenza rimane così inevitabilmente congelata sullo schermo. Neanche la presenza di Charlotte Rampling riesce a ravvivare una pellicola che, suo malgrado, si perde in infiniti spazi narrativi, proprio come fa la sua protagonista.

Voto 5

Quando tre anni fa le sale cinematografiche di tutto il mondo si riempirono di ragazzini scalpitanti, incuriositi dalle avventure di un super cattivo col naso a punta intenzionato a rubare la luna, i produttori della Illumination Entertainment si trovarono inaspettatamente di fronte a un enorme successo al botteghino. Con un incasso di 250 milioni di dollari solo negli USA (e in Italia di più di 12 milioni di euro), Cattivissimo Me divenne nel 2010 il film d’animazione con il maggior incasso degli ultimi anni. Grazie anche all’irresistibile comicità dei Minion, i gialli aiutanti del protagonista Gru, con le loro salopette blu, gli occhialoni da operaio e il loro incomprensibile linguaggio, la Universal e la Illumination Pictures non potevano non pensare a un seguito, nel tentativo di bissare il record del primo film.

Ritroviamo quindi il perfido Gru, ormai padre modello, e le tre piccole Margot, Edith e Agnes, alle prese con la quotidianità familiare. Tra feste di compleanno e tentativi di fidanzamento, tutto sembra andare nel migliore dei modi, finché il capo della “Lega Anti Cattivi” incarica l’agente speciale Lucy di rapire Gru e portarlo nel proprio quartier generale. Sembra infatti che un super-cattivo dall’identità sconosciuta abbia rubato un potente siero mutante in grado di modificare il DNA degli esseri viventi trasformandoli in inquietanti mostri viola. Aiutato dalla sbadata Lucy, Gru dovrà identificare il cattivo e recuperare il siero.

Realizzare un sequel di un film di successo è certo un’operazione rischiosa, soprattutto, poi, se la pellicola in questione  è stata letteralmente baciata dal successo. Dunque è per non rischiare troppo che Cattivissimo Me 2 segue fedelmente la linea tracciata dal primo capitolo, puntando tutto sui piccoli Minion, rendendoli i veri protagonisti della storia, il motore trainante. Le esilaranti gag dei simpatici personaggi, accompagnate dal loro strano linguaggio solo saltuariamente inframezzato da parole comprensibili come “banana”, “capo” o “mutanda”, strappano più di una risata. Eppure, sebbene la sceneggiatura presenti battute sarcastiche e spesso argute, il film sembra procedere più volte a rilento, indirizzandosi a due tipologie di pubblico ben distinte. I Minion, con le loro gag pregne di comicità slapstick, si rivolgono invevitabilmente ai più giovani, mentre le citazioni cinematografiche disseminate all’interno del film (si va da Matrix a E.T., passando per Mission: Impossible) stuzzicano la memoria cinematografica dei più grandi.
Discutibile anche la scelta di affidare, come per il primo capitolo, il doppiaggio del protagonista Gru a Max Giusti (mentre nella versione originale dietro il microfono c’è il simpatico Steve Carell), il comico romano dall’accento inconfondibile, che incrina con una voce non proprio delicatissima la ricercatezza del disegno e del personaggio. Ben più coerente con le fattezze della protagonista femminile è, invece, la voce di Arisa, che doppia la sbadata e un po’ ingenua Lucy.
Nel complesso, Cattivissimo Me 2 rimane comunque un buon prodotto d’intrattenimento, sebbene il 3D non apporti nulla di particolarmente entusiasmante (poche sono le scene che sfruttano la tridimensionalità) e il plot non riesca a sfuggire alla trappola della ripetitività.

Voto 6

Mille anni dopo l’evento catastrofico che ha sconvolto il pianeta Terra, gli essere umani superstiti sono stati trasferiti sul remoto Nova Prime. Qui vive il giovane Kitai (Jaden Smith), deciso a diventare un Ranger come il suo freddo e imperioso padre Cypher (Will Smith), capo della United Ranger Corps, corpo incaricato di difendere i terrestri dai temibili Ursa, creature aliene indigene del nuovo pianeta modificate geneticamente per fiutare gli umani e annientarli. Su suggerimento della moglie Faia (Sophie Okonedo), Cypher acconsente a portare il figlio con sé in missione, ma, durante il viaggio, la loro astronave viene colpita da un asteroide e precipita sulla Terra. Poiché Cypher è rimasto ferito, il giovane Kitai dovrà esplorare da solo l’ormai ostile pianeta per recuperare gli strumenti di soccorso, dispersi a seguito dello schianto. I due dovranno iniziare così a collaborare e fidarsi l’uno dell’altro.

Dopo il commovente La ricerca della felicità di Gabriele Muccino,  i due Smith, senior e junior, tornano insieme sul grande schermo diretti dal regista M. Night Shyamalan (Il sesto senso) l’autore indiano che da parecchio ormai  ha smesso di regalare al pubblico storie avincenti (Lady In the Water, E venne il giorno e L’ultimo dominatore dell’aria lasciavano incredibilmente delusi per la loro scarsità di contenuti). E con After Earth Shyamalan non fa certo una scelta sicura dirigendosi verso un genere da lui esplorato, parzialmente, con Signs.

Girato con l’innovativa cinepresa digitale ad altissima risoluzione Sony F65 4K, After Earth è certamente una gioia per gli occhi, con  paesaggi mozzafiato ed effetti visivi iperrealistici che incantano sin dai primi minuti di proiezione. Fortunatamente, oltre questa ipertecnologica realtà, esiste anche un testo, un racconto, che prova a illustrare linearmente l’evoluzione del rapporto tra padre e figlio. After Earth è un romanzo di formazione che racconta la crescita di un ragazzo attraverso un vero e proprio rituale d’iniziazione che caratterizza le civiltà primitive sin dall’origine dei tempi: il padre insegna al figlio come vivere, lasciandolo solo nella foresta con insidie e pericoli. C’è spazio anche per il tema della paura, caro al regista, metaforicamente rappresentato dagli Ursa, creature aliene spaventose e modificate geneticamente per uccidere gli umani, perché in grado di fiutare l’adrenalina.

A livello di contenuti, quindi, il film restituisce parzialmente al suo pubblico uno Shyamalan riflessivo, quasi filosofico, che cela al di sotto della tensione un sottotesto intelligente, ma che, ancora una volta, non riesce nell’intento di realizzare un prodotto al di sopra della media a causa una sceneggiatura debole, con toni spesso melodrammatici e un finale piuttosto scontato. Will Smith, poi, è praticamente assente, evidentemente deciso a passare lo scettro da protagonista al figlio (che però ha ancora parecchio da imparare).

Noi nel frattempo restiamo ancora in attesa, speranzosi, di un nuovo Sesto Senso.

Voto 5