A Concorso concluso, ecco il pagellone con i voti per tutti i film che ho visto durante la 72° Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, divisi per sezioni.

CONCORSO:

11 minut (Jerzy Skolimowski): 5
A Bigger Splash (Luca Guadagnino): 4
Abluka (Emin Alper): 7
Anomalisa (Charlie Kaufman & Duke Johnson): 3
Beasts of No Nation (Cary Joji Fukunaga): 5.5
Behemoth (Zhao Liang): 8.5
Desde allá (Lorenzo Vigas): 7
El clan (Pablo Trapero): 7
Equals (Drake Doremus): 3
Francofonia (Aleksandr Sokurov): 9
Heart of a Dog (Laurie Anderson): 7.5
L’attesa (Piero Messina): 6.5
L’hermine (Christian Vincent): 7
Looking for Grace (Sue Brooks): 5
Marguerite (Xavier Giannoli): 7
Per amor vostro (Giuseppe M. Gaudino): 7.5
Rabin, the Last Day (Amos Gitai): 9
Remember (Atom Egoyan): 5.5
Sangue del mio sangue (Marco Bellocchio): 4.5
The Danish Girl (Tom Hooper): 4.5
The Endless River (Oliver Hermanus): 4

FUORI CONCORSO:

Black Mass (Scott Cooper): 4
Everest (Baltasar Kormákur): 4
Gli uomini di questa città io non li conosco. Vita e teatro di Franco Scaldati (Franco Maresco): 8
Go with Me (Daniel Alfredson): 4
In Jackson Heights (Frederick Wiseman): 9
L’esercito più piccolo del mondo (Gianfranco Pannone): 8
Non essere cattivo (Claudio Caligari): 6.5
Sobytie (Sergei Loznitsa): 7.5
Spotlight (Thomas McCarthy): 7

ORIZZONTI:

Boi Neon (Gabriel Mascaro): 6.5
Interruption (Yorgos Zois): 4
Wednesday, May 9 (Vahid Jalilvand): 4.5
Un monstruo de mil cabezas (Rodrigo Plá): 7.5

SETTIMANA DELLA CRITICA:

Ana Yurdu (Senem Tüzen): 5.5
Kalo Pothi (Bin Bahadur Bham): 6.5
Light Years (Esther May Campbell): 5
Montanha (João Salaviza): 5.5
Tanna (Martin Butler & Bentley Dean): 6.5
The Return (Green Zeng): 6.5

GIORNATE DEGLI AUTORI:

El desconocido (Dani de la Torre): 4.5
Island City (Ruchika Oberoi): 4
La memoria del agua (Matías Bize): 4
Early Winter (Michael Rowe): 6.5
Underground Fragrance (Song Pengfei): 7.5

Gli uomini di questa città io non li conosco

Se il percorso dei nostrani aspiranti al Leone resta pericolosamente in salita, fra la vanità di Guadagnino, l’appannamento di Bellocchio e il formalismo di Messina, è dalla divisione non competitiva che continuano ad affacciarsi, dopo l’eccellente doc di Pannone e l’accoglienza trionfale tributata a Caligari, i risultati più convincenti: non fa eccezione, come ampiamente previsto, la nuova sortita nella non-fiction di Franco Maresco, l’omaggio che il co-autore di CinicoTv ha tributato all’amico e nume ispiratore Franco Scaldati e che rappresenta non solo un profilo biografico privato e artistico del più importante esponente dell’avanguardia palermitana, ma anche una cronologia delle metamorfosi sociopolitiche della realtà siciliana, dal crogiuolo post-sessantottino della scena teatrale off all’ascesa di Cosa Nostra, dall’instaurarsi subdolo del berlusconismo all’abisso post-ideologico del nuovo secolo.

Gli uomini di questa città io non li conosco è quindi opera personale e generazionale, umilissima nel suo riconoscere e ammettere il forte debito del proprio artefice nei confronti di un mentore rimasto nell’ombra e spavalda – fin troppo, come nella gratuita, ancorché goduriosa, stoccata alla “discesa in campo più vergognosa della nostra Storia – nella propria militanza contro l’istupidimento generale (agghiacciante, e già di culto, l’epilogo in cui, a due anni dalla sua scomparsa, Scaldati sembra già sparito dalla memoria e in cui viene incomprensibilmente tirato in ballo Stefano Accorsi), commovente, come nella testimonianza dello storico collaboratore Gaspare Cucinella, ed esilarante – assolutamente impagabile la testimonianza finale di Luigi Maria Burruano -, un percorso prezioso, ravvicinato e compendiario all’interno della vita (tormentata, generosa e inquieta) e dell’arte (eterodossa e disperata) del protagonista di un Paese reale da riscoprire.

Le Giornate degli Autori, d’altro canto, mettono a segno il loro primo centro perfetto in chiusura di programma con il cinese Underground Fragrance, notevolissima e microscopica tragedia suburbana all’ombra della speculazione edilizia che miscela il rigore e la purezza laconica dello Tsai Ming-Liang dei bei tempi andati (d’altronde l’esordiente regista Song Pengfei nasce come suo aiuto regista) con il romanticismo viscerale e discreto di Wong Kar-Wai, tratteggiando il ritratto di una Pechino cannibale e disumana, fragile e cagionevole dietro la maschera sana e asettica – la stessa che si vedrà successivamente in Concorso con Behemoth – di un progresso economico di pura facciata.

Behemot di Zhao LIang

Si resta nella Cina più profonda e sconosciuta affrontando il terzo vertice assoluto della competizione principale, ultima cuspide (dopo Sokurov e Gitai) di una triade sperimentale che ha sancito la netta superiorità di un Cinema Altro, antinarrativo, visionario e totalmente immersivo rispetto al resto della selezione. Behemoth di Zhao Liang è un poema civile allegorico, apocalittico, immaginifico e necessario che si propone come laica Divina Commedia moderna, divisa fra l’Inferno delle miniere di ferro, mostro possente e vorace quanto la creatura biblica che dà titolo al film, il Purgatorio degli ospedali che accolgono centinaia di operai distrutti dalle malattie polmonari e il Paradiso paradossale dei chilometrici, imponenti centri residenziali eretti in mezzo al nulla e ancora spettralmente disabitati.
L’esito è una sequenza ininterrotta di immagini frastornanti che passano dall’incantevole (i paesaggi incontaminati che circondano i cantieri) all’atroce (la disperazione dei minatori ricoverati e delle loro famiglie), un esempio di miracolosa simbiosi di militanza senza compromessi e di meditazione estetica che scuote e ipnotizza come l’Herzog più scatenato, di sicuro la rivelazione più imprescindibile che la Mostra abbia avuto il coraggio di inserire in programma.

Il decalogo di Vasco

E dopo un’intera seconda metà di programmazione giornaliera buttata via con Il decalogo di Vasco a occupare ingiustificatamente ambo gli slot serali della Sala Darsena, solitamente riservati alla sezione principale o ai più altisonanti documentari Fuori Concorso, e a sguinzagliare per il Lido centinaia di adepti bercianti e mezzi ciucchi che hanno, fra le altre cose, ridotto le zone attigue al red carpet un’autentica pattumiera, arriva la mattina successiva a ricucire le ferite di un Concorso troppo azzoppato dalle incertezze iniziali per dirsi totalmente equilibrato l’attesissimo ritorno alla finzione di Giuseppe M. Gaudino dai tempi del mirabile e arcano esordio di Giro di lune tra terra e mare. Per amor vostro smorza il labirintico ermetismo della pellicola precedente e presenta un ritratto più accessibile di Napoli e dei suoi misteri, pur non rinunciando alle usuali stravaganze (animazioni, tableaux vivants, accelerazioni, parentesi musicali – con eccellenti composizioni folk degli Epsilon Indi -, scene oniriche, flashback stranianti) e dando vita a un intreccio volutamente slabbrato, riflessivo e incentrato, più che su una concatenazione di eventi, sulle contraddizioni e sui sommovimenti emotivi di una fauna di personaggi calata in una realtà popolare dominata dall’omertà e dall’usura.

Il cast di Per amor vostro

Ne risulta un film tanto eccentrico quanto pulsante che colma le fragilità di struttura con un’energia intrinseca dirompente e contagiosa, un incantesimo sottoproletario di grande fascino e un caleidoscopio sinestetico di suggestioni disarmanti che può contare sulla performance maiuscola di una Valeria Golino già sicura Coppa Volpi – e sarebbe la seconda -,  interprete ideale e insostituibile di un ruolo di popolaresca, combattiva umanità degno dei maggiori personaggi di Anna Magnani.

Valeria Golino - Coppa Volpi con Per amor vostro

Si è appena conclusa la cerimonia di chiusura della 72° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. La Giuria internazionale, presieduta da Alfonso Cuarón ha assegnato ai lungometraggi In Concorso i seguenti premi ufficiali:

Desde allá (From Afar) di Lorenzo Vigas

Leone d’Oro per il Miglior Film: Desde allá (From Afar) di Lorenzo Vigas
Leone d’Argento per la Migliore Regia: Pablo Trapero per El Clan
Gran Premio della Giuria: Anomalisa di Charlie Kaufman e Duke Johnson

Coppa Volpi per la Migliore interpretazione maschile: 

Fabrice Luchini - Coppa Volpi per L’hermine

Coppa Volpi per la Migliore interpretazione femminile: Valeria Golino per Per Amor Vostro di Giuseppe M. Gaudino
Miglior Sceneggiatura: L’hermine di Christian Vincent
Premio Marcello Mastroianni a un giovane attore o attrice emergente: Abraham Attah per Beasts of No Nation di Cary Fukunaga
Premio Speciale della Giuria: Abluka (Frenzy) di Emin Alper

La Giuria internazionale della sezione Orizzonti presieduta da Jonathan Demme assegna, senza possibilità di ex-aequo, i seguenti premi:

Premio Orizzonti per il Miglior Film: Free In Deed di Jake Mahaffy
Premio Orizzonti per la Miglior Regia:  Brady Corbet per The Childhood of a Leader
Premio Speciale della Giuria di Orizzonti: Boi Neon di Gabriel Mascaro
Premio Orizzonti per il Miglior Cortometraggio: Belladonna di Dubravka Turic
Premio Orizzonti per la miglior interpretazione maschile o femminile:  Dominique Leborne per Tempête di Samuel Collardey.

La Giuria internazionale del Premio Venezia Opera Prima presieduta da Saverio Costanzo assegna, senza possibilità di ex-aequo, tra tutte le opere prime di lungometraggio nelle diverse sezioni competitive della Mostra il Leone del Futuro – Premio Venezia Opera Prima “Luigi De Laurentiis” e un premio di 100.000 USD, messi a disposizione da Filmauro di Aurelio e Luigi De Laurentiis che sarà suddiviso in parti uguali tra il regista e il produttore:

The Childhood of a Leader di Brady Corbet
La Giuria della sezione Venezia Classici presieduta da Francesco Patierno assegna:

Premio Venezia Classici per il Miglior Film Restaurato: Salò o le 120 giornate di Sodoma di Pier Paolo Pasolini

Light Years

Rispetto alla scorsa edizione, ci si vede costretti ad accettare mestamente a pochi giorni dalla chiusura il livello poco più che modesto delle divisioni collaterali del programma, incapaci di risollevare con qualche bella sorpresa le delusioni del Concorso. Dalle Giornate degli Autori si affaccia l’indiano Island City, trittico di “racconti pazzeschi” sulle manie e sulle fragilità della società indiana contemporanea, ma si arena su un grottesco insistito, sulla scarsa congruenza degli episodi, sulla grana grossa dell’umorismo (il ghignante massacro della prima storia, la dipendenza da tv spazzatura della seconda) e su svolazzi di malinconia fuori luogo (il finale alla Her del segmento conclusivo).

Appena un po’ meglio, ma ben distante dall’integrità delle sorprese dell’anno passato, è il concorrente odierno della Settimana della Critica, l’inglese Light Years, ma il ritratto pre-adolescenziale a opera di Esther May Campbell mescola in maniera un po’ risaputa e poeticistica il senso ludico della magia dell’infanzia con le asperità del passaggio alla vita adulta, fra dialoghi che ambiscono al lirismo ma che alla lunga suonano solo sentenziosi e un tono filosofeggiante da straniante racconto di formazione à la Re della terra selvaggia.

Gianfranco Pannone per L'esercito più piccolo del mondo

È dalla sezione non competitiva, invece, che provengono ancora una volta le testimonianze più preziose e le emozioni più autentiche: ne è la prova il breve, straordinario documentario L’esercito più piccolo del mondo, ravvicinatissimo diario collettivo del periodo di prova di un gruppo di reclute delle Guardie Svizzere alle prese con il disorientante labirinto di bellezza vaticano, con i minuscoli e insormontabili ostacoli dell’adattamento alla cinquecentenaria ritualità del corpo e con le contraddizioni di un apparato militare chiamato a ergersi custode del massimo punto di riferimento religioso occidentale ma prigioniero del proprio retaggio cerimoniale.

Gianfranco Pannone ne riprende le tappe formative più tradizionali (l’addestramento, le gite, gli episodi di cameratismo, gli incarichi) e azzecca una meta-riflessione su forma ed estetica dei sistemi – è un’apparenza fatta di sgargianti uniformi e di rigido protocollo a dare un senso all’istituzione o c’è dell’altro? – che funge anche da metafora della rappresentazione e del linguaggio-cinema stesso. I momenti memorabili sono tantissimi (uno su tutti, l’immagine mozzafiato del piantone che “sbircia” da distante il Giudizio Universale della Cappella Sistina), l’evidente status di progetto su commissione è aggirato da sottili impertinenze (geniale l’impiego di Papa Bergoglio come comparsa e indimenticabile la sua passeggiata solitaria fra uffici e cassonetti) e l’occhio distaccato ma sensibile di Pannone sa elevare una materia ricercatamente piccola (come titolo suggerisce) a questione universale.

Tanna

Un piccolo sussulto proviene dalla sonnacchiosa Settimana della Critica con la tragedia aborigena Tanna, che mette in scena una variazione primitivista del canone di Romeo e Giulietta calandola nella realtà tribale, tanto intaccata dal passaggio della civiltà quanto ancora aggrappata a superstizioni e soffocanti tradizioni secolari, di un villaggio Yakel minacciato dalla violenza dei clan rivali. Se è vero che la cura formale resta ineccepibile (a partire dalle abbacinanti riprese vulcaniche) e che le abusatissime premesse di partenza trovano nella preponderanza degli ambienti e nella forza delle caratterizzazioni un vincente elemento di novità, viene da pensare che il tutto alla fine si presenti piuttosto edulcorato e messo al confortevole livello del pubblico di riferimento – quello occidentale -, facendosi tanto accessibile quanto privato del proprio fascino ancestrale e del proprio mistero (Un incendio visto da lontano di Iosseliani, per dire, era tutt’altra cosa) e che l’operazione, che sembra inizialmente possedere genuine coordinate documentaristiche, finisca per cadere vittima di un’eccessiva artefazione.

Wojciech Mecwaldowski, Paulina Chapko e Jerzy Skolimowski per 11 MInut

Ci si aspettava molto, poi, da uno dei decani della manifestazione e da uno dei capolavori annunciati della stagione, ma il reticolo narrativo destrutturato di 11 minut di Jerzy Skolimowski lascia quantomeno perplessi: se lo scheletro hyperlink è effettivamente articolato con intelligenza e con una gestione non scontata delle prospettive, fra conflitti e idiosincrasie quotidiane che convergono a inarrestabile effetto domino nel lasso temporale del titolo, il girotondo esistenziale del regista polacco si esaurisce in un fuoco di paglia e in una generica – e a tratti iettatoria – disquisizione sul Fato di gratuito nichilismo e ad altissimo, soverchiante tasso di effettismo che culmina in un finale inutilmente roboante a base di ralenti, esplosioni, disgrazie, clangori e sfracellamenti che vorrebbe dirsi cosmico ma che assomiglia soltanto al climax di un Final Destination qualunque. Che Skolimowski sia un regista di impatto è cosa nota e buona, ma questa volta tutto sembra procedere in funzione di una mattanza finale che non ha nulla né di catartico, né di vibrante, ma solo di compiaciutamente irrisolto.

Emin Alper - Abluka

Il Concorso continua a svilupparsi altalenante, relegando le ultime possibili sorprese a due passi dalla chiusura e affastellando delusioni cocenti che restituiscono l’immagine di poetiche offuscate da maniera e interlocutorietà. Prima di affrontare il disastro della mattinata, però, urge metabolizzare il piccolo sussulto provocato dal notevole concorrente turco, l’opera seconda con cui il quarantenne Emin Alper torna ad affrontare, con tutta la padronanza (ma anche tutta la presunzione) guadagnata con l’esplosivo racconto morale di Tepenin ardi: Abluka prosegue e approfondisce, infatti, quello studio sulla paranoia e sulla progressiva discesa nella follia già fulcro del debutto, amplificandone portata e ambizioni, lucidità e incoscienza, pregi e difetti, tratteggiando il ritratto delle antitetiche e parallele psicosi di due fratelli alle prese con i propri rimpianti (la sindrome da abbandono), le proprie paure (l’incombere della guerra e del terrorismo) e i propri fantasmi.

Quello di Alper è dunque un’inarrestabile caduta nell’ossessione privata che si accompagna all’istantanea di una società martoriata dall’oppressione e dalla minaccia (vere o apparenti che siano), ma rispetto all’equilibrio e alla più centrata parabola universale del debutto, il climax di tensione si fa più sbilanciato e smodato (le allucinazioni puzzano alla lunga di artefatto), l’allegoria più appannata e indistinta (cosa rappresenterebbe la disinfestazione dei cani?), la mano più pesante e calcata. Alper non lesina sulle asperità e sulle spigolosità, dando una forma genuinamente angosciosa e asfissiante al tutto, non temendo di suscitare di scena in scena autentico fastidio e si riconosce il coraggio di un linguaggio già personalissimo sempre più astratto e sintetico, ma questa volta la catarsi non si risolve del tutto e la decifrazione dell’insieme rischia di sfuggire.

Marco Bellocchio e il cast di Sangue del mio sangue

Decisamente sconfortante, invece, la terza partecipazione italiana alla competizione, quella, oltretutto, da cui era lecito aspettarsi la svolta: con il pastrocchio ribollente di Sangue del mio sangue, Marco Bellocchio attinge a piene mani dal suo catalogo di private ossessioni (la natia Bobbio madre e matrigna, il fatalismo del pensiero religioso, il mistero onirico del quotidiano e quant’altro ancora) e cade in un deliquio senza sbocchi e pericolosamente chiuso su se stesso, un guazzabuglio di misticismo e psicanalisi che, fra streghe, tribunali dell’Inquisizione e reincarnazioni, sembra più che altro l’autoreferenziale versione parodica della crisi de La visione del sabba, derubato però della sua vitale incoscienza e della sua ancora oggi fascinosa suggestione immaginifica, sostituite qui da un microcosmo forzatamente sarcastico di simboli e di situazioni (il vampiro ultracentenario di Roberto Herlitzka, il matto farneticante di Filippo Timi, il truffatore travestito da funzionario di Pier Giorgio Bellocchio), da un ombelicalismo sconfortante (era da anni che Bobbio, “il mondo”, non figurava in misura così soverchiante nell’opera di Bellocchio) e da un’indecisione generalizzata sull’intero progetto – già a partire dal titolo, scelto all’ultimo dopo i provvisori La monaca, La prigione di Bobbio e L’ultimo vampiro – che costituiscono per Bellocchio un notevole, sghembo passo indietro rispetto alla lucidità degli ultimi capolavori.

Anomalisa di Charlie Kaufman

Ancor più inaccettabile e irricevibile è l’approdo di Charlie Kaufman all’animazione dopo le sproporzionate smanie autoriali di Synecdoche, New York: con l’alibi di una visionarietà pretestuosa e presunta, lo sceneggiatore Premio Oscar descrive con Anomalisa un breve incontro di intollerabile inconsistenza aggrappato a trovatine facili facili e dal fiato corto che si esauriscono presto (l’idea di un’unica voce che, a voler simboleggiare una massa indistinta e spersonalizzata, doppia tutti i comprimari escluso il love interest del protagonista), montagne di fuffa (le riflessioni tardo-adolescenziali sulla caducità dell’amore, un pallido ricordo delle struggenti incertezze di Eternal Sunshine of a Spotless Mind) e bizzarrie gratuite (era davvero necessario il ricorso alla stop-motion, mai usata a finalità espressive e poetiche?).

Resta l’impressione di un immaginario indie putrefattosi e trasformatosi in posa, a disposizione dell’eclettismo di facciata di una generazione social (che, infatti, l’ha generosamente applaudito) pronta a prendere per oro colato le banalità sconfortanti e l’aria fritta fuoriuscite dalla vena inariditasi di un poeta (solo presunto?) dei sentimenti oggi accontentatosi del ruolo di affabulatore di quart’ordine.