Il cast di The Endless River

Se con la presentazione dell’interlocutorio squarcio adolescenziale Montanha del portoghese João Salaviza e dell’indistinto scavo nella condizione femminile Ana Yurdu della turca Senem Tüzen si conferma il sospetto che la Settimana della Critica, fiore all’occhiello e sezione complessivamente migliore dell’edizione passata, non abbia dato le soddisfazioni sperate, è con il Concorso che la Mostra subisce una nuova, micidiale battuta d’arresto.

Il sudafricano The Endless River getta infatti la selezione nuovamente nell’abisso dell’autorialità più severa e intransigente, proponendosi come l’oggetto più respingente e ostile della competizione: non che la cosa sia necessariamente un male di per sé, anzi, ma la terza fatica di Oliver Hermanus gira intorno a presupposti e suggestioni tanto potenti sulla carta (la descrizione di due solitudini unite dal lutto ma condannate comunque a non conciliarsi mai, le sensibilità praticamente western del contesto, rese già evidenti dai titoli di testa in stile classico MGM) quanto disinnescati da una gestione indolente e abborracciata del tutto che si limita a impaludarsi nell’insistita mestizia dell’insieme e a sguazzare nell’indeterminatezza dell’intreccio.

Forse Hermanus si è evoluto rispetto al bieco, gelido enumeratore di nefandezze che fu (anche se, come nel precedente Skoonheid, è lasciato grande spazio a una scena di stupro che non lascia scampo), ma il suo cinema non povero di spunti ha i piedi d’argilla, e affrontare la sua programmatica sgradevolezza non conduce ancora a qualcosa di davvero gratificante.

Il cast di Non essere cattivo

Si torna in Italia e ci si dimentica della distribuzione dei premi la mattina successiva, con l’approdo in Darsena del film-testamento di Claudio Caligari, che sull’onda della di lui prematura, recentissima scomparsa molti avrebbero visto volentieri a giocarsi il Leone d’Oro: Non essere cattivo, tuttavia, è un ibrido che a tratti contraddice l’approccio documentaristico e il tono autentico dell’autore di Amore tossico, di cui ritornano la cosmica desolazione borgatara e l’occhio affettuoso rivolto alla vita di espedienti dei suoi protagonisti, annacquati però da gratuiti scivoloni nel melodramma (praticamente tutto il secondo tempo) che si risolvono in un’artefazione generale fuori luogo per la poetica di chi si era presentato come un alfiere del cinema-verità.

Luca Marinelli e Alessandro Borghi

E se è innegabile che, come a fine secolo lo fu l’altro tuffo a ritroso di vent’anni de L’odore della notte, Non essere cattivo possa dirsi un’opera aliena orgogliosa del proprio anacronismo e della propria autarchia, le situazioni e i personaggi appaiono più derivativi e meno a fuoco di quanto sembrino, e nonostante un cast in palla (in primis un Luca Marinelli allucinato e irriconoscibile) viene quasi il dubbio che il culto tributato a questo sfortunato cantastorie della periferia romana sia stato leggermente sproporzionato.

Meshi Olinski, Amos Gitai e Sarah Adler

Era necessario che la Mostra effettuasse il giro di boa e si affidasse a un altro dei suoi più affezionati visitatori perché il Concorso riequilibrasse un livello ormai penalizzato da tante, troppe cadute: Amos Gitai, per la quarta volta consecutiva in Laguna a trovar posto fra una sezione e l’altra, alza il tiro e realizza il tassello definitivo e compendiario della sua decennale disamina dell’identità israeliana, non, come forse ci si poteva aspettare un’indagine complottistica à la JFK o un primo piano della personalità e dell’operato del primo ministro laburista che rischiò di rendere possibile la pace in Terrasanta, ma una amarissima, furibonda e polemica riflessione sulla sua assenza, sugli oneri e sulle rivendicazioni odierne di un intero Paese incapace di fare i conti con le proprie contraddizioni e con i propri sensi di colpa.

Mescolando materiale d’archivio, ricostruzioni finzionali, interviste, usuali divagazioni in long-take e atti processuali, Rabin: The Last Day diventa così una meditazione sul Potere che fa a pezzi tutti i possibili manicheismi che accompagnano la questione mediorientale e una nuova occasione per il regista di Ana Arabia di interrogarsi sul senso di responsabilità che coinvolge tutti, uomini di Stato e artisti, vittime e assassini, testimoni e complici.

Bomba a mano sganciata sul Concorso, il nuovo capolavoro di Amos Gitai è a questo punto l’unico titolo di Venezia72 (sì, anche più di Sokurov) a poter ambire senza riserve alla vittoria finale.

Richard Jenkins,Lisa Cholodenko e Frances McDormand

Nell’entusiasmo generale per il capolavoro di Martone, ci eravamo dimenticati di includere nel computo di ieri un altro dei grandi protagonisti della Mostra, la miniserie HBO Olive Kitteridge, che porta pure un pizzico di glamour a una giornata sempre interessante, ma decentrata rispetto alla Mecca del cinema e ai suoi succedanei.

Frances McDormand con il marito Joel Coen

Fluviale, fedelissimo adattamento dell’omonima raccolta di racconti di Elizabeth Strout premio Pulitzer per la narrativa nel 2009 e capitolo fra i più rappresentativi del romanzo americano di inizio secolo, è un’opera di ampissimo respiro e di insostenibile coinvolgimento trainata fondamentalmente da due registri, quello sarcastico e maniacale della sua protagonista, una Frances McDormand superba e capace di restituirci un personaggio uno dei più meschini e ripugnanti della pagina scritta contemporanea, e quello tenero e amorevole del marito Henry (lo straordinario Richard Jenkins, al culmine del suo registro patetico e una volta tanto personaggio di primo piano). Le quattro ore abbondanti di durata non conoscono cedimento, riarrangiano il materiale di partenza con un sapiente gioco di rimandi, ellissi e salti all’indietro e confermano il talento puro di Lisa Cholodenko – rivelatasi anche da noi con il bel I ragazzi stanno bene – come misurata e provetta direttrice d’attori (nell’ultimo episodio c’è spazio anche per un breve contributo di Bill Murray, lunare e stranito come non mai).

Villa Touma

Continua, nel frattempo, lo stato di grazia della Settimana della Critica – che si sta lentamente imponendo come la sezione migliore della manifestazione – con l’intrigante Villa Touma, esordio nella fiction della documentarista quarantacinquenne Suha Arraf. La sua è una graziosissima, affascinante e imprevedibilmente crudele “cenerentolata” israelo-palestinese in gran parte chiusa nell’edificio che dà il titolo al film in cui il tempo è rimasto, fra ridicole formalità a base di matrimoni combinati e anacronistica etichetta, forzatamente fermo al 1967 grazie alla ferrea gestione di tre sorelle zitelle (Nisreen Faour, Ula Tabari e la splendida Cherien Debis, quest’ultima presente nelle Giornate degli Autori dello scorso anno con il suo May in the Summer).

Gustave Kervern, Michel Houellebecq e Benoit Delepine

Nella sezione Orizzonti invece si impone una delle pellicole più esaltanti fra tutte quelle viste finora, forse la migliore extra-Concorso: si tratta di Near Death Experience, sortita nell’avanguardia degli autori di Louise-Michel Benoît Delépine e Gustave Kervern. L’esperimento, girato gloriosamente in un digitale di men che mediocre qualità, segue l’allucinato e in grandissima parte solitario girovagare per le montagne della Provenza di un uomo di mezza età – nientemeno che il celeberrimo scrittore Michel Houellebecq, ridotto a uno stato pietoso -, impegnato in surreali tentativi di suicidio, transfert psicologici estremi, monologhi sui massimi sistemi, gare di biglie con vagabondi e raptus inopinati (già di culto il ballo tarantolato a ritmo di War Pigs dei Black Sabbath). Insopportabile o irresistibile a seconda delle disposizioni, è un All is Lost in versione concettuale, folle e sconclusionata che azzecca un tono a metà fra l’elegia e la parodia di quest’ultima, rapendo, ammaliando, sfidando e persino divertendo lo spettatore dall’inizio alla fine.

Nobi

Il concorso si riapre con l’unico ospite nipponico della selezione, il febbrile war-movie Nobi, che riporta nel circuito maggiore il cineasta di culto Shinya Tsukamoto dopo la vittoria in Orizzonti con il precedente Kotoko: il film non è solo la versione per lo schermo del più acclamato libro di Sh?hei ?oka, ma il remake, anzi, la copia pedissequa del celebre adattamento del 1959 a opera di Kon Ichikawa da noi distribuito col titolo Fuochi nella pianura e si fatica ad immaginare la necessità di un rifacimento così inutile e intempestivo (allora Nagasaki e Hiroshima erano ancora ferite apertissime e la rappresentazione della guerra da parte dell’autore de L’arpa birmana era in anticipo di decenni sul resto), perdipiù di un antecedente già di per sé estremamente affine alle tematiche e al linguaggio tsukamotiano – e infatti la mano del creatore di Tetsuo sembra paradossalmente scorgersi più nell’originale.

Alla fine Tsukamoto sembra aver capito ben poco della materia, puntando tutto sugli usuali compiacimenti a base di ultraviolenza, dettagli splatter e sarcasmo e non riuscendo a trasmettere neanche per un attimo il sincero messaggio pacifista di Ichikawa o la sua atmosfera autenticamente malsana. Nobi è quindi un compitino superfluo e svolto pigramente, che conquisterà soltanto schiere di fan irriducibili dell’alfiere cyberpunk che della pietra miliare di oltre mezzo secolo fa non hanno evidentemente neanche sentito parlare.