Punta decisamente in alto Andrea De Sica per il suo esordio al lungometraggio con I figli della notte, film in cui si percepisce piuttosto chiaramente il desiderio da parte del regista di distaccarsi il più possibile da quanto il cinema italiano mainstream stia continuando a proporre. 35 anni, una genealogia a dir poco ingombrante (è il figlio del compositore Manuel, scomparso nel 2014 e il nipote di Vittorio), ha scritto e diretto vari corti e documentari e, dopo un diploma in regia al Centro Sperimentale di Cinematografia, è stato assistente di Bertolucci, Ozpetek, Vicari e Marra. Che non siamo davanti al lavoro di un principiante si percepisce sin dalle prime scene, in grado di trasmettere una certa sicurezza del mezzo cinematografico con movimenti di macchina precisi e ben calibrati.

Ci troviamo in un esclusivo collegio per rampolli di buona famiglia, completamente isolato in mezzo alle montagne del nord Italia. Giulio (Vincenzo Crea), orfano di padre e con una madre troppo impegnata nel lavoro per prendersi cura di lui, è tra gli ultimi arrivati e viene a confrontarsi con un ambiente rigido e severo, regolato da una ferrea disciplina. Presto il ragazzo stringe amicizia con Edoardo (Ludovico Succio), mandato lì in seguito ad alcuni disturbi comportamentali. Insieme cercheranno di sopravvivere a alla rigidità che gli viene quotidianamente imposta, andando alla scoperta di luoghi bizzarri durante alcune fughe notturne e verranno a conoscenza di un misterioso segreto che ha coinvolto il collegio anni prima.

La recensione de I figli della notte di Andrea De Sica

Dietro all’intonaco del racconto di formazione, I figli della notte mette insieme tanti altri generi – dal thriller al noir – che omaggia e fa propri, creando delle atmosfere visivamente seducenti e accattivanti. Il rigido sistema educativo applicato all’interno della struttura, che invita gli acerbi rappresentanti della classe dirigente del futuro alla spietatezza e all’inumanità, è funzionale alla costruzione di un clima di minaccia soffocata costante e pone l’accento sul difficile rapporto genitori-figli (che nelle classi sociali più alte, sembra suggerire il giovane De Sica, forse anche per esperienza diretta, è ancora più disperato e irrecuperabile), in un momento delicato come il passaggio all’età adulta.

Girato con occhio sicuro e con un’eleganza inconsueta (ci sono dei carrelli notevoli), I figli della notte attinge a piene mani da opere arcinote come Shining e L’attimo fuggente, passando per il Suspiria di Dario Argento – di cui sembra una versione al maschile – ma anche da pellicole meno conosciute (Hotel di Jessica Hausner), pur trovando il suo punto più debole in uno script troppo esile per sostenere appieno tutto il materiale proposto. Un castello di carte che, soprattutto nel prefinale, lascia percepire una discreta inconsistenza strutturale.
È vero, il tiro va ancora aggiustato, ma una cosa è certa: è nato un autore. E di questi tempi, nel cinema italiano, non è poco.

Voto 6,5

Rigenerante antidoto ai tonitruanti, bulimici sermoni di Interstellar e al tanto insistito quanto artificioso “effetto-verità” di Boyhood, dalla line-up di Cannes2014, dal cui Palmares è stato clamorosamente escluso, approda finalmente in sala il ritorno dietro la macchina da presa di Jean-Pierre e Luc Dardenne, quel Due giorni, una notte che, dopo un paio di ottime opere di transizione come Il matrimonio di Lorna e Il ragazzo con la bicicletta, ritrova lo stato di grazia e di finitezza formale dei loro imprescindibili capolavori a cavallo a fra i due secoli. Risultato di abbacinante, fulgida purezza, la peregrinazione suburbana dell’operaia Sandra (Marion Cotillard) e i suoi incontri con i colleghi che dovrebbero garantirle la permanenza sul posto di lavoro è una mini-odissea individuale di insostenibile partecipazione, non un bieco studio sull’avidità e sull’egoismo fatto di manicheismi fasulli, ma una parabola sulla solidarietà, sull’empatia e sul sacrificio raccontata con la potenza incontenibile della grammatica di base dell’espressione filmica.

Rinunciando come di consueto all’uso del primo piano, all’alternanza di campi e controcampi e a qualsiasi altra forma di “mistificazione” registica, i fratelli valloni catturano l’essenza del quotidiano con l’eccezionale naturalezza che contraddistingue la loro produzione dai tempi de La promesse in poi, mettendo in scena una specie di La parola ai giurati sottoproletario dell’epoca della crisi, riuscendo a trasporne la medesima tensione e il medesimo tormento nei limiti dell’ordinaria miseria della periferia, lungo un percorso, lontanissimo da ogni ostentazione calvarica, nel quale al centro di tutto rimane sempre e comunque la dignità e al termine del quale un lieto fine per riconquistare il piacere di vivere è solo grasso che cola.

A servizio della pellicola, e, miracolosamente, non viceversa, Marion Cotillard è una protagonista impagabile e mimetica, coraggiosissima nel suo anti-divismo a mettersi nelle mani di due già comprovati direttori di attori di estrema sensibilità – si pensi alla Émilie Dequenne di Rosetta e all’Olivier Gourmet de Il figlio (loro personale feticcio che, per la gioia degli affezionati, torna nell’epilogo nei panni del “villain” Jean-Marc), interpretazioni entrambe premiate sulla Croisette -, l’incarnazione esemplare di un ritratto al femminile complesso e coinvolgente come Almodóvar solo si sogna. Una performance affiancata dall’altrettanto insostituibile Fabrizio Rongione, altra figura ricorrentissima nella filmografia dei due cineasti belgi, con cui innesca una delle storie d’amore più trascinanti e autentiche del cinema contemporaneo, un “soli contro tutti” di epica normalità che culmina con quel gioco di sguardi, sorrisi e silenzi in auto con La nuit n’en finit plu di Petula Clark in sottofondo – un momento di purissima commozione – e che non può non far pensare alla coppia Gary Cooper/Grace Kelly di Mezzogiorno di fuoco, classico di cui ricalca a grandi linee lo svolgimento e il tono concitato, ma, forse un po’ sorprendentemente, non il senso di sfiducia e di scoramento nei confronti del prossimo, sostituito da quel moderato ottimismo e da quell’inno alla vita che persino nello squallore di Rosetta finivano per emergere.

Perfettamente compiuto nella sua ripetitività e nel suo minimalismo come solo certe composizioni di Steve Reich o certe installazioni di Sol LeWitt riescono a essere (e non da essi zavorrato, come la stampa statunitense, in vista degli Oscar, va zoticamente cianciando), Due giorni, una notte è, in sostanza, un minuscolo prodigio che restituisce alla Settima Arte la sua trasparenza e la sua urgenza, un’ora e mezza di assoluta, disarmante onestà artistica e umana che, pur riportandoci anche duramente alla realtà fuori dalla sala, ci ricorda ancora una volta le proprietà salvifiche ed entusiasmanti del grande schermo.

Dovendo scegliere un solo film da vedere in tutto il 2014, con buona pace di astronauti, di donne scomparse e di altri zuccherini per l’Academy e per le multisale, con Due giorni, una notte si va sul sicuro.

Voto 9