Un’imponente operazione di ritorno alle origini. Pirati dei Caraibi – La Vendetta di Salazar, quinto capitolo del franchise partito a razzo nel 2003 che negli anni ha perso smalto e incisività, è nato e si è sviluppato sin dal principio come un tentativo parzialmente riuscito di rilancio della saga. Annunciato ancor prima dell’uscita del prescindibilissimo Oltre i Confini del Mare, il film che ha avuto una lavorazione a dir poco difficoltosa, tra modifiche di sceneggiatura, cambi di registi, tagli al budget e ritardi vari, punta molto sulla figura di Jack Sparrow, il pirata antieroe egoista e balordo interpretato da Johnny Depp con un debole per il rum e per le belle donne, ma anche sulle vecchie “amicizie” del filibustiere, sui rapporti con i nemici di sempre e su qualche faccia nuova, giusto per andare a prendere quel po’ di pubblico che nel 2003, anno di uscita de La maledizione della prima luna, forse ancora non aveva l’età per andare al cinema.

Di che cosa si tratta? Beh, c’è un Johnny Depp mai così gigione, effetti speciali supersonici, un pizzico di magia e, naturalmente, tanti pirati. Il nuovo villain, il Salazar del titolo interpretato da Javier Bardem, è una specie di corsaro-zombi in cerca di vendetta mentre ci sono anche facce conosciute ai fan della saga come capitan Barbossa, interpretato da Geoffrey Rush, insieme alle new entry Brenton Thwaites e Kaya Scodelario. Ah, c’è anche Paul McCartney nei panni dello zio di Sparrow, che ha seguito le tracce del rivale storico – il Rolling Stone Keith Richards – padre del pirata nei capitoli precedenti.

Pirati dei Caraibi – La Vendetta di Salazar: la recensione del film con Johnny Depp

A fronte di una durata eccessiva, bisogna riconoscere che in più di un passaggio il film funziona: le intenzioni dietro a questo quinto capitolo con ogni probabilità miravano a tornare sulla rotta iniziale: un prodotto mainstream dal forte impatto visivo, con una storia accattivante, che fosse esuberante ed esagerato come solo le avventure possono essere, con ritmo e visionarietà a farla da padroni. Certo lo script funziona a singhiozzo e alcuni dialoghi avremmo preferito non sentirli, ma nel complesso rimane un prodotto che diverte e intrattiene.
Buona la prova dei nuovi arrivati, Thwaites e Scodelario, ma il cattivissimo e magnetico Bardem-Salazar rimane il personaggio più riuscito.

Voto 6,5

Sono iniziate da pochi giorni a Sidney le riprese di Gods of Egypt, film ambientato nell’antico Egitto diretto da Alex Proyas (Io, Robot, Il Corvo) in uscita nel 2016. Ed ecco arrivare le prime foto dal set, dove vediamo Gerard Butler che interpreta Set, il Dio del deserto e l’attrice francese Elodie Yung (G.I. Joe – La vendetta) Hathor, la dea egiziana della gioia e della maternità.

Nel cast ci sono anche Nikolaj Coster-Waldau e Geoffrey Rush, rispettivamente il Dio del Cielo Horus e il Dio Sole Ra. Protagonista della pellicola sarà invece Brenton Thwaites (Maleficent), nei panni di un ladro che verrà coinvolto suo malgrado in uno scontro fra divinità quando Set ucciderà Osiride, scatenando l’ira del figlio del defunto, Horus, che cercherà di vendicarsi, finendo invece con il perdere gli occhi. Horus allora cercherà la collaborazione di Hathor e di un mortale (Thwaites appunto), perdutamente innamorato di una schiava.

Una storia semplice e misteriosa, nata delle ceneri di due diversi soggetti ai quali Tornatore lavorava da tempo, che nella fusione hanno trovato finalmente un senso e un esito narrativo. Con ambientazioni mitteleuropee (il film è stato girato tra Trieste, Vienna, Bolzano, Parma, Praga, Roma e Milano), La migliore offerta racconta la storia di Virgil Oldman (Geoffrey Rush) genio eccentrico e maniacale, battitore d’aste e profondo conoscitore d’arte noto in tutto il mondo. La sua vita scorre gelida e distaccata, al riparo dai sentimenti, almeno fino a quando una donna misteriosa (la giovane attrice olandese Sylvia Hoeks) lo invita nella sua villa per effettuare una valutazione dei beni lasciati dai suoi genitori. Per Virgil sarà l’inizio di una serie di eventi che sconvolgeranno per sempre la sua esistenza.

Lasciatosi alle spalle le atmosfere assolate della sua Sicilia nel dispendioso e controverso Baarìa, Giuseppe Tornatore si sposta al centro dell’Europa e, per la prima volta abbandona la pellicola in favore del digitale per realizzare un film di maniera, dal gusto estetico ineccepibile. Come già accaduto nel 1994 con Una pura formalità e successivamente nel 2006 con La sconosciuta, il regista Premio Oscar ritorna a battere i sentieri del giallo e confeziona un thriller sentimentale  incentrato sulla performance di un attore navigato e perfettamente in parte come Geoffrey Rush, e di un cast satellite che, per quanto si sforzi, non gli si avvicina nemmeno lontanamente. Partendo dal presupposto secondo cui i sentimenti umani sono come le opere d’arte e quindi si possono simulare, il regista Tornatore non perde occasione per marcare il territorio inserendo ne La migliore offerta alcuni temi ricorrenti del suo cinema. Ritroviamo l’agorafobia, la paura degli spazi aperti di cui soffriva Novecento, il pianista sull’oceano, che invece qui connota il personaggio di Claire, così come la mania del collezionismo artistico rappresentato dalle scene di baci tagliate in Nuovo cinema Paradiso che trova un valido parallelismo nei ritratti femminili raccolti da Virgil e rinchiusi nel suo caveau.

Il Vero e il Falso si confondono e si rincorrono in questa pellicola estetizzante e dall’ammaliante  confezione in cui si percepisce fino in fondo l’ossessione di Tornatore per gli spazi (location, scenografie e fotografia da manuale, il tutto sottolineato dalle gravi musiche di Ennio Morricone). Peccato che, come spesso accade nei film horror con la tensione iniziale che subisce una battuta d’arresto quando vengono svelate le fattezze del “mostro” o dell’assassino di turno, allo stesso modo La migliore offerta inizia a vacillare quando il personaggio femminile diventa finalmente visibile. Da lì in avanti la storia si sgretola fino ad arrivare a un epilogo costruito come un coup de théâtre, che di fatto non lo è.

Voto 6

I pirati sbarcano al cinema ed è già record. Il quarto episodio della saga sarà distribuito da Disney in 1.028 sale, di cui 537 con dotate di 3D. Un dato particolarmente significativo, dato che si tratta del primo film in assoluto ad uscire in un così alto numero di copie, la metà delle quali in 3D. Tanto per avere un riferimento, Avatar è uscito a gennaio del 2010 (circa un anno e mezzo fa) in 900 sale di cui solo 251 erano pronte ad offrire al pubblico una visione tridimensionale del film di Cameron. Tornando ai pirati, questa volta il capitan Jack Sparrow e il capitano Barbossa (Geoffrey Rush) partono insieme, alla ricerca della leggendaria Fontana della Giovinezza. A causa di una serie di eventi, Sparrow si ritrova sulla Queen Anne’s Revenge del famigerato Barbanera e il primo ufficiale altri non è che Angelica (Penélope Cruz), una sua vecchia fiamma nonché figlia del terribile pirata. Alla ricerca della fonte, però, ben presto ci si mettono anche gli spagnoli, con lo scopo di distruggerla in quanto pagana, e una vecchia conoscenza di Jack, Barbossa, ora alla corte del sovrano inglese, ma in realtà assetato di vendetta. Riusciranno i nostri eroi a raggiungere la tanto agognata Fontana della Giovinezza?

Vi diciamo subito che per saperlo dovrete attendere quasi due ore e mezza. Il passaggio di testimone da Gore Verbinski (regista degli altri tre film) al coreografo Rob Marshall (Chicago, Nine), si percepisce, eccome. Aggiungendo dinamicità e spettacolarità ai numerosi duelli e agli inseguimenti, Marshall tiene meno da conto l’elemento visivo globale delle sue scene. Per quanto riguarda la storia, poi, è meglio non aspettarsi troppo. I dialoghi sono carenti (se ne salva giusto qualcuno tra Depp e la Cruz) e gli attori si limitano a fare quello che prevede il copione, Depp compreso. Rapito ormai dal personaggio di Sparrow, che in questo capitolo giggioneggia più del solito, viene da chiedersi se tornerà mai ad essere l’attore di un tempo. La mancanza di Keira Knightley e Orlando Bloom si fa sentire e l’unico ad offrire una performance degna di nota è, come sempre, l’immenso Geoffrey Rush, che fa letteralmente mangiare la polvere agli altri, e senza sforzarsi eccessivamente.

Insomma, se Oltre i confini del mare fosse durato un po’ meno, se avesse potuto contare su un plot più avvincente e se avesse puntato di più sullo sviluppo dei personaggi, se ci fosse stata una maggiore tensione e un più esplicito invito al coinvolgimento nei confronti dello spettatore… Un po’ troppi questi se. Per quanto riguarda il 3D, non fa assolutamente la differenza. Sono altre le cose che non funzionano in OLtre i confini del mare: anche le pellicole che nascono con il solo scopo di intrattenere (intenzione non facile, né tantomeno scontata) hanno bisogno di qualcosa di solido su cui poggiarsi e, soprattutto, non vivono di rendita in eterno.

Voto 5

Dopo la morte di suo padre Re Giorgio V (Michael Gambon) e l’abdicazione di suo fratello Edoardo VIII (Guy Pearce), Bertie (Colin Firth), che soffre sin da piccolo di una grave forma di balbuzie, viene incoronato Re Giorgio VI d’Inghilterra. Con il suo paese sull’orlo della II Guerra Mondiale e l’affermazione della radio come mezzo di comunicazione sempre più diffuso, sua moglie Elisabetta (Helena Bonham Carter), la futura Regina Madre, organizza al marito un incontro con un eccentrico logopedista dai metodi poco ortodossi (Geoffrey Rush). Dopo un inizio burrascoso, tra i due si instaurerà un legame che andrà ben oltre le aspettative iniziali.

La balbuzie di Bertie viene fatta rivivere intensamente negli spettatori con un processo identificativo che funziona perfettamente. Il futuro Re d’Inghilterra incute una tenerezza disarmante, azzoppato com’è in una delle qualità a lui più necessarie. E Colin Firth è qui alla sua migliore prova d’attore (paragonabile solo allo straziante George Falconer di A Single Man), anche se si trova a fare i conti con Geoffrey Rush, eccezionale come al solito, in un ruolo più misurato e meno da mattatore rispetto a quelli in cui siamo abituati a vederlo. A completare questo azzeccato terzetto attoriale, c’è Helena Bonham Carter, sfuggita per un istante dai personaggi mostruosi in cui la imprigiona sempre più spesso suo marito Burton, qui alle prese con il ruolo garbato e sensibile della futura Regina Madre.

Il regista britannico Tom Hooper si dimostra bravissimo nell’equilibrare due elementi fondamentali nella riuscita del suo film: l’amicizia in grado di superare ogni barriera sociale e la possibilità di riscatto di un uomo di potere, attraverso un percorso che non prevede sconti di sorta. Il dramma di Bertie è messo in relazionae con quello storico dell’avvicinarsi della II Guerra Mondiale, nell’Europa sempre più stretta dalla morsa di Hitler (guardacaso astuto sfruttatore del mezzo radiofonico, attraverso il quale “incantava” le folle). Ottimo lo spunto (coincidenza, lo sceneggiatore del film David Seidler da piccolo soffriva di balbuzie) anche se la pellicola risente di qualche calo di tensione nel corpo centrale della narrazione e di un po’ di caratterizzazione in più nel delineare alcuni personaggi (nel film manca la figura del cattivo nel senso più stretto del termine). Quindici milioni di dollari sapientemente spesi (una cifra davvero poco consistente, dato che si tratta di un film in costume), un Golden Globe appena vinto da Firth e il toto Oscar che lo vede tra i super favoriti. Il discorso del re è di fatto un film da vedere.

Voto 7