La casa di distribuzione A24 ha diffuso online il trailer di It Comes at Night, il film scritto e diretto da Trey Edward Shults interpretato da Joel Edgerton.

Nel film Edgerton interpreta un uomo costretto a difendere la propria famiglia da alcune forze maligne che si aggirano nel bosco intorno alla loro casa. Nel cast anche Carmen Ejogo, Riley Keough, Christopher Abbot e Kelvin Harrison Jr..

It Comes at Night debutterà nelle sale americane il prossimo 9 giugno.

“Non è giusto”.
È quello che ripete di continuo (per lo più a se stesso) Richard Loving (Joel Edgerton), incredulo di fronte ad una legge che gli nega il diritto di stare accanto a sua moglie Mildred (Ruth Negga), di dormirci assieme o anche solo di tenerla per mano mentre camminano per strada.
“Non è giusto”.
Lo dice a mezza bocca e con sguardo basso, ché Richard è uno abituato parlare poco e a farsi i fatti suoi, senza disturbare. Ma lui è bianco e Mildred no e in Virginia, nel 1959, le unioni miste sono punite con l’arresto immediato o, in alternativa, con l’esilio.
E Richard rimane in silenzio anche quando c’è da fare i bagagli, salutare tutti e andare via, verso la prima città (in questo caso Washington) dove lui e sua moglie possano vivere tranquilli.
Perché la sola cosa importante per Richard è stare insieme a Mildred. Poi gli anni passano e l’amore dei coniugi Loving cresce insieme ai figli arrivati nel frattempo. Ma la nostalgia dei grandi spazi aperti e di una casa che si è stati costretti ad abbandonare in piena notte rimane. Oltre alla consapevolezza che, legge o non legge, quella subita sia la peggiore delle ingiustizie.

Ora, si è detto e scritto molto di come Loving sia un film che si regge quasi interamente sulle interpretazioni dei suoi attori principali, e, in qualche modo, è anche vero.
Ruth Negga è, in una parola, straordinaria e agli antipodi rispetto alla femminilità aggressiva veicolata lo scorso anno nella serie Preacher  – è cosa piuttosto recente ma ricordiamo che, per questo ruolo, ha avuto una nomination agli Oscar – ma Edgerton non è affatto da meno, in un miracolo di sottrazione e mezzi toni che rendono il suo Richard Loving il ruolo di una vita. L’attore non si limita infatti a vestire i panni di un umile bifolco della Virginia verso la fine degli anni ’50, bensì diventa quell’uomo. Il lavoro sulla postura e il modo in cui smozzica le sue poche battute vanno a comporre un personaggio d’altri tempi, qualcosa che sembra uscito da un quadro di Hopper.
Lo si vede nell’imbarazzo di fronte ai paroloni degli avvocati giovani e rampanti che gli parlano di diritti e Corte Suprema, mentre a lui, prima ancora che un riconoscimento giuridico, basterebbe giusto un po’ di tolleranza per l’amore immenso che prova verso Mildred.

Appurato ciò è però importante sottolineare come Loving non sia solo un film splendidamente recitato. Mentre infatti gli attori quasi lo illuminano di luce propria, il regista Jeff Nichols prende il cinema a tema ‘diritti civili’ e lo ribalta dall’interno, trasformando quello che in altre mani sarebbe stato il più classico degli apologhi contro il razzismo, in una sorta di mélo spogliato di tutto il suo calore primigenio.
Il discorso sul diverso colore della pelle per i Loving semplicemente non esiste, in quanto la coppia non ambisce ad essere un esempio o un precedente da citare in un’aula di tribunale. Per loro esiste solo il qui e ora. E un amore da vivere alla luce del sole, lontani da una città che, pur essendo grande, va loro incredibilmente più stretta della campagna da cui sono stati banditi.
Allo stesso modo in cui vengono bandite dal film le scene madri e i pianti a dirotto.
Nichols è talmente poco interessato al lato più tragico della questione che alla fine non ci dice neanche chi, tra i concittadini di Richard e Mildred, li abbia denunciati alle autorità.
Del resto non è importante, ché qui non siamo né dalle parti di Selma né, tanto meno, di quel Free State of Jones che, per dire più o meno le stesse cose, ci costruiva attorno un drammone storico di due ore e mezza.
Ed è per questo che l’autore di Take Shelter e Mud si rivela una scelta perfetta.
Perché Nichols porta la sua idea di intimismo lieve in una storia che, al contrario, ruggisce di orgoglio ferito e diritti calpestati e, piuttosto che contrapporre queste due istanze, le giustappone in un esercizio di garbato equilibrio e raggiunge perfettamente lo scopo senza fare mai ricorso alla retorica.
Lo spettatore, in altre parole, è invitato a riflettere su come le più importanti conquiste civili passino spesso attraverso storie piccole. Anche se, considerato l’amore di Richard e Mildred, la loro storia tanto piccola non è.

Voto 7

“Horror is the removal of masks” – Robert Bloch

Sotto le infinite, sbalorditive maschere di Lon Chaney, dalla pietosa deformità di Quasimodo al ghigno sfigurato del Fantasma dell’Opera, dalle menomazioni dello Sconosciuto al trasformismo transgenerazionale di Mister Wu, era comunque facile intravedere il viso sfaccettato e travagliato dell’Uomo comune, capace di emergere dai chili di makeup in tutta la sua combinazione di ferocia e di fragilità, di brutalità e di dolcezza, di crudeltà e di desolazione.

È lecito, dunque, considerare il suo discepolo Johnny Depp, alla luce di una carriera costellata di freak, di clown o di semplici eccentrici, l’Uomo dai Mille Volti dei nostri tempi?
Per un po’ è stato così, dietro la malinconica mostruosità di Edward mani di forbice, la disarmante stralunatezza di Benny & Joon o l’incubo allucinato di Paura e delirio a Las Vegas, ma quando la platea si ingrossa e le poche file del cineclub non accontentano più, allora occorre trasferirsi altrove, offrire un numero sufficiente di poltroncine e assicurarsi che tutti, adulti e bambini, indipendentemente dal posto a sedere, riescano a godersi lo spettacolo.

Così, com’è noto, lasciate alle spalle le preziose collaborazioni con Jarmusch e con Kusturica, la benedizione di Marlon Brando e la dignità di un culto sotterraneo a ingresso ristretto, a Depp si è spalancata la pista del circo, dove, fra pirati formato Disney, ennesime declinazioni burtoniane e pagliacciate di vario genere, la più grande promessa non mantenuta del vivaio cinealternativo dell’America di fine secolo continua a esibirsi nella sua sempre più sbiadita parodia di se stesso.

E nonostante i buoni auspici iniziali, nonostante gli insistiti, preconcetti rumori di resurrezione artistica, la campagna di rilancio reputazionale e commerciale di Depp non si discosta più di tanto dalle indegne pantomime del suo ultimo, baracconesco quindicennio e si riduce a farsi scenario di uno show attoriale tutto di superficie cui non bastano protesi, accenti e tic assortiti per dissimulare una monodimensionalità di fondo assimilabile a quella di un goffo, esuberante travestimento di carnevale.

Risulta difficile, quindi, elevare Black Mass a un’operazione diversa dal banale film-vetrina ritagliato su misura per il proprio strabordante protagonista, qui nei panni di un sanguinario, paranoico delinquente bostoniano realmente esistito – il temibile James “Whitey” Bulger – che, più che ancorato alla verità biografica, assomiglia all’ibrido rimasticato di decine di illustri predecessori, dal Joe Pesci più scorsesiano (specie nella sua indiscernibilità di buffonaggine e intimidazione) al James Cagney più guascone. Allo stesso modo e presa a se stante, l’opera terza di Scott Cooper non sa mai prendere una direzione precisa, limitandosi a sfiorare modelli impossibili come l’epopea degradante di Quei bravi ragazzi o, ancor più, l’impianto morale de Gli angeli con la faccia sporca di Curtiz, seguendo uno svolgimento aneddotico e accumulando personaggi secondari superflui all’economia del racconto (perché il fratello senatore di Bulger – un Benedict Cumberbatch come al solito inadeguato al di fuori del piccolo schermo – non entra mai nel vivo delle vicende?) o relegati a mera rappresentanza (che funzione ha la moglie – Dakota Johnson, liquidata dopo poco più di mezz’ora – se non quella di fare da cornice all’episodio della morte del figlio?), incerti se assurgere a figure paritarie di un ritratto corale e panoramico su corruzione e riscatto, come testimonia un primo atto che vede in scena soprattutto gli ex-scagnozzi pentiti di Bulger (il Jesse Plemons di Breaking Bad, conciato come uno scagnozzo di Dick Tracy, e il Rory Cochrane di Csi: Miami), presto sostituito dalla fredda, ridondante e a tratti compiaciuta enumerazione di efferatezze compiute da Bulger buttate lì senza una progressione climatica o un approfondimento sulle meccaniche criminali, ma solo per accumulo (particolarmente sgradevole, in questo senso, la breve sequenza che coinvolge Juno Temple).

L’esito è un film pressoché privo di baricentro e di sviluppo che riesce a sembrare contemporaneamente pieno di eventi fino a scoppiare e ricco di spazi rimasti vuoti, troppo impegnato a barcamenarsi fra sottotrame più o meno accennate – ne paga sensibilmente meno lo scotto l’agente Connolly di Joel Edgerton, amico di infanzia e “alleato” di Bulger – per ambire all’affresco nichilista del marcio che infesta cosmicamente tanto il Bene quanto il Male, sacrificando gli spunti più succosi (nel modesto parterre femminile sarebbe dovuta spiccare la “pupa del boss” Sienna Miller, eliminata in fase di montaggio) a vantaggio, come nell’inutile sequenza della cena a casa di Connolly, degli assoli della monocorde voce solista di Depp.

Il resto, ammesso che si pretenda di trovare qualche cosa di nuovo e di interessante nello studio antropologico dei rituali della malavita organizzata o nella riflessione sull’impossibilità dell’individuo di fuggire dalle proprie origini, è pura routine e riproposizione di cliché che decenni di gangster movie ci hanno presentato in forma di gran lunga più originale: al termine dell’imminente stagione premi, come già accaduto nel clima di indifferenza dell’anteprima veneziana, di Black Mass non si sentirà più parlare.

Voto 4

Dopo la prima immagine, che vedete qui in alto, è approdato in rete anche il primo trailer di Black Mass, gangster movie di Scott Cooper (Crazy Heart, Out of the Furnace) con protagonista Johnny Depp nei panni del gangster Whitey Bulger. Il film uscirà il 18 settembre negli USA e in autunno in Italia.Vi mostriamo il trailer sia nella versione originale che doppiato in italiano.

Dopo il dimenticabile The Counselor, Ridley Scott torna su un terreno a lui decisamente più congeniale, quello del peplum, genere che nel 2000 ha saputo rilanciare con uno dei kolossal di maggior successo di sempre, Il Gladiatore. Ed è proprio alla luce della pellicola con Russell Crowe che Exodus: Dei e Re va inquadrato. E’ chiaro sin dalla prima scena infatti che Scott non aveva alcuna intenzione di raccontare l’Esodo a modino, riportando fedelmente quello che è scritto nella Bibbia, ma che piuttosto voleva trovare un nuovo ambizioso progetto da dirigere, che fosse in grado di rievocare e, perché no, anche di bissare, il successo ottenuto con Il Gladiatore: la storia di un personaggio forte ma modesto, leader carismatico e leale in grado di guidare le masse alla ribellione nei confronti di un tiranno.

Mosè (Christian Bale), principe d’Egitto, ebreo di nascita, cresciuto e allevato nella casa del faraone Sethi assieme al figlio legitimo, nonché futuro faraone Ramses (Joel Edgerton), scopre di essere il condottiero che realizzerà il più grande progetto divino della storia dell’umanità: l’esodo del popolo ebraico, schiavo da 400 anni, verso la terra promessa. Un viaggio che porterà Mosè a scontrarsi ripetutamente contro quello che prima era per lui come un fratello, affrontando pericoli, guerre, carestie e pestilenze. La fuga dall’Egitto sterminato dalle piaghe attraverso il deserto e le acque del Mar Rosso, fino ad arrivare alla consegna delle tavole dei dieci comandamenti sul monte Sinai.

Massimo Decimo Meridio era il generale che diventò uno schiavo e lo schiavo che diventò un gladiatore, più o meno quello che è Mosè, con i dovuti distinguo. Se lì c’era l’imperatore Marco Aurelio che, a un passo dalla morte, decide di affidare il potere nelle mani del generale Maximo, qui c’è il faraone Seti (John Turturro) che confessa a Mosè di preferirlo al figlio legittimo Ramses (un bravissimo Joel Edgerton). Lì l’allontanamento dell’eroe dal suo popolo passava attraverso la schiavitù e il successivo addestramento da gladiatore di Massimo, qui invece attraverso il periodo in cui Mosè conosce e sposa Zippora e vive da pastore alle pendici del monte Oreb, immediatamente prima che Dio gli si palesi sotto forma di un bambino capriccioso.

Nelle due ore e mezza di durata di Exodus, assistiamo ad allestimenti impressionanti, scene mozzafiato (concentrate per lo più nella seconda parte della pellicola), un suggestivo 3D che non è mero strumento tecnico, ma conferisce profondità e intensità a gran parte della storia e poi a numerose scelte sbagliate che inevitabilmente compromettono il risultato finale. Tra queste un Mosè in piena nevrosi, guidato da un Dio bambino dall’indole determinata e piuttosto vendicativo e una rappresentazione del popolo egiziano eccessivamente patinata che vira talmente al kitsch da far sembrare I 10 Comandamenti di Charlton Heston una ricostruzione obiettiva di quel periodo storico.
Ma quello che funziona meno in Exodus: Dei e Re sono i dialoghi. Sceneggiata da Steven Zaillian, Oscar per Schindler’s List che già aveva lavorato con Scott per Hannibal e American Gangster, la pellicola da 140 milioni di dollari di budget sprofonda in alcuni punti proprio quando la macchina da presa stringe sui volti degli attori, passando dall’universale al particolare, soffermandosi su dei siparietti familiari francamente inascoltabili. Ed è un gran peccato perché questa volta speravamo proprio di poter ammirare ancora una volta lo sguardo prezioso, esperto e consapevole del regista inglese al fianco del suo indiscutibile reparto tecnico non solo per venti minuti, ma per tutto il film.

Voto 5