I film del 69° Festival di Cannes sono arrivati a Roma con la rassegna Le Vie del Cinema Da Cannes a Roma, dall’8 al 12 giugno nei cinema Quattro Fontane, Eden e Fiamma. Novità dell’edizione 2016 è il coinvolgimento di altre tre località oltre a Roma: Latina (Multisala Oxer), Terracina (Multisala Rio) e Trevignano (Cinema Palma).

QUI IL PROGRAMMA DELLA RASSEGNA

Ken Loach

È stato Mel Gibson a consegnare la Palma d’oro al film vincitore della 69° edizione de Festival di Cannes,  I, Daniel Blake di Ken Loach. Il regista britannico con un timido francese  così: “Grazie alla regia, siete molto gentili. E grazie a Cannes perché il Festival è molto importante per il futuro del cinema. Restate forti, per piacere“.

Xavier Dolan

Il Gran Premio della regia è andato al giovane regista canadese Xavier Dolan, scoperto proprio dal Festival di Cannes, e al suo Juste la fin du monde.

Premio per la Miglior Regia, in ex aequo, al francese Olivier Assays per Personal shopper e al rumeno Cristian Mungiu per Bacalaureat.

Il premio per il Miglior Attore del Festival di Cannes è andato a Shahab Hosseini per Le Client di Asghar Farhadi mentre quello per la Migliore Attrice a Jaclyn Jose per Ma’ Rosa di Brillante Mendoza.

Il premio per la miglior sceneggiatura a Ashgar Farhadi per Le Client

Il premio Camera d’Or per la Migliore Opera Prima a Divines di Houda Benyamina.

La Palma d’oro per il Miglior Cortometraggio è andata a TimeCode del regista spagnolo Juanjo Giménez

Arriva inevitabilmente il momento, in una produzione accompagnata da sempre alla militanza, in cui la passione civile e il furore politico non bastano più a nobilitare l’intento artistico – figuriamoci quindi a giustificarlo -, il superamento di una soglia oltre cui incombono spietati anacronismo e maniera. Così come l’operato del collega e coetaneo Citto Maselli rimasto orfano delle convergenze parallele e del compromesso storico, il cinema del decano Ken Loach al crepuscolo dell’anti – e del post-thatcherismo è rimasto saldamente aggrappato a se stesso e, con le dovute eccezioni dell’ottimo In questo mondo libero…, dove a funzionare era soprattutto l’inedita prospettiva padronale dei soliti temi, e della sentita sortita documentaristica di The Spirit of ’45, ha progressivamente perduto la propria ragion d’essere, ora riproponendo pigre variazioni sul tema (come quel Paul, Mick e gli altri che ripeteva la medesima struttura di Riff Raff o quella versione casalinga del riuscito Terra e libertà che fu Il vento che accarezza l’erba), ora sperimentando formule decisamente al di fuori della propria portata (il romance interculturale Un bacio appassionato, la commedia surreale Il mio amico Eric e il thriller cospirativo L’altra verità).

Jimmy’s Hall è il consueto appuntamento a scadenza mai men che biennale sfornato dall’accoppiata storica Loach-Laverty, un racconto portato avanti con una sincerità e una coerenza di fondo sempre più croce e meno delizia dell’ottica dell’artefice di My Name Is Joe, una testimonianza che, col pretesto di trasfigurare il presente ricorrendo alla biografia storica, tradisce soltanto lo smarrimento di un autore che ha perso definitivamente di vista l’attuale e che preferisce ripararsi dietro un senso di nostalgia e di appartenenza che, in un’epoca definitivamente segnata dal crollo delle ideologie, non suscita più alcuna commozione, ma che al massimo fa tenerezza.

Zuccherino capace di soddisfare esclusivamente il palato di qualche veterocomunista irredento – già entrata nel culto la recensione entusiasta di Concita de Gregorio -, Jimmy’s Hall si accontenta di crogiolarsi in un manicheismo fastidioso e tagliato con l’accetta, con contrapposizioni fra proletari tutti in odor di santità e tutori dell’ordine tutti trainati dalla stessa ottusa malvagità, e in un didascalismo trombone da spari sulla Croce Rossa (la tirata del protagonista contro l’America travolta dalla Grande Depressione, su tutte), sovraimpressi a una visione d’insieme non troppo diversa dalle storielle di Don Camillo – a ruoli naturalmente invertiti – o da una specie di versione politicizzata di Footloose. Va ancora una volta notato, poi, quanto l’attenzione alla cura formale si traduca spesso nell’opera di Loach in una minore riuscita sotto il profilo della scrittura e dell’approfondimento delle situazioni, vista la bidimensionalità e il tratteggio minimo dei caratteri, formulaici fino allo stereotipo, dalla madre chioccia agli adolescenti prestanti e pulitini che paiono usciti dall’iconografia sovietica, fino a un sommesso love interest di rara inconsistenza cui nemmeno una scena di ballo vagamente erotica, tanto espressiva quanto fuori posto, riesce a restituire profondità.

In attivo viene solo da segnalare la fotografia ombrosa e smeraldina di Robbie Ryan (presenza fissa, e in un certo senso valore aggiunto della carriera di Andrea Arnold e Osella per il Contributo Tecnico a Venezia per Wuthering Heights), che arricchisce la programmatica trascuratezza e la ricercata sciatteria delle immagini loachiane a scapito dell’anima stessa della storia. Pur dando il titolo al film, la sala allestita dall’attivista irlandese Jimmy Gralton (Barry Ward) per ospitare le attività pedagogico-intrattenitive della sua comunità non entra mai nel vivo delle vicende e stenta ad assurgere allo status di personaggio, mentre gli scontri ideologici fra classe operaia e oppressori di turno – qui, per non farci mancare nulla, abbiamo una spietata alleanza fra sacerdoti e latifondisti – ormai procedono col pilota automatico, senza sorprese né innovazioni.

A tratti la spavalderia del veterano mangiapreti riacquista il suo fascino populista e, se si accetta il gioco, si corre anche il rischio di appassionarsi (la presentazione del grammofono e il corteo in bicicletta che “scorta” Jimmy prima della partenza per l’esilio, per esempio, regalano qualche sussulto), il misero universo che lotta per i propri diritti, come già detto, pulsa di ruspante autenticità e di vita vera, ma al termine di una filmografia lunga oltre quarant’anni (Jimmy’s Hall è l’ultimo progetto del regista, stando alle parole della produttrice Rebecca O’Brien) sarebbe stato lecito aspettarsi oggi da Loach un percorso più diversificato e meno fossilizzato, e si vengono francamente a rimpiangere i tempi in cui il suo discorso sapeva essere palpitante, necessario e urgente.

Voto 4

Cardiopolitika

La sezione competitiva riservata ai documentari schiera oggi il suo unico concorrente di casa, il brevissimo Cardiopolitika, incentrato sulla figura pubblica e professionale del medico Sergei Sukhanov, luminare della chirurgia a cuore aperto ritrovatosi all’alba delle ultime elezioni presidenziali russe ad appoggiare con convinzione la terza candidatura di Vladimir Putin alla guida del Paese: l’indagine della regista Svetlana Strelnikova si preoccupa di illustrare le piccole e grandi contraddizioni del suo soggetto (salutista e accanito fumatore, patrizio e sboccato come un camionista) e la sua inesorabile discesa nel compromesso, da professionista fiero della propria indipendenza ma escluso dai gretti meccanismi di potere a sostenitore per necessità di un sistema corrotto a lui estraneo che finalmente gli permetterà di accedere a fondi e possibilità altrimenti impossibili.
La Strelnikova cattura la realtà ospedaliera con distacco wisemaniano, fotografandone i momenti più ordinari – dalla procedure burocratiche agli appuntamenti con i pazienti, fino ai meeting di partito – e mantenendo Sukhanov sotto una luce ambigua da Faust della nostra epoca. Il risultato è controverso e tutt’altro che accondiscendente, girato con gusto e asciuttezza, ma è un vero peccato che il discorso arrivi alla conclusione dopo appena sessanta minuti quando si sarebbe potuta raggiungere comodamente l’usuale durata da lungometraggio.

I sentimentalisti

Si passa alla fiction con il greco Oi aisthimaties (I sentimentalisti), ma si commetterebbe un errore a buttare la nuova fatica di Nicholas Triandafyllidis nel calderone ribollente di quella New Wave locale impostasi con successo all’attenzione delle maggiori rassegne internazionali (si pensi ai recenti Attenberg, Alpeis e Miss Violence, passati tutti per il palmares delle ultime Mostre di Venezia).
Il film ne ripresenta infatti soltanto gli elementi ancestrali da tragedia sofoclea rivisitata ai tempi della crisi, inserendoli in un contesto da crime movie a base di temibili e aristocratici boss della mala, spietatissimi sicari e puttane dal cuore d’oro, traslando motivi e vezzi del Tarantino degli albori. Le coppie di protagonisti maschili e femminili sono uno sdoppiamento rispettivamente del Vincent Vega e della Mia Wallace di Pulp Fiction, i piedi sono un leitmotiv inquadrato con insistita generosità, laddove si tirava in ballo Ezechiele qui ricorre un passo dell’Ecclesiaste, e via discorrendo, immergendo nella cultura classica e nell’austero ciò che in Tarantino è invece impregnato di riferimenti pop e nel grottesco.
Triandafyllidis gira con mano elegante e con uno stile che ricorda a tratti il Sorrentino più tecnico, quindi senza l’appesantimento della penna di Contarello, servito da movimenti di macchina fluidissimi col dolly a farla da padrone e accompagnato da una colonna sonora scatenata fra Wagner e canzonette assortite.
L’esito spiazza e non ha paura di correre i rischi dell’identità di genere, azzecca molte caratterizzazioni e non si tira indietro di fronte agli sviluppi da mèlo noir del finale, che riporta alla mente l’etica dei criminali di Melville, e, anche se non si tratta per certo di un prodotto per tutti i gusti, rappresenta un bel tentativo del concorso da uscire dai binari del canonico e del risaputo.

Anar Haye Naras

Il piacere non si ripete, purtroppo, per il partecipante iraniano, il mediocre Anar Haye Naras (Melograni immaturi), drammetto sottoproletario lontanissimo dalla tradizione di eccellenza del cinema festivaliero proveniente da Teheran: le sofferenze della domestica Ensi, travolta da un incidente che ha ridotto il marito in stato comatoso, sono messe in atto con un tono lamentoso, lacrimoso e artefatto da sceneggiata matarazziana, con personaggi ciarlieri che esprimono didascalicamente i loro sentimenti, i loro pensieri e i loro stati d’animo con insopportabile petulenza e senza lasciare nulla alla sensibilità dello spettatore, insistendo su simbologie desuete (la cicogna), sottotrame parallele ridondanti – Ensi si occupa di una donna anziana in procinto di essere trasferita in un ospizio – e colpi di teatro da ABC della drammaturgia (indovinate cosa accade alla nostra eroina alla fine, dopo quasi dieci anni di infertilità?).
Non aiuta, poi, la protagonista Anna Ne’mati, una specie di equivalente mediorientale della Manuelona Arcuri nazionale, che si aggira di scena in scena con lo stesso broncio da filodrammatica e gli stessi tic da diva del piccolo schermo reclamando a gran voce il Premio per la Migliore Attrice.

Jimmy's Hall

Si ritorna sulla Croisette per l’ultima pellicola della giornata, il nuovo racconto di militanza del vecchio Ken Loach, l’agrodolce Jimmy’s Hall: l’autore di Riff Raff ritorna all’ambito storico-politico del suo Il vento che accarezza l’erba, ed è ancora una volta curioso notare quanto nella sua produzione l’attenzione alla cura formale si traduca sempre in una minore riuscita sotto il profilo della scrittura e della profondità.
Incorniciato dall’espressiva fotografia di Robbie Ryan (presenza fissa, e in un certo senso valore aggiunto della filmografia di Andrea Arnold e Osella per il Contributo Tecnico a Venezia per Wuthering Heights), arricchisce la programmatica trascuratezza delle sue immagini a scapito dell’anima stessa della storia: pur dando il titolo all’opera, la sala allestita dall’attivista irlandese Jimmy Gralton per ospitare le attività pedagogico-intrattenitive della sua comunità non entra mai nel vivo delle vicende e stenta ad assurgere allo status di personaggio e gli scontri ideologici fra classe operaia e oppressori di turno – qui sono i proprietari terrieri e la Chiesa Cattolica – ormai procedono col pilota automatico, senza sorprese né innovazioni.
Certo, la spavalderia irredentista del veterano mangiapreti ha sempre il suo fascino e riesce in ogni caso ad appassionare (decisamente indimenticabili le sequenze della presentazione del grammofono e del corteo in bicicletta che “scorta” Jimmy prima della partenza per l’esilio), il misero universo che lotta per i propri diritti pulsa di ruspante autenticità e di vita vera, ma dopo quarant’anni abbondanti di carriera sarebbe lecito aspettarsi da Loach qualcosa di più, e si prova un po’ di nostalgia nei confronti delle sue opere più minimaliste e palpitanti.

Il giovane Robbie va a far visita alla sua ragazza Leonie che è in ospedale perché ha appena partorito il loro figlio Luke. Sopraffatto dall’emozione del momento, Robbie giura che il bimbo non dovrà sopportare la sua stessa tragica vita fatta di piccoli crimini e dolore esistenziale. Infatti, l’aver evitato per un soffio una nuova condanna detentiva, gli fa pensare di poter sfruttare l’occasione per il suo riscatto finale. Scontando questa sua ultima pena impegnato nei servizi di pubblica utilità, Robbie conosce quindi Rhino, Albert e Mo che, come lui, faticano a trovare un lavoro onesto a causa della fedina penale sporca. I quattro immaginano allora di trasferirsi nelle colline scozzesi per aprire una distilleria di whisky pregiato. Se però tutto ciò resterà un sogno o diventerà il loro nuovo futuro, solo gli angeli possono saperlo.

Gran Premio della Giuria al Festival di Cannes 2012, il nuovo film di Ken Loach nasce, come ha affermato il regista stesso, da un preoccupante dato statistico: alla fine dello scorso anno, il numero dei giovani disoccupati in Gran Bretagna ha superato per la prima volta il milione. L’urgenza di raccontare le conseguenze di questa situazione su questa generazione, che spesso ha come unica prospettiva un futuro grigio e vuoto, senza un’occupazione, un impiego fisso e la possibilità di costruirsi una famiglia, ma soprattutto sulla loro consapevolezza, sulla loro identità, ha spinto il regista ad esplorare un registro nuovo e inaspettato, del tutto inedito rispetto ai suoi precedenti film, dando vita a un racconto a metà strada tra realismo e fiaba, tra satira lieve del mondo scozzese e dei suoi inossidabili miti e racconto di formazione, tra documentario sulle condizioni di vita dei giovani nella periferia di Glasgow e commedia malinconica e agrodolce, con un pizzico di humour grottesco, come nella migliore tradizione britannica, e una buona dose di leggerezza e di magia.

La parte degli angeli riflette soprattutto su due situazioni semplici ma cruciali: la nascita di un figlio che cambia la vita e proietta nel futuro, suscitando interrogativi pratici ed esistenziali molto profondi sul giovane Robbie e il mondo esterno, incerto, precario, che lo destabilizza e scalfisce la sua sicurezza, lasciando riaffiorare il suo tragico passato di violenza e di povertà. Stretto tra questi due fuochi, spinto da questi eventi, Robbie si trova ad affrontare un difficile processo di crescita, di costruzione della propria identità: deve scegliere se essere un perdente o un vincente. E in una simile domanda c’è una forte tensione drammatica, sia verso il mondo esterno, sia verso il suo mondo interiore: tutti lo considerano un perdente, un buono a nulla, il mondo non si fida di lui ed è lui per primo a non essere sicuro di avere in se stesso la forza necessaria per cambiare vita. Questa forza, questa ultima chance di riscatto e di rinascita Robbie la trova nel suo ingegno, nel suo inaspettato talento: un innato gusto per il whisky. Nel corso del film, il tradizionale whisky di malto non è più solo una nota di realismo, ma anzi diventa una metafora, il simbolo di questa rinascita, quasi fosse una pozione magica di una fiaba, un filtro che rende il giovane protagonista più forte e quasi invulnerabile, pronto ad affrontare le prove disseminate lungo il cammino e a conquistare l’oggetto del desiderio: un futuro. E quel 2% di whisky, quella parte degli angeli, diventa la parte sottratta ai grandi Maestri e riservata ai profani, agli esclusi, diventa la parte del futuro che il mondo riserva ai giovani, l’unico spazio possibile di crescita, l’unica chance da afferrare al volo, in cui dimostrare la propria abilità e il proprio valore, in cui trovare se stessi.

Ken Loach riesce a raccontare tutto questo con i toni lievi della commedia, con molti momenti in cui si ride di gusto, in cui si entra nel campo della slapstick comedy, della battuta volgare, del grottesco, affidato soprattutto al personaggio di Albert. La propensione del regista inglese verso realismo traspare nella direzione degli attori, quasi tutti non professionisti, ad eccezione di  John Henshaw e Roger Allam, spesso lasciati liberi di improvvisare, nella essenzialità della messa in scena, ma soprattutto nella fotografia di Robbie Ryan, che adotta la luce naturale per esaltare i bruni e i grigi della realtà contemporanea.

Voto 7