La Warner Bros. Pictures ha diffuso il nuovo trailer ufficiale (in basso, sia in versione originale che in italiano) di Ready Player One, film di fantascienza diretto da Steven Spielberg tratto dal romanzo di Ernest Cline.

Nel cast troviamo Tye Sheridan, Olivia Cooke, Mark Rylance, Simon Pegg, T.J. Miller, Hannah John-Kamen e Ben Mendelsohn.

Ready Player One è ambientato nel 2045, in un mondo sull’orlo del caos. Le persone, però, hanno trovato rifugio nell’OASIS, un gigantesco universo di realtà virtuale creato dall’eccentrico James Halliday (Rylance). Quando Halliday muore, lascia la sua immensa fortuna al primo che riuscirà a trovare un easter egg digitale che ha inserito chissà dove in OASIS, lanciando un contest in tutto il mondo. Seguiremo le avventure di un giovane eroe di nome Wade Watts (Sheridan), pronto a lanciarsi a capofitto nella sfida.

Ready Player One arriverà nei cinema italiani il 29 marzo 2018.

Dopo aver raccontato il futuro con Interstellar, ora Christopher Nolan si cimenta per la prima volta con una storia vera che riemerge dal passato, quella di una delle ritirate più imponenti di cui ci sia memoria nonché avvenimento particolarmente significativo della Seconda Guerra Mondiale che contribuì a spostare le sorti del conflitto in favore degli alleati, noto come Operazione Dynamo, effettuata… tra il 26 maggio e il 3 giugno del 1940. Dunkirk (dizione inglese di Dunkerque) racconta proprio questo, l’incredibile evacuazione verso la Gran Bretagna di migliaia di soldati belgi, francesi e britannici, bloccati sulle spiagge della città portuale francese dall’avanzata dell’esercito tedesco, durante la cosiddetta Battaglia di Francia. Quando le truppe britanniche e alleate si trovarono circondate da un lato dalle forze nemiche, e dall’altra dal mare, con il Canale della Manica come unica via di fuga possibile. Le operazioni di imbarco richiedevano più tempo del previsto e vennero ulteriormente rallentate da un violento bombardamento nemico che gettò i soldati nella disperazione. Sebbene a sole 26 miglia di distanza da casa, per quel che rimaneva della British Expeditionary Force non c’era modo di raggiungere l’altra sponda. Una lunga secca rendeva impossibile l’attracco delle navi inglesi che non potevano dunque raggiungere la riva opposta e salvare i propri soldati. Ma quando venne inviata una richiesta di aiuto ai civili oltre la Manica affinché andassero in soccorso con le loro piccole imbarcazioni, una vera e propria flotta privata salpò dal sud della costa inglese per raggiungere la Francia e tentare di riportare gli oltre 350 mila uomini a casa.

L’ossessione di Christopher Nolan (chei ha visto i suoi film lo sa bene) continua ad essere il tempo. In ogni opera del regista inglese, da Following fino al più recente Interstellar, l’alterazione del tempo lineare ha sempre rappresentato il fil rouge della sua filmografia, il nucleo delle sue storie. La dimensione temporale reversibile in Memento, così come quella circolare in Inception e quella multipla in Interstellar, incarnano il fulcro dell’elegante macchinosità e la pluralità di significati e di piani di lettura che da sempre caratterizzano lo stile del regista. Anche in Dunkirk il tempo viene manipolato, diventando ancora una volta, elemento strutturale atto a creare tensione. Nolan si diverte a intrecciare tre punti di vista, tre storie, ciascuna con un proprio orologio, tra terra mare e cielo, storie che noi vediamo insieme, avviluppate, durare lo stesso tempo.
In barca si viaggia per un giorno per arrivare a Dunkirk, in aereo basta un’ora, mentre sul molo, chi aspetta i soccorsi, deve rimanerci per una settimana.

Questa volta, sempre a proposito di tempo, a Nolan sono sufficienti appena 107 minuti per riscrivere i dettami del cinema di guerra, incatenando chi guarda allo schermo con un film di densa spettacolarità, sempre in equilibrio tra accuratezza storica e intrattenimento, storia individuale e dimensione universale. Ci sono molti attori noti in Dunkirk, da Tom Hardy (che indossa una maschera che gli copre il volto, proprio come quando interpretava Bane ne Il cavaliere oscuro – Il ritorno) a Cillian Murphy, da Mark Rylance a Kenneth Branagh, ma nessun protagonista. Le loro performance contribuiscono ad arricchire un tutto che, per Nolan, è evidentemente molto più importante della singola parte. A differenza di quanto fatto da Spielberg nel suo Soldato Ryan, in Dunkirk il regista fa di tutto per non farci empatizzare con i personaggi, preferendo di gran lunga dare una spinta a chi guarda per farlo cadere nel vortice degli eventi, nell’esatto momento in cui accadono. Nessun soldato da salvare, nessun eroe nel senso più hollywoodiano del termine, solo giovani qualunque, disperati, con in braccio un fucile Enfield, separati da casa da un brandello di mare ostile e inaccessibile.

Da esteta puro e rigoroso, Nolan sfrutta al meglio le funamboliche potenzialità delle Imax Cameras per rendere le scene aeree un’esperienza totalmente immersiva e indimenticabile (il film è stato girato interamente in pellicola, in formato 15/70mm IMAX e Super Panavision 65mm), ricorrendo alla CGI solo in minima parte.
Il risultato è di una coralità epica e struggente, splendidamente resa dalla fotografia di Hoyte Van Hoytema.
Curioso poi come, a fronte di uno spazio visivo pressoché infinito, il regista inglese costringa tutti i suoi personaggi a vivere situazioni al limite del claustrofobico, stretti dalla morsa di un tempo spietato e inclemente; sensazione ancor più amplificata dalla colonna sonora di Hans Zimmer fatta sì di musica, ma anche di suoni e rumori incombenti e ai limiti del molesto, che contribuiscono a sottolineare la sensazione di tensione e di oppressione dilatata a dismisura da un altro elemento fondamentale: la totale invisibilità del nemico da combattere.

Dunkirk è una meraviglia, un rarissimo caso di riuscito connubio tra blockbuster e autorialità. Correte al cinema e, possibilmente, scegliete una sala che renda giustizia al formato in cui è stato realizzato.

Voto 9

È online il full trailer di Dunkirk, il nuovo atteso film di Christopher Nolan con Mark Rylance, Kenneth Branagh, Cillian Murphy e Tom Hardy. Di seguito il full trailer appena rilasciato, nella versione originale e in quella italiana.

La sinossi: Seconda Guerra Mondiale. Tra il 27 maggio e il 4 giugno del 1940, durante la cosiddetta Battaglia di Francia, si svolse l’incredibile evacuazione verso la Gran Bretagna di migliaia di soldati belgi, francesi e britannici, bloccati sulle spiagge di Dunkerque dall’avanzata dell’esercito tedesco.

Warner Bros. Pictures distribuirà Dunkirk in tutto il mondo dal 21 luglio 2017.

Nelle ultime 24 ore la Warner Bros. ha trasmesso sulle televisioni USA un nuovo spot tv di Dunkirk, l’atteso war movie diretto da Christopher Nolan in arrivo in estate.

Nuovo trailer del film #Dunkirk che uscirà il 21 luglio! ? pic.twitter.com/onXgSZfyUY

— Harry Styles Italia (@HStylesItalia) 2 aprile 2017

Nel cast di Dunkirk troviamo Tom Hardy, Mark Rylance, Cillian Murphy, Kenneth Branagh, Jack Lowden, Aneurin Barnard, Fionn Whitehead e Harry Styles.

Dunkirk, che arriverà nelle sale americane il 21 luglio 2017, mentre in Italia è atteso per il 31 agosto, si apre con centinaia di migliaia di truppe Inglesi e Alleate circondate dalle forze nemiche. Intrappolate sulla spiaggia, con alle spalle il mare, si trovano ad affrontare una situazione impossibile con il nemico che incalza.

Di recente Dunkirk ha ricevuto dalla MPAA il rating PG-13 per quanto riguarda la distribuzione Usa, il film di Nolan negli States sarà quindi vietato ai minori di 13 anni.

A fronte di un guadagno lordo del 30%, Il GGG – Il Grande Gigante Gentile non è solamente uno dei più fragorosi tonfi al botteghino d’Oltreoceano di tutto il 2016, ma è anche, ancor più significativamente, il capitolo meno redditizio – home video permettendo – della filmografia del più rimunerativo colosso dell’industria cinematografica internazionale.

Quella di Steven Spielberg è già dagli albori una carriera condotta sul doppio binario dell’intrattenimento infantile e dello spettacolo adulto, del gioco e della meditazione, del luna park e del congresso, del linguaggio filmico come ludica stupefazione di fronte alla riproduzione dell’immaginario popolare e come matura e consapevole riflessione sulle tappe fondamentali del nostro passato prossimo.
Ora resuscitando dinosauri nello sbalordimento generale fra tecnica animatronica e CGI, ora calandosi nei meandri misogini e razzisti dell’incubo sudista ispirandosi alla grande letteratura contemporanea, materializzando civiltà aliene e campi di concentramento e destreggiandosi tra finzione e cronaca, il regista di Cincinnati ha finito per incarnare, nel bene e nel male, l’essenza stessa del cinema statunitense di massa e per compiere nella Settima Arte, secondo solo a Walt Disney, quella sintesi perfetta “tra fantasia e imprenditoria” che oggi domina i multiplex e che chiamiamo blockbuster, termine entrato nell’uso comune proprio a partire dal clamoroso successo de Lo squalo.

Come si spiega, allora, questo estemporaneo e inatteso scivolone commerciale per un autore che, negli anni, non ha mai avuto difficoltà ad attirare la curiosità dell’americano medio e, in particolare, a rivolgersi ai milioni di bambini (e bambinoni) di tutte le età che costituiscono il grosso del suo pubblico?
Basti dire che il difetto più evidente che mina il primo adattamento per le sale del celebre romanzo di Roald Dahl è anche il suo principale punto di forza e motivo di interesse, e cioè il suo spiccato, lampante e disarmante anacronismo, la sua pervicacia – ancorché limitata dalle inesorabili ingerenze di mamma Disney – nel prendere le distanze dalla deriva conformistica di quasi tutta la produzione “istituzionale” per ragazzi del nuovo secolo, facendo riproporre idealmente a Spielberg quel medesimo spirito ingenuo e innocente che permeava tanto classici riconosciuti come E.T. l’extraterrestre quanto i frivoli giocattoloni à la Hook, per non parlare di quei progetti solo patrocinati, ma non per questo meno personali, come I Goonies, Piramide di paura o Miracolo sull’8ª strada.

Il GGG si propone quindi sin da subito come un oggetto inguaribilmente démodé e privo della benché minima malizia, estraneo quanto più possibile dalle stringenti logiche di mercato: nessuna tentazione seriale, un cast, se si esclude il protagonista fortemente voluto da Spielberg, relativamente di basso profilo e soprattutto un’attitudine sommessa e contemplativa che, rimanendo fedele ai presupposti della pagina scritta, basa l’avventura non tanto sulla peripezia, quanto sull’introspezione, come conferma il precipuo rilievo conferito all’ambito onirico e alla sua manipolazione, che resta l’aspetto di gran lunga più intrigante e avvincente del film e che il papà di Indiana Jones, visionario per eccellenza, se non per professione – “I dream for a living”, ammise trent’anni fa in una storica intervista al TIME – accosta al concetto di realizzazione audiovisiva, paragonando il laboratorio del gigante al mestiere stesso del metteur en scène.

È così che il regista di Incontri ravvicinati del terzo tipo, a settant’anni appena compiuti, tira le somme sul fanciullo che fu e sul veterano che è adesso, sul ruolo sempre più complicato, ingrato e ingestibile di artigiano e messaggero di sogni, trovando nelle rughe e nelle grinze del suo nuovo attore-feticcio, il magnifico Mark Rylance, portato alla ribalta nel circuito maggiore con Il ponte delle spie e già annunciato nei futuri The Kidnapping of Edgardo Mortara e Ready Player One, l’alter ego più pertinente di tutta una vita, l’evoluzione senile e solitaria di quell’altra invenzione “fuori dal mondo” (anch’essa, non a caso, passata per la penna della sceneggiatrice Melissa Mathison, alla cui memoria il film è dedicato) che è stata capace di marchiare a fuoco l’universo spielberghiano.
Esattamente come E.T., infatti, il GGG non è soltanto la rappresentazione dell’impeto creativo e della sua funzione salvifica, ma è anche il fulcro di una vicenda imperniata sull’abbandono, sull’accettazione del diverso e sul superamento della solitudine attraverso la forza del sentimento, con la differenza sostanziale, contrariamente al capolavoro del 1982, di una componente infantile ridimensionata e meno centrale ai fini del tutto.

Rispetto a un personaggio a tutto tondo come quello di Elliot, la Sophie della pur bravissima dodicenne Ruby Barnhill è poco più di un meccanismo al servizio della storia con cui è difficile entrare in sintonia, e nonostante un folgorante inizio dickensiano fra l’oscurità dell’orfanotrofio e la foschia dei vicoli londinesi in cui la luce del solito Janusz Kaminski immerge il tutto in un’atmosfera sospesa di pura magia notturna, si percepisce quanto poco a Spielberg interessi parlare di lei, del suo generico dramma di orfana e del suo destino, molto diverso da quello della fonte letteraria, e di quanto, invece, gli prema focalizzarsi sul Gigante e su quella sua infinita, psicosomatica tristezza che il capillare, strabiliante lavoro di motion capture e l’espressività di Rylance finiscono per esasperare.

In questo modo il film arriva a sbandare vistosamente nei momenti in cui la narrazione deve procedere lungo traiettorie più ovvie, dalla lunga, impacciata sequenza di alleggerimento comico della colazione a Buckingham Palace alla sbrigativa, fracassona resa dei conti finale, tutto materiale che dà l’impressione di essere stato trattato e affrontato alla bell’e meglio per mantenere viva l’attenzione di un pubblico di riferimento che oggi sembra ormai lontano dalle coordinate spielberghiane e che, infatti, lo ha severamente punito.

Forse proprio in virtù di ciò, però, Il GGG rimane, nella sua imperfezione e nel suo candore, un’opera sintomatica per capire in che direzione stia andando il cinema del suo autore, una mesta avvisaglia su quanto prossima e inevitabile sia la sua estinzione e un’ultima, malinconica istantanea su ciò a cui dovranno progressivamente rinunciare i bambini di ieri e che sarà presto irricevibile preistoria per quelli di domani.

Voto 6.5