Melinda (Elizabeth Banks) lavora in una concessionaria di automobili.
Un giorno un uomo (John Cusack) che dice di chiamarsi Brian Wilson entra nello showroom, apparentemente per comprare un’auto.
In realtà ha solo voglia di parlare con qualcuno che, magari senza riconoscerlo, non sia intimidito da ciò che rappresenta.
Perché lui è il leggendario leader dei Beach Boys, l’autore di canzoni immortali che hanno hanno rivoluzionato la musica pop nella metà degli anni 60.
E sta malissimo. Ormai da anni, infatti, Wilson è afflitto da un profondo disturbo psichico reso ancora più acuto dalle discutibili terapie del Dottor Landy (Paul Giamatti), strana figura di psicologo/manager che ha progressivamente ridotto la sua sfera sociale fino a costruirgli attorno un muro invalicabile per chiunque.

La parabola psichica di Brian Wilson è cosa nota a qualsiasi estimatore del suo incommensurabile talento artistico. Una fragilità emotiva che, una volta riversata su pentagramma, ha però prodotto alcuni degli esempi più alti di quella che una volta veniva chiamata musica leggera.
Ci si chiede dunque quanto un film incentrato sulla vita dell’indimenticato autore di God Only Knows possa essere oggetto d’interesse per un neofita o per chiunque non sia particolarmente avvezzo alle cose di musica.
Se, a rigor di logica, verrebbe da rispondere “molto poco”, il profluvio di biopic di musicisti che hanno invaso le sale negli ultimi anni (e in uscita ce ne sono altri due su Chet Baker e Miles Davis) dice in realtà l’esatto contrario.
Laddove però sulla maggior parte delle opere di questo genere grava di solito un’eccessiva banalizzazione dei processi artistici, trascurati a favore invece degli aspetti più sentimentali e/o trasgressivi delle vite dei soggetti trattati (vedi dipendenze o tracolli economici), il film di Bill Pohlad ha se non altro il pregio di non cadere in nessuno di questi errori.

Una buona metà di Love and Mercy infatti si concentra sugli anni giovanili di Wilson, identificando come punto di non ritorno – sia artistico che mentale – del musicista il lunghissimo periodo passato in studio a registrare Pet Sounds, capolavoro insuperato dei Beach Boys ma anche motivo di scissione tra un Brian ormai proiettato verso i lidi lisergici della sperimentazione e i restanti membri del gruppo ancora legati a un’idea di surf music fatta di facili melodie dal successo immediato.
E’ la prima volta che un film descrive così nel dettaglio il processo creativo e le dinamiche che si celano dietro alla registrazione di un disco, elementi fondamentali per comprendere appieno l’importanza di un artista che ha stravolto la concezione stessa dello studio di registrazione fino ad equipararlo a un qualsiasi altro strumento musicale.
A questo si aggiungano poi le interpretazioni maiuscole di due attori straordinari come Paul Dano e John Cusack, chiamati a interpretare Wilson, il primo nella fase giovanile e il secondo in quella più matura in cui un accenno di love story – ahinoi salvifica – fa effettivamente capolino, sebbene declinata in maniera assai meno strappalacrime di quanto si sarebbe potuto fare.
A legare le due metà del film la figura del padre, sia fisico che putativo, centrale nella (de)formazione di un genio quasi inconsapevole del proprio talento, mosso dall’ossessione di compiacere l’autorità di turno prima ancora che dal desiderio di firmare qualcosa di eterno.
In definitiva un film assolutamente medio – sia per stile visivo che per scrittura – con il merito di andare un po’ oltre il vetusto stereotipo del Sex and Drugs and Rock and Roll.

Voto 6,5

Quello che si gira dopo aver vinto un Oscar è spesso il film più difficile della carriera: devi dimostrare che quella statuetta non ti è finita tra le mani per caso e che i tuoi prossimi progetti non dovranno essere visti in funzione di quello che è stato ufficialmente riconosciuto come il tuo più grande successo. Paolo Sorrentino ha fatto la cosa giusta, tentando di archiviare definitivamente il capitolo grande bellezza, buttandosi a capofitto in una storia diametralmente opposta anche se per certi aspetti molto simile a quella con protagonista Jep Gambardella.

Due vecchi amici, il direttore di orchestra in pensione Fred Ballinger (immenso Michael Caine) e il regista cinematografico Mick Boyle (Harvey Keitel) che, con uno stuolo di giovani sceneggiatori, è alla ricerca di un finale per il suo film-testamento, si ritrovano, come ogni anno, a trascorrere una vacanza in un sanatorio svizzero alle pendici delle Alpi, cattedrale nel deserto e piccolo specchio di un mondo kafkiano e surreale. Tra cure termali e ricordi che affiorano, malinconici, dal passato, le vite di Fred e Mick si incroceranno con quelle degli altri ospiti della struttura. Tutti piuttosto bizzarri: l’attore hollywoodiano con l’ego trafitto (Paul Dano), ricordato da tutti solo per aver interpretato Mr Q in un blockbuster di robot (quanti rimandi al personaggio di Michael Keaton in Birdman!); l’alpinista che cerca di conquistare la figlia di Fred (Rachel Weisz); il monaco tibetano esperto in levitazione, la coppia matura che non scambia una parola, la ex stella del cinema che ora, per convenienza, ha sposato la TV (Jane Fonda), un mito del calcio che fu, ora costreto a portarsi dietro l’ossigeno e una sensualissima Miss Universo (Madalina Ghenea).

Youth, dicevamo, in un certo senso è una costola de La grande bellezza. Appurate le evidenti similitudini rintracciabili nei due personaggi protagonisti, lo è soprattutto nel mettere in scena quella danza del doppio che nel film del 2013 veniva rappresentata dal sacro e dal profano, dal bello che non richiede altro se non di essere contemplato, contrapposto alla rumorosa volgarità immanente nella società di oggi. In Youth questa propensione al dualismo viene portata avanti dalle differenze che contraddistinguono i due anziani amici: Caine è un uomo che ha vissuto per la musica, ora del tutto abbandonata, viene dipinto dalla figlia come un padre anaffettivo e distaccato ed è un profondo sostenitore della sopravvalutazione delle emozioni. Keitel, invece, indossa un personaggio decisamente più tronfio e leggero, di un regista avanti con gli anni ma ancora attaccato al suo lavoro, animato ancora dal forte bisogno di un nuovo progetto a cui dar vita. Da qui, spazio alle riflessioni: sulla giovinezza e sulla vecchiaia, sul passato e sul futuro, sul rapporti tra genitori e figli, sull’amore, sull’amicizia, su quello che rimane e su quello che è stato.

Battute didascaliche, dialoghi scolpiti nella pietra e monologhi toccanti (uno su tutti, quello affidato a Rachel Weisz che si sfoga con Caine mentre sono entrambi ricoperti di fango) riempiono una sceneggiatura scritta da un Sorrentino che l’Oscar sembra aver reso più edotto e consapevole, questa volta in solitaria senza il contributo di Umberto Contarello (This Must be the Place, La grande bellezza). Ed è proprio nella scrittura che salta fuori tutta la napoletanità dell’autore, per quel modo di chiudere uno scambio di opinioni con una battuta e per quella fissazione, ormai divenuta uno dei suoi marchi di fabbrica, di immortalare alcuni personaggi in contesti elevati per farli precipitare nel vuoto di una situazione decisamente più bassa nell’inquadratura successiva. Il lirismo interrotto dal volgare. D’altro canto ormai appare chiaro quanto Sorrentino ami giocare con antitesi e ossimori, tanto nei titoli quanto nei contenuti delle sue opere.

E poi, naturalmente, c’è la musica, altra immancabile protagonista del cinema sorrentiniano, con i brani di David Lang, quelli di Sun Kil Moon (con Mark Kozelek che vediamo anche in una scena del film), e Dirty Hair di David Byrne. Insieme all’estetismo puro, alla grazia delle immagini plasmate in modo ineccepibile dalla maestria di Luca Bigazzi nelle quali si muovono Caine, Keitel e gli altri, protagonisti perfetti di un mondo racchiuso in un non luogo idilliaco e silenzioso, la cui quiete viene rotta solo dallo sfregamento di una carta di caramella tra le dita. E’ nei venti minuti finali che la materia quasi impalpabile ed eterea di cui è composto Youth inizia a deteriorarsi sotto i colpi di una strana frenesia che sembra cogliere improvvisamente Sorrentino il quale, di punto in bianco, decide di risolvere credibilmente tutte le trame tessute fino a qual momento. Scelta che lascia un po’ di stucco, soprattutto perché, fino a un attimo prima il suo sembrava essere un inno al manchevole e all’incompiuto. Se il Sorrentino regista ormai ha ben poco da dimostrare, qui è il Sorrentino sceneggiatore ad aver perso qualche colpo.

Voto 7

Dopo l’Oscar come Miglior Film Straniero per La Grande Bellezza, Paolo Sorrentino ha deciso di ripartire da Venezia. Proprio oggi infatti è stato dato il primo ciak al suo prossimo film, Youth, che ha nel cast Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Jane Fonda e il giovane Paul Dano (12 Anni Schiavo).

Le riprese si svolgeranno tra Svizzera, Italia e Inghilterra, ma il regista napoletano ha voluto girare alcune scene anche a Venezia. La giovinezza, questo il titolo del film per il mercato italiano, ideato e scritto dallo stesso Sorrentino, racconterà la storia di Fred e Mick (interpretati da Caine e Keitel), due uomini che alla soglia degli ottant’anni decidono di andare in vacanza insieme in montagna.
Fred è un direttore d’orchestra che da tempo ha optato per un ritiro dalle scene, mentre Mick è un regista ancora nel pieno dell’attività, anche se per il suo ultimo film ha incontrato diversi ostacoli che hanno allungato i tempi di realizzazione.
In un luogo sospeso come l’hotel in mezzo alle Alpi dove hanno deciso di passare le proprie vacanze, il tempo non manca e si ritroveranno a pensare insieme al futuro, osservando i propri figli e le loro vite ormai avviate.

Prodotto dalla Indigo Film in collaborazione con Medusa La Giovinezza dovrebbe uscire nella primavera del 2015.

Sono iniziate venerdì 9 maggio le riprese de La giovinezza, il nuovo film di Paolo Sorrentino, che torna sul set dopo l’Oscar per il Miglior Film Straniero per La grande bellezza. La pellicola che  vanta un cast internazionale tra cui Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano e Jane Fonda, sarà girata in lingua inglese. Riconosciuta di interesse culturale e realizzata con il contributo della direzione generale per il Cinema, La giovinezza è una coproduzione Italia-Svizzera-Francia-Inghilterra: Indigo Film in collaborazione con Medusa Film per l’Italia; C-Films per la Svizzera; Bis Films e Pathè per la Francia; Number 9 Films per l’Inghilterra.

Le riprese si svolgeranno tra Svizzera, Italia e Inghilterra e l’uscita è prevista nella primavera del 2015. Anche la sceneggiatura è di Paolo Sorrentino, mentre Luca Bigazzi firmerà la fotografia, David Lang le musiche, Ludovica Ferrario la scenografia, Carlo Poggioli i costumi e Cristiano Travaglioli il montaggio.