La A24 ha diffuso il primo trailer di First Reformed, il nuovo film di Paul Schrader presentato Fuori Concorso all’ultimo Festival di Venezia. Il film, la cui data di uscita nei nostri cinema non è stata ancora diffusa, vede protagonisti Ethan Hawke e Amanda Seyfried.

Scritto dallo stesso Schreder, First Reformed ruota attorno alla figura di Ernst Toller, un misterioso reverendo che vive in una piccola cittadina poco fuori New York. Quando questi viene avvicinato da Mary, una donna incinta che fatica a convivere con il marito, il quale sembra dare segni di squilibrio, Ernst rimane imbottigliato in una vicenda che lo costringerà a far riemergere il proprio passato, con il quale dovrà confrontarsi.

Dopo un decennio abbondante di opere involute e distorte dalla produzione (Dominion: Prequel to the Exorcist e Il nemico invisibile), malamente giustificati dall’alibi della bruttezza programmatica (The Canyons e Cane mangia cane) o, nel migliore dei casi, discutibili e impacciati (Adam Resurrected e The Walker), era tempo per Paul Schrader di tornare finalmente a una dimensione a lui più congeniale, a un cinema maggiormente personale e a un totale controllo artistico del prodotto finale.

First Reformed è quindi l’occasione per il cineasta di Grand Rapids per riappropriarsi della sua opera, per tornare a sorreggere il carico delle proprie ossessioni (la perdizione, l’impotenza affettiva, l’irruzione del trascendente) e per tornare a ispirarsi a quei prototipi, Bresson e Dreyer su tutti, che dagli esordi di Tuta blu e di American Gigolo avevano fortemente contrassegnato la sua poetica: questa volta, tuttavia, lo storico collaboratore di Martin Scorsese finisce per peccare per eccesso, non solo ammucchiando in maniera disomogenea situazioni e personaggi totalmente autoreferenziali (il destino di solitudine e di isolamento nell’inverno raggelante di Affliction, il sacrificio come più nobile forma di espiazione di Mishima, la battaglia individuale contro la società alla deriva di Hardcore), ma anche riproponendo pari pari quei modelli che ne erano stati la fonte.

Si diceva di Bresson, poc’anzi, e First Reformed è in tutto e per tutto la riproposizione, se non pure il rifacimento non dichiarato, del suo Diario di un curato di campagna, di cui recupera a linee neanche tanto grandi la trama – il tormento di un irrequieto macilento parroco di provincia (Ethan Hawke), vessato da una comunità avida, egoista e consapevolmente votata  all’autodistruzione – calandolo nel pieno dell’epoca del riscaldamento globale e della fine delle ideologie: il risultato, però, oltre a farsi derivativo, impostato e inerte ai limiti della catatonia, è di mano davvero pesante, fra didascalismo trombone (le annotazioni sul taccuino a cui il protagonista, come il suo omologo uscito dalle pagine di Bernanos, affida i propri pensieri), passaggi a vuoto (la sottotrama ecologista, il rapporto con i membri della diocesi) e squarci visionari privi di misura, come la sequenza del Magical Mystery Tour, durante il quale il religioso si mette a levitare come un eroe tarkovskijano per poi librarsi nel kitsch, e il finale martirizzante, in cui la macchina da presa, dopo due ore di macchina fissa, volteggia vorticosamente per poi passare a nero.

Un film indubbiamente, finalmente personale, quindi, ma non per questo meno respingente, fastidioso e privo di una vera necessità.

Ancor peggio, per motivi diametralmente opposti, fa il successivo
The Shape of Water, banalissima, leziosa e manichea fiabetta nera sull’emarginazione con cui Guillermo del Toro mescola impunemente gli echi del miglior immaginario burtoniano alle smancerie del peggior Jeunet, con l’archetipo de Il mostro della laguna nera riconcepito come una disneyana Bestia di de Beaumont.

Fra un’estetica stucchevole che non teme di sguazzare nel kitsch (in primis, il numero musicale al ritmo dello standard You’ll Never Know), caratterizzazioni tanto scontate da sfiorare l’autoparodia – Michael Shannon è, come sempre, il trucido, disumano villain totalmente privo di sfumature, l’insopportabile Octavia Spencer è il garrulo comic relief di turno, Michael Stuhlbarg è ancora il timido, impacciato impiegatuccio – e un così insistito, leccato e fasullo poeticismo che non riesce mai a tradursi in autentica commozione, il film crede di giocare facile accostando il clima da Guerra Fredda pre-Era Spaziale alla deriva trumpiana di oggi per tessere il solito, stantio elogio dei dropout dell’America più ipocrita (oltre alla sguattera sudamericana e all’immigrato introverso, non potevano mancare l’eroina disabile e il suo sidekick omosessuale) e per ribadire i più confortanti luoghi comuni del caso, a partire dal vetusto ammuffito adagio che vede nell’Uomo il peggior mostro di tutti.

E se la bravissima, generosa protagonista Sally Hawkins e, ancor più, la preziosa spalla di lusso Richard Jenkins salvano il film dal disastro completo seppur alle prese con caratterizzazioni tolte di peso da Il favoloso mondo di Amelie, The Shape of Water resta comunque cinema ovvio ed elementare, che scambia il romanticismo per sentimentalismo e che fa troppo affidamento su un pubblico di “puri di cuore” e di comprovata fiducia per andare oltre la dozzinalità.

Un po’ meglio il primo concorrente asiatico della sezione principale, il libanese The Insult, un concitato legal drama che porta in tribunale la polveriera mediorientale partendo da un assunto qualsiasi, lo sgarbo commesso da un autoctono cristiano a un profugo palestinese, per arrivare a coinvolgere, lungo un’escalation di recriminazioni, vendette e imputazioni, l’intero passato prossimo del territorio.

Non si negano a Ziad Doueiri il coraggio dell’ambizione e la perizia nel mantenere serrata un’opera chiusa per metà fra le mura di un’aula di giustizia, ma si sente fortemente la mancanza di quella capacità di sollevare domande complesse confidando nella sensibilità e nell’intelligenza dello spettatore, preferendo ricorrere a risposte facili date da una gestione squilibrata dell’intreccio (ci sono davvero dubbi su chi, fra le due parti in causa, abbia ragione?), a un disinvolto benaltrismo, con il processo che si imbroglia e che si intorbida quanto più si risale alle origini del confitto etnico, e a una ventata retorica che cozza con la delicatezza del tema.

Come per il precedente The Attack, tutto si ferma sul piano della nobiltà di intenti e sulle risoluzioni più lampanti e, sebbene il cast funzioni a meraviglia – con una menzione speciale per l’ottimo
Camille Salameh, che interpreta il navigato avvocato dell’accusa – l’impressione è sia al servizio di un film a (chiare) tesi che assomiglia a una specie di Farhadi dei poveri.

È stato rilasciato in rete il primo trailer di Dog Eat Dog, adattamento cinematografico del romanzo di Eddie Bunker Cane Mangia Cane.

La pellicola, diretta da Paul Schrader, è stata presentata a Cannes 2016 e racconta di tre ex-carcerati nei sobborghi malfamati di Los Angeles che, sotto compenso, accettano di compiere un rapimento. Le cose, però, non andranno come previsto e si ritroveranno a dover fuggire per evitare di tornare di nuovo dietro le sbarre.

Nel cast Nicolas Cage, Willem Dafoe, Louisa Krause e Paul Schrader.

Evan Lake (Nicolas Cage) è un agente veterano della CIA che non ha mai superato il trauma delle torture subite durante una vecchia missione e che scopre, a un passo dalla pensione, di essere affetto da una forma di demenza che a breve ne azzererà le capacità psicomotorie.
Si ritrova quindi ai ferri corti con l’organizzazione a cui ha dedicato tutta la sua vita e che, di fatto considerandolo un peso, ora lo spinge a un allontanamento anticipato.
Quando il suo giovane protetto Milton Schultz (Anton Yelchin) trova le prove che il nemico di una vita di Lake, il jihadista Muhammad Banir, potrebbe essere ancora vivo, l’uomo si ribella, decidendo di imbarcarsi da solo in una pericolosissima missione intercontinentale per eliminarlo.

Di film disconosciuti dai loro stessi autori è lastricata la strada che porta a Hollywood.
Si va dall’opera seconda di Orson Welles, L’orgoglio degli Amberson fino ad arrivare al recente caso di Accidental Love girato solo in parte da David O.Russell nel 2008 e uscito solo di recente per sfruttare la fama raggiunta nel frattempo dall’autore di American Hustle.
Dire che questi film sono il più delle volte (chiaramente non nel caso di Welles) il prodotto prescindibilissimo di un tira e molla tra le velleità artistiche di un autore e le pretese di rientro economico delle case di produzione appare quasi pleonastico, ma il caso vuole che anche questo Il nemico invisibile nasca da una controversia di questo tipo.
Solo che, ad aver disconosciuto il film, in questo caso, non è solo l’autore della sceneggiatura e regista Paul Schrader, bensì anche il produttore, il genietto danese Nicolas Winding Refn (che in un primo momento sembrava dovesse dirigere il film) e il suo stesso attore protagonista, Nicolas Cage.
Ora, passi pure per Paul Schrader che ha pur sempre scritto Taxi Driver e Toro scatenato.
Ma Nicolas Cage è un attore che, ad avere il tempo e il coraggio di scorrerne l’intera filmografia, si scopre aver interpretato alcuni dei film più ridicoli e insopportabilmente brutti della storia del cinema.
Ovvio che venga da chiedersi quanto possa essere brutto questo Il nemico invisibile per essere stato disconosciuto dal protagonista di autentici obbrobri come i due Ghost Rider o Il mandolino del Capitano Corelli.
La risposta è che sì, il film è brutto.
Di sicuro non brutto come può esserlo un brutto film con Nicolas Cage (diciamo uno qualunque di quelli prodotti da Jerry Bruckheimer) ma abbastanza se si considerano i nomi coinvolti.

Sostanzialmente è un bislacco thriller che si apre con uno dei pistolotti retorici più fascisti dai tempi di Paul Verhoeven, in cui sono assenti sia l’elemento spettacolare che quello autoriale.
Ecco quindi che lo spettatore che abbia la sfortuna di entrare in sala, magari anche solo per sfuggire alla folle calura estiva di questi giorni, si ritrova dinanzi ad un anziano eroe con un principio di demenza senile che si trascina stanco e demotivato per una stiracchiatissima ora e mezzo, alla ricerca di una futile vendetta.
In mezzo a tutto questo, il vuoto pneumatico della tensione.
Mai, nemmeno per sbaglio, la pellicola è attraversata da nulla che ricordi, anche alla lontana, il concetto di suspense.
Poi, più o meno a dieci minuti dalla fine, qualcosa accade.
Probabilmente infatti, in seguito all’allontanamento di Paul Schrader dal progetto, si è deciso di aggiungere una folle e incomprensibile sequenza al film in cui il personaggio di Cage, afasico e claudicante fino a quel momento, ritrova tutta la forma fisica di The Rock, Con Air e Fuori in 60 secondi (rispetto a quei film cambia solo il colore del toupet), inizia a sparare come se non ci fosse un domani e porta a termine una missione per la quale, solo pochi minuti prima, sembrava aver perso qualsiasi interesse.
Insomma, l’unica scena d’azione è stata evidentemente girata da un qualsiasi regista di seconda unità e incollata in calce a un film che, fino a quel punto, fa della stasi e della riflessione sulla decadenza dell’eroe classico la sua unica ragion d’essere.
Resta da capire che tipo di film era Il nemico invisibile nella testa del suo autore e come sarebbe stato se quest’ultimo lo avesse montato personalmente, anche se regia e grana dei dialoghi lasciano chiaramente intendere come, anche nel migliore dei casi, saremmo stati qui a parlare non dell’assoluto disastro che alla fine si rivela essere, ma senz’altro di uno Schrader minore.

Voto 3

Arriverà nelle sale il 9 luglio con Barter Entertainment il thriller scritto e diretto da Paul Schrader e interpretato da Nicolas Cage, Il nemico invisibile – Dovunque tu sia lui ti troverà. Cage interpreta il ruolo di un agente della CIA; un uomo che non arretra davanti a nulla pur di rendere giustizia e chiudere un caso che lo coinvolge personalmente da oltre vent’anni. Completano il cast Anton Yelchin,  Irène Jacob e Alexander Karim. Il trailer italiano del film.