Una commedia nera che si barcamena tra leggenda e misoginia apparente (in realtà i personaggi maschili sono tutti bambocci immaturi succubi delle donne perché incapaci di vivere senza di loro). Álex de la Iglesia si diverte un mondo a realizzare un film che mescola vari generi, dal gore all’horror passando per l’heist movie, e che nell’incipit e nel prefinale sfodera due scene, una rocambolesca e l’altra piuttosto epica, che valgono da sole la visione film.

9 Fury di David Ayer

Uno dei migliori war movie visti negli ultimi anni che riesce a portare freschezza ad un genere oltremodo abusato. Le gesta dei soldati americani all’interno del carro armato d’assalto Sherman che attraversa il territorio francese in direzione Berlino incontrando le ultime resistenze dell’esercito tedesco, vengono raccontate come in un romanzo di formazione attraverso gli occhi del soldato più giovane. Cast perfetto (da Brad Pitt a Shia LaBeouf) per un film claustrofobico, asciutto e solidissimo.

8 Mad Max: Fury Road di George Miller

Il quarto capitolo della saga iniziata nel 1979 con Interceptor si arricchisce di un nuovo, sensazionale tassello. Un unico inseguimento mozzafiato a bordo di auto, moto e cisterne modificate in stile steampunk nel più sconfinato dei deserti, luogo di morte in cui chi si ferma è perduto. Un film girato tutto d’un fiato che merita di essere visto nello stesso modo.

7 Sopravvissuto – The Martian di Ridley Scott

Sci-Fi e commedia si mescolano perfettamente nel ritorno al grande cinema di Ridley Scott, persosi per strada ormai da troppo tempo. The Martian è un film riuscito soprattutto perché diverso, nel mood e nelle atmosfere, da tanta paccottaglia fantascientifica e Matt Damon che per necessità si trasforma in una sorta di Mac Gyver del Pianeta Rosso, in una giovane marmotta dello Spazio, è davvero qualcosa.

6 Turner di Mike Leigh

La vita, piuttosto movimentata e le opere, superbe, del pittore inglese William Turner. La sua ossessione romantica per la luce, la tecnica sopraffina che cozza con il bofonchìo e i grugniti emessi (resi perfettamente da un gorgogliante Timothy Spall) da un artista sopraffino che si muove nel mondo dell’ufficialità artistica per farsene beffe. Un’opera intrisa di lirismo e di stile, perfettamente resa da un Mike Leigh particolarmente ispirato.

5 45 anni di Andrew Haigh

Il peso di un sentimento sepolto da anni che arriva a condizionare il presente. Il passato che riemerge da una coltre di ghiaccio e si fa pretesto per rimettere in discussione una vita intera. Un amore. Andrew Haigh, abilissimo a giocare con il non detto e con il dimenticato, punta tutto sulla coppia Rampling-Courtenay, interpreti perfetti di un film struggente, nudo ed essenziale.

4 Babadook di Jennifer Kent

L’horror dell’anno, senza se e senza ma. Atipico, freudiano e angosciante, il film dell’australiana Jennifer Kent indaga il rapporto tra una madre e suo figlio ed è pervaso da un terrore latente che scorre sottopelle e che esplode in pochi momenti: quelli giusti. La fotografia livida e le sopraffine illustrazioni di Alex Juhasz contribuiscono a rendere questo apologo sul trauma della perdita e sull’accettazione del Male un gioiellino da recuperare ad ogni costo.

3 Il racconto dei racconti di Matteo Garrone

Italianissimo e internazionale, l’adattamento ad opera di Matteo Garrone di tre delle fiabe contenute ne Lo cunto de li cunti di Giambattista Basile è un pot-pourri di favola popolare, magia, violenza, umorismo, folklore e sensualità. Un film nudo e crudo con un lavoro estetico che toglie il fiato e una purezza di intenti e contenuti che affonda le radici in un passato denso di tradizioni, pur rimanendo esotico e suggestivamente attuale.

2 Whiplash di Damien Chazelle

J.K. Simmons è l’insegnante di batteria che nessuno vorrebbe avere. Uno che lancia le sedie ai suoi allievi, che li prende a schiaffi se sbagliano, che gli fa uscire il sangue a forza di prove estenuanti e che, proprio per questo, li sprona come nessun altro. Il dolore fisico come elemento imprescindibile per aumentare stimoli e creatività e la certezza che la strada da percorrere per raggiungere i propri obiettivi non è la stessa che si segue per diventare persone migliori.

1 Birdman o (L’imprevedibile virtù dell’ignoranza) di Alejandro González Iñárritu

Un attore in cerca di riscatto personale e artistico. La messa in scena di una piéce ispirata ai racconti di Carver e i giorni frenetici che la precedono dietro le quinte di un teatro di Broadway. Con Birdman Iñarritu firma il suo lavoro più tecnico e più complesso in cui le crisi e i dubbi del protagonista si mescolano a un sottobosco di varia umanità. Registicamente virtuoso e visivamente accattivante, amalgama vita e rappresentazione, realtà e illusione fino a renderli inscindibili.

Nel suo ultimo film, Mike Leigh ci mostra il pittore Joseph Mallord William Turner (Timothy Spall), uno dei massimi esponenti del romanticismo inglese, nell’arco degli ultimi vent’anni della sua vita.
Estremamente burbero e refrattario alle relazioni sociali, che pure pratica con malcelato fastidio, Turner vive una vita solitaria, con la sola compagnia della devota governante Hannah (Dorothy Atkinson) e dell’anziano padre che gli fa da assistente.
Alla morte di quest’ultimo, il carattere del pittore diventa, se possibile, ancora più ispido e spigoloso e lo spinge ad allontanarsi ulteriormente dalle persone, con l’unica eccezione di Mrs. Booth, matura locandiera di Chelsea, con cui instaura, forse per la prima volta nella sua vita, un rapporto di grande complicità e rispetto, seppure in incognito.

Leigh, solitamente più a suo agio con piccole storie riguardanti gente comune, approccia lo spinoso genere del biopic senza rinunciare a nulla del suo stile fatto di tempi lunghi e basso profilo, finendo così col firmare un potentissimo e visivamente splendido elogio della normalità.
Seppure animalesco per modi e fattezze, Turner rappresenta infatti una delle rarissime incarnazioni cinematografiche di artista in cui, ad essere in primo piano, non sono gli eccessi o comunque l’artata amplificazione, a fini strumentali, di quel maledettismo in genere insito in ogni personaggio bigger than life.
Da un punto di vista tecnico invece, l’intuizione più felice di Leigh risiede nella scelta di descrivere il rivoluzionario apporto di Turner all’arte moderna senza mai focalizzarsi in maniera didascalica sui processi che ne hanno definito lo stile – di fatto il film racconta di un artista già ampiamente risolto – bensì costruendo ogni singola scena come se fosse essa stessa un quadro, attraverso un uso suggestivo e pittorico del digitale e della (straordinaria) fotografia,  giustamente candidata all’Oscar.
Ecco dunque irradiarsi dallo schermo la medesima luce che ha reso immortali le opere dell’artista inglese (soprannominato, non a caso, il pittore della luce) in un delicato e riuscito processo di osmosi tra cinema e pittura, ribadita anche dalla profonda fascinazione, mostrata nel film, di Turner per il mezzo fotografico allora agli albori.

Altro aspetto fondamentale della pellicola è l’estrema cura con cui Leigh osserva le dinamiche sociali tipiche della quotidianità dell’epoca, passando al setaccio la vacuità dell’alta borghesia londinese dei primi dell’Ottocento e che trova il suo climax in una scena che descrive una tipica conversazione altoborghese da ‘ora del tè’, in cui tutti i partecipanti – incluso un riluttante Turner –  sono chiamati, a turno, a conversare su un argomento di interesse pressoché nullo.
Tutto il film, sebbene a tratti fiaccato da una lunghezza eccessiva, è costruito sulla sottrazione, come una serie di quadretti di vita minima che, una volta giustapposti, concorrono a formare un quadro più ampio.
Motore dell’operazione e perno su cui fa leva la riuscita dell’opera è l’interpretazione “totale” di un Timothy Spall (Palma d’oro come miglior attore a Cannes per questo ruolo) che, smessi i panni abituali del caratterista, lavora di cesello su un personaggio complesso e, per molti versi, sgradevole.
La fisicità con cui l’attore si dona alla macchina da presa è impressionante così come la raffinatezza con cui riesce a illuminare il “suo” Turner con improvvisi e sparuti squarci di umanità che ne stemperano l’irsuta antipatia e, al tempo stesso, consentono allo spettatore il minimo sindacale in termini di processo empatico.
Di tutte le stranezze insite nella scelta dei candidati all’Oscar di quest’anno, quelle che risultano più inspiegabili sono proprio le mancate nomination di Mike Leigh come miglior regista e quella di Spall per l’interpretazione maschile.
Quest’ultima, in particolare, grida abbastanza vendetta.

Voto 7

Come sapete, ieri pomeriggio sono state rese note le candidature agli Academy Awards. Ad annunciarle sul palco del Samuel Goldwyn Theatre di Beverly Hills, tra gli altri, c’era anche Cheryl Boone Isaacs, Presidente dell’Academy. Il momento più divertente è stato quello in cui Miss Boone ha letto la nomination di Dick Pope – direttore della fotografia del film inglese Turner – pronunciandolo come “Dick Poop“, che alla lettera vorrebbe dire “cazzo cacca”, mentre in slang americano ha un significato ancora più volgare che io non scriverò e che trovate qui. La Boone si è rapidamente corretta, ma ormai la gaffe era bella che fatta. Su Twitter, a qualche ora dall’annuncio delle nomination, erano stati scritti già 30mila tweet con l’hashtag #DickPoop. Speriamo che al signor Dick Pope tutto questo porti fortuna, di fatto è diventato una celebrità!

Il video della gaffe: