Nuova, straordinaria sortita del ragionamento wendersiano su viaggio e prospettiva, analisi sofferta di una graduale perdita e riscoperta di fiducia verso l’Uomo e la Natura che è anche una brillante riflessione sul multimediale da parte di un autore sempre sorprendentemente moderno.

9) A proposito di Davis (Joel e Ethan Coen)

Punto di arrivo del pessimismo coeniano, malinconica e dolcissima parabola sul fallimento e sulla fallibilità dell’individuo, un piccolo romanzo universale degno di Updike che gela le ossa e un’odissea picaresca fra le più devastanti e profondamente umane del cinema del nuovo secolo.

8 ) Il regno d’inverno (Nuri BIlge Ceylan)

Con un linguaggio magniloquente eppure intimissimo, Ceylan affronta il lato più discorsivo della propria poetica e, a metà fra il teatro cechoviano e il kammerspiel bergmaniano, mette in atto l’identificazione di una coppia che è quanto di più vicino alla grande letteratura.

7) The Wolf of Wall Street (Martin Scorsese)

Dietro la maschera del rampantismo, una delle tragedie scorsesiane più nere, inconciliabilmente e cosmicamente crudele: dopo Quei bravi ragazzi e Casinò, il regista italoamericano chiude il trittico con la tappa più caligolesca e farneticante: un rivoltante, nauseante capolavoro.

6) Il giovane favoloso (Mario Martone)

Completamento di un dittico sulla preistoria italiana come specchio e prefigurazione dell’attuale, inesauribile campionario di evocazioni, di immagini e, ovviamente, di poesia di abbacinante modernità che parte dal melodramma viscontiano e approda al dramma della paralisi contemporanea.

5) Under the Skin (Jonathan Glazer)

Composizione astratta che congiunge l’assoluto kubrickiano, la sintesi della videoarte e i tardi malickianismi de-didascalizzati per l’occasione, un’opera totale e sconsiderata che sfida i limiti della narrazione e diventa pura rappresentazione.

4) L’immagine mancante (Rithy Panh)

Sconcertante operazione, precedente e parallela al doppio itinerario di Joshua Oppenheimer che riduce in polvere l’idea di messa in scena artistica e che confuta la struttura soltanto in apparenza oggettiva dell’apparato non-fiction: un film-elegia estremo, forse l’ultimo documentario possibile.

3) Si alza il vento (Hayao Miyazaki)

Irripetibile pietra miliare dell’universo anime tutto e rassegnato testamento poetico con cui Hayao Miyazaki, laicamente e senza elementi fantastici, si congeda dal mondo con un definitivo, autobiografico volo, più che pindarico, d’angelo.

2) The Look of Silence (Joshua Oppenheimer)

Non la costola di The Act of Killing, ma il compimento indispensabile e ancor più disperato di un discorso sulla responsabilità e sulla visione che è soprattutto una dimostrazione di fede nei confronti del fare cinema come atto politico e come atto di preservazione.

1) Due giorni, una notte (Jean-Pierre e Luc Dardenne)

Un lancinante racconto morale sulla solidarietà, sull’empatia e sul sacrificio che si risolve in un minuscolo prodigio di trasparenza e di urgenza portato avanti con la potenza disarmante della grammatica di base dell’espressione filmica: cinema essenziale e diretto come e più dello sguardo umano.

Rigenerante antidoto ai tonitruanti, bulimici sermoni di Interstellar e al tanto insistito quanto artificioso “effetto-verità” di Boyhood, dalla line-up di Cannes2014, dal cui Palmares è stato clamorosamente escluso, approda finalmente in sala il ritorno dietro la macchina da presa di Jean-Pierre e Luc Dardenne, quel Due giorni, una notte che, dopo un paio di ottime opere di transizione come Il matrimonio di Lorna e Il ragazzo con la bicicletta, ritrova lo stato di grazia e di finitezza formale dei loro imprescindibili capolavori a cavallo a fra i due secoli. Risultato di abbacinante, fulgida purezza, la peregrinazione suburbana dell’operaia Sandra (Marion Cotillard) e i suoi incontri con i colleghi che dovrebbero garantirle la permanenza sul posto di lavoro è una mini-odissea individuale di insostenibile partecipazione, non un bieco studio sull’avidità e sull’egoismo fatto di manicheismi fasulli, ma una parabola sulla solidarietà, sull’empatia e sul sacrificio raccontata con la potenza incontenibile della grammatica di base dell’espressione filmica.

Rinunciando come di consueto all’uso del primo piano, all’alternanza di campi e controcampi e a qualsiasi altra forma di “mistificazione” registica, i fratelli valloni catturano l’essenza del quotidiano con l’eccezionale naturalezza che contraddistingue la loro produzione dai tempi de La promesse in poi, mettendo in scena una specie di La parola ai giurati sottoproletario dell’epoca della crisi, riuscendo a trasporne la medesima tensione e il medesimo tormento nei limiti dell’ordinaria miseria della periferia, lungo un percorso, lontanissimo da ogni ostentazione calvarica, nel quale al centro di tutto rimane sempre e comunque la dignità e al termine del quale un lieto fine per riconquistare il piacere di vivere è solo grasso che cola.

A servizio della pellicola, e, miracolosamente, non viceversa, Marion Cotillard è una protagonista impagabile e mimetica, coraggiosissima nel suo anti-divismo a mettersi nelle mani di due già comprovati direttori di attori di estrema sensibilità – si pensi alla Émilie Dequenne di Rosetta e all’Olivier Gourmet de Il figlio (loro personale feticcio che, per la gioia degli affezionati, torna nell’epilogo nei panni del “villain” Jean-Marc), interpretazioni entrambe premiate sulla Croisette -, l’incarnazione esemplare di un ritratto al femminile complesso e coinvolgente come Almodóvar solo si sogna. Una performance affiancata dall’altrettanto insostituibile Fabrizio Rongione, altra figura ricorrentissima nella filmografia dei due cineasti belgi, con cui innesca una delle storie d’amore più trascinanti e autentiche del cinema contemporaneo, un “soli contro tutti” di epica normalità che culmina con quel gioco di sguardi, sorrisi e silenzi in auto con La nuit n’en finit plu di Petula Clark in sottofondo – un momento di purissima commozione – e che non può non far pensare alla coppia Gary Cooper/Grace Kelly di Mezzogiorno di fuoco, classico di cui ricalca a grandi linee lo svolgimento e il tono concitato, ma, forse un po’ sorprendentemente, non il senso di sfiducia e di scoramento nei confronti del prossimo, sostituito da quel moderato ottimismo e da quell’inno alla vita che persino nello squallore di Rosetta finivano per emergere.

Perfettamente compiuto nella sua ripetitività e nel suo minimalismo come solo certe composizioni di Steve Reich o certe installazioni di Sol LeWitt riescono a essere (e non da essi zavorrato, come la stampa statunitense, in vista degli Oscar, va zoticamente cianciando), Due giorni, una notte è, in sostanza, un minuscolo prodigio che restituisce alla Settima Arte la sua trasparenza e la sua urgenza, un’ora e mezza di assoluta, disarmante onestà artistica e umana che, pur riportandoci anche duramente alla realtà fuori dalla sala, ci ricorda ancora una volta le proprietà salvifiche ed entusiasmanti del grande schermo.

Dovendo scegliere un solo film da vedere in tutto il 2014, con buona pace di astronauti, di donne scomparse e di altri zuccherini per l’Academy e per le multisale, con Due giorni, una notte si va sul sicuro.

Voto 9

Un Oscar vinto nel 2008 per la sua interpretazione di Edith Piaf ne La Vie en Rose e una carriera in costante ascesa, tra film mainstream e pellicole d’autore. Nel weekend Marion Cotillard tornerà nelle sale come protagonista del nuovo film dei fratelli Dardenne, Due giorni, una notte, pellicola presentata lo scorso anno a Cannes e in arrivo nelle sale di Roma e Milano il 13 novembre e il 20 nel resto d’Italia, dove interpreta una donna che in un solo weekend dovrà fare l’impossibile per cercare di mantenere il posto di lavoro.

Sandra è un’operaia sull’orlo del licenziamento perché l’azienda per cui lavora la considera poco utile e con un rendimento insoddisfacente. L’unica possibilità che la donna ha di mantenere il posto di lavoro è convincere i colleghi a rinunciare a mille euro di benefit. E così tra sabato mattina e domenica sera, accompagnata dal marito, Sandra comincia il suo pellegrinaggio porta a porta a chiedere: per favore, potresti fare a meno di quei soldi?