La A24 ha diffuso il primo trailer di First Reformed, il nuovo film di Paul Schrader presentato Fuori Concorso all’ultimo Festival di Venezia. Il film, la cui data di uscita nei nostri cinema non è stata ancora diffusa, vede protagonisti Ethan Hawke e Amanda Seyfried.

Scritto dallo stesso Schreder, First Reformed ruota attorno alla figura di Ernst Toller, un misterioso reverendo che vive in una piccola cittadina poco fuori New York. Quando questi viene avvicinato da Mary, una donna incinta che fatica a convivere con il marito, il quale sembra dare segni di squilibrio, Ernst rimane imbottigliato in una vicenda che lo costringerà a far riemergere il proprio passato, con il quale dovrà confrontarsi.

Universal Pictures ha reso disponibile il primo trailer di Mamma Mia: Here We Go Again!, il sequel del musical del 2008 che avrà come protagoniste Amanda Seyfried, Meryl Streep e Lily James. Pierce Brosnan, Colin Firth e Stellan Skarsgård torneranno a interpretare i tre possibili padri della ragazza. Ci sarà poi una super new entry: Cher.

Mamma Mia: Here We Go Again!, in arrivo a settembre 2018 nei cinema italiani, è scritto e diretto da Ol Parker, sceneggiatore di Marigold Hotel. La colonna sonora vedrà l’utilizzo di molte canzoni degli ABBA non utilizzate nel primo film, insieme ad alcuni grandi classici.

Sam Cooper (John Goodman) e sua moglie Charlotte (Diane Keaton) stanno per separarsi, ma hanno deciso di dirlo al resto della famiglia solo dopo Natale, per trascorrere felicemente tutti insieme almeno un ultimo cenone. Non è che però il resto dei Cooper se la passi molto meglio. A partire da Emma (Marisa Tomei), sorella di Charlotte da sempre vittima di un infondato complesso di inferiorità nei suoi confronti, fino ad arrivare al padre Bucky (Alan Arkin) che, inaspettatamente, sente un legame più forte con la cameriera della tavola calda di cui è cliente fisso che non per le sue stesse figlie.
Senza contare i due figli di Sam e Charlotte, Eleonor (Olivia Wilde) che, tradita anche dall’ultimo fidanzato e ormai del tutto disillusa sull’amore, ciondola in aeroporto cercando di rimandare l’inevitabile delusione che avranno i suoi nello scoprire che è di nuovo single e Hank (Ed Helms), padre separato che ha appena perso il lavoro ma non trova il coraggio di ammetterlo all’ex moglie né e ai suoi figli.

Natale all’improvviso ha un cast talmente stellare che, almeno sulla carta, viene quasi da pensare che Hollywood possa darci lezioni anche in materia di cinepanettoni. Perché alla fine di questo si tratta, di una semplice cornice narrativa all’interno della quale stipare a forza troppo di tutto.
Il Natale del resto, si sa, è da sempre sinonimo di abbondanza e allora tanto vale esagerare anche nei film.
Solo che, qui da noi, tale esagerazione si manifesta attraverso un’overdose di comicità crassa e product placement selvaggio mentre gli americani preferiscono puntare sulla melassa e sui buoni sentimenti a pioggia.
Tutto il film trasuda infatti quantità di dolcezza oltre il livello di guardia dello stucchevole, mentre descrive un mondo irreale in cui Olivia Wilde può davvero essere single perché sfortunata in amore e Amanda Seyfried fare, anche solo per una frazione di secondo, gli occhi dolci a Ed Helms.
Storie talmente distanti da qualsiasi forma di realtà, seppure cinematografica, che il fatto che l’intera pellicola sia raccontata dalla voice-over del cane di Sam e Charlotte (in originale doppiato da Steve Martin) non solo passa in secondo piano, ma acquista addirittura un senso.

Se da un lato dunque lo spettatore italiano può finalmente gioire nel verificare come, durante le festività natalizie, il concetto di qualità assuma una valenza relativa anche oltreoceano, c’è però da rilevare come Natale all’improvviso commetta un peccato ancor più grave e per lo più sconosciuto agli “autori”dei cinepanettoni italiani e cioè proprio quello di coinvolgere i mostri sacri a cui si accennava a inizio recensione. La maggior parte degli interpreti di questa esile storiella sono infatti attori di rango assoluto che mai ci aspetteremmo di veder recitare in una cosina del genere. Paradossalmente se, nel ruolo del capofamiglia, al posto di John Goodman ci fosse stato Robert De Niro (oramai avvezzo a questo tipo di commedie per famiglie) l’effetto sarebbe stato meno triste e straniante.
Per non parlare di un’icona assoluta di stile e ironia come Diane Keaton, qui costretta nel ruolo stereotipo di moglie insoddisfatta e madre petulante. Alan Arkin invece facciamo proprio finta di non averlo visto.
E pensare che, ai tempi di Mi chiamo Sam, la regista Jessie Nelson ebbe anche il suo quarto d’ora di celebrità, prima di sprofondare in un anonimato da cui sembra fuoriuscire solo ora con questo film. Film che – è importante essere chiari al riguardo – non è nemmeno brutto, una volta fatta la tara dell’eccesso di zuccheri.
Semplicemente è inutile, che forse è anche peggio.

Voto 4

Per quanto dovremo sopportare l’influenza banalizzante e massificante della voga cinefumettara di questo decennio sul cinema di consumo?

Ed è davvero possibile che lo spettatore da multisala di oggi, anestetizzato dalla serialità, abbia una memoria così a breve termine da rendere necessaria la periodica rinarrazione della stessa storia, aggiornata al progredire tecnologico (il “rejig” di Jurassic World), alle esigenze di mercato (il “reboot” di Fantastic Four) o al bieco sfruttamento del marchio (la “retcon” di Terminator Genisys), con esiti talmente parassitari nei confronti del materiale di partenza da stimolare solamente un’incolmabile sensazione di nostalgia per quest’ultimo?

A che fine, dunque, se non quello puramente strumentale, trascinare nella palude degli universi espansi e della continuità retroattiva prototipi totalmente estranei alla tendenza e inadatti al fenomeno come quelli della narrativa, assottigliando ancora di più il confine tra il genuino lavoro di immaginazione e una fanfiction sproporzionatamente costosa?

È il caso, emblematico e spudorato, di Pan, superflua e incongruente origin story para-supereroistica giustapposta a forza dal regista Joe Wright (Espiazione, Anna Karenina) e dallo sceneggiatore Jason Fuchs (il secondo già all’opera, non per nulla, sull’imminente Wonder Woman) alle avventure del ragazzo che non voleva crescere partorito dalla penna di James Matthew Barrie, in verità solo l’ultimo fra i molti tentativi di ampliamento più o meno autorizzati e canonici alla sorgente letteraria, come la notevole graphic novel di Régis Loisel o il goffo precedente di Hook. Ma se alla base dell’operazione del fumettista francese si poteva trovare un’inedita, verosimile disamina dickensiana sul contesto vittoriano del plausibile antefatto e dal giocoso sequel in live action emergeva con coerenza il leitmotiv spielberghiano dell’elogio della purezza infantile, quella di Pan è un’iniziativa inconcludente e contraddittoria che non ha nulla a che fare con la propria mitologia di riferimento, tanto rimodellata ad arte per gli odierni parametri young adult sino a farsi irriconoscibile.

Il Peter Pan del ventunesimo secolo, pertanto, non è più un ragazzino come tanti ma l’ennesimo Prescelto – nella fattispecie, il frutto proibito dell’amore fra una donna umana (Amanda Seyfried) e il principe delle Fate – annunciato dalla solita profezia, il giovane James Hook, non ancora Capitan Uncino (il Garrett Hedlund di Tron: Legacy), è uno scavezzacollo burbero ma bonaccione in stile Han Solo, la principessa pellerossa Giglio Tigrato (Rooney Mara) è un sommario, bizzoso love interest coinvolto esclusivamente in quanto, lasciata fuori dalle vicende per ovvi motivi la figura di Wendy Darling, unico personaggio femminile del lotto e il villain di turno, l’appariscente Barbanera, è un generico bucaniere dandy con parruccone e orecchino vivacizzato appena dalla performance tragicomicamente camp di un divertito Hugh Jackman.

Snaturate così le premesse, al film non resta, come nel caso di Terminator Genisys, che scombinare le carte intrecciando situazioni e dinamiche con criterio praticamente casuale (non è neanche vagamente intuibile la tensione fra il piccolo protagonista e colui che si trasformerà nella sua nemesi, inserito peraltro in una sottotrama romantica più che gratuita), disseminando scontati, ridondanti ammiccamenti all’archetipo come la presenza accessoria di comprimari fra cui Spugna e Campanellino o le premonizioni, fra coccodrilli e ganci, di ciò che diventerà Hook. Il miscuglio così ottenuto è un indigeribile pastone composto di ingredienti stucchevoli che oscilla fra registri incompatibili”, dall’allegoria sociale (il traffico di minori alimentato dalle suore dell’orfanotrofio a beneficio dei filibustieri dell’Isola che non c’è, unica lecita giustificazione per una riambientazione in una Londra vittima dei bombardamenti nazisti altrimenti inspiegabile) alla fantasia steampunk a base di navi volanti condita con anacronismi incomprensibili (Barbanera acclamato a ritmo di Smells like Teen Spirit e di Blitzkrieg Bop), sommergendo il tutto in un’estetica che all’incanto e all’inventiva, rintracciabili soltanto in alcuni gustosi tocchi da teatro circense, come i bambini rapiti dai pirati mediante lunghe corde elastiche o gli indiani uccisi che esplodono in nuvole di polvere colorata, preferisce un attacco frontale ipersaturo di effettacci che finisce unicamente per stordire, fino al climax di un duello navale tutto sfarfallii, botti e concitazione a dir poco nauseante.

Il risultato è uno spettacolo inconsistente spogliato del benché minimo senso di ingenua meraviglia – e non c’è carenza più grave, quando si parla di fiabe -, un marchingegno inerte e macinasoldi pensato per aggiungersi indistintamente alle legioni di franchise che richiamano pubblico a frotte (fallimentare anche in questo, visti i disastrosi introiti al botteghino che hanno disinnescato ogni intenzione di farne una trilogia), il sintomo dell’indolenza e dell’immobilismo che affliggono la quasi totalità del cinema di intrattenimento.

Come già ci esprimemmo a proposito della Cenerentola di Branagh, altro mostruoso equivoco di tecnologia scambiata per magia, si può solo consigliare di recuperare gli originali e i più illustri predecessori.

Voto 3

New York, 1989. Jake Davis (Russell Crowe) è un romanziere premio Pulitzer rimasto vedovo anzitempo e costretto ad occuparsi da solo della figlioletta Katie.
Un disturbo mentale, conseguenza dello stesso incidente d’auto in cui ha perso la vita sua moglie, gli impone però un ricovero in una casa di cura per un periodo in cui la bambina viene affidata alle cure di una coppia di ricchi parenti.
Venticinque anni dopo Katie (Amanda Seyfried) è diventata un’assistente sociale dedita ai problemi di bambini affetti da disagio.
Incapace di fidarsi del prossimo e restia a legarsi emotivamente ad altri, la ragazza passa la maggior parte del proprio tempo libero concedendosi più o meno a chiunque, in rapporti clandestini che più che soddisfarla esorcizzano la sua paure dell’abbandono.
L’incontro con Cameron (Aaron Paul) però sembra cambiare le cose.

Prima di procedere ad analizzare la quarta fatica hollywoodiana dell’autore de L’ultimo bacio è importante essere chiari almeno su una cosa. Gabriele Muccino è bravo, dannatamente bravo.
Da un punto di vista tecnico lo è sempre stato, almeno una spanna sopra qualunque altro regista italiano, Sorrentino a parte.
Il problema semmai è in un ego assai ingombrante e fin troppo consapevole della propria bravura che, negli anni, ha rappresentato il suo più grande limite.
A cominciare da un trasferimento negli States così fortemente voluto che, dopo l’entusiasmo iniziale seguito a La ricerca della felicità e i due flop consecutivi di Sette anime e  Quello che so sull’amore, lo ha lasciato con le ossa rotte.
E’ lodevole quindi il suo rimettersi in gioco partendo proprio da quel fallimento.
Come nel recente passato infatti, Muccino prende l’ennesimo lavoro su commissione (la sceneggiatura è opera dell’illustre sconosciuto Brad Desch) ma, in un evidente moto di orgoglio, decide di farne la quintessenza del proprio cinema.
Perché Padri e figlie è una sorta greatest di hits di topoi mucciniani, pieno com’è di melodrammatici saliscendi emotivi, carrelli laterali di gente che corre e personaggi ansimanti in balìa di un destino poco incline a lasciare spazio alla speranza.
Tutti gli elementi con i quali l’autore romano è associato fin quasi alla presa in giro, sono al contempo anche i segni di un’idea di cinema fortissima e soprattutto di uno stile capace di sopravvivere ed emergere anche quando pesantemente imbrigliato da un sistema di codici rigido come quello hollywoodiano.

C’è una tale fluidità narrativa e, in generale, un senso del racconto in questo Padri e figlie che, nonostante ci si muova nei territori di un mainstream anche piuttosto dichiarato, risultano materiali davvero rari nel cinema di oggi. Poi, è chiaro, lo script è quello che è. Un vademecum, ai limiti del ricattatorio, di tutto ciò che può generare facile presa emotiva nel buio di una sala.
C’è la malattia mentale e un Russell Crowe che la interpreta dando una rinfrescata a tutto il repertorio di crisi di nervi sviluppato ai tempi di A Beautiful Mind, un rapporto padre-figlia pieno di promesse che si sa già resteranno tutt’altro che mantenute e una storia d’amore fondata su premesse apparentemente inconciliabili.
Come dicevamo però, la bravura di Gabriele Muccino – sempre meglio specificare di continuo di quale dei due fratelli si stia parlando – è nel riuscire ad amalgamare questi ingredienti che, sulla carta, potrebbero andare a comporre un piatto indigeribile e uscirsene invece con un prodotto onesto, in nessun modo velleitario e del tutto coerente con il resto della sua filmografia, cosa che ad esempio non accadeva in Quello che so sull’amore, giustamente disconosciuto dall’autore già ai tempi dell’uscita in sala.
Riesce addirittura a regalare una velenosa dedica ai suoi numerosi detrattori: del resto una battuta come “non riesco a capire perché Dio abbia inventato due cose: gli scarafaggi e i critici” non può non essere farina del suo sacco.
A questo punto quello che ci auguriamo per l’immediato futuro è che Muccino possa tornare presto anche a scriversi le sceneggiature da solo (cosa che gli è sempre riuscita bene) e abbandoni certi picchi di melassa a comando che, per quanto cifra distintiva di tutti i suoi film, sono quello che forse gli impedisce lo step definitivo verso lo status di Autore.
Ci auguriamo inoltre che suo fratello smetta una volta per tutte di provare a far cinema, anche se questa è una cosa che proprio non dipende da lui.

Voto 6