Neanche Mary Poppins è riuscita a evitare di cadere nel turbinio della frenesia da remake di cui sembra essere vittima la Disney nell’ultimo periodo. Così, a oltre cinquant’anni dall’uscita del film che ha fatto conoscere il personaggio nato dalla fantasia di Pamela J. Travers in tutto il mondo, arriva nelle sale un remake temuto dai più, anche da chi scrive. Un timore che però è svanito dopo aver visto le prime scene di questo Il ritorno di Mary Poppins diretto da Rob Marshall. Il film con Emily Blunt nei panni dell’enigmatica bambinaia senza età che arriva con il vento dell’Est è infatti un musical incantevole, che riesce a essere allo stesso tempo sia un omaggio che una rivisitazione in chiave moderna del classico Disney del 1964.

Ambientato venticinque anni dopo gli eventi di Mary Poppins, nel 1930 durante la Grande Depressione, Il ritorno di Mary Poppins vede la nanny ritornare dai figli dei Banks, ormai cresciuti, in Viale dei Ciliegi numero 17. L’esuberante Jane (Emily Mortimer) sta seguendo le orme di sua madre ed è diventata una fervente attivista  attivista mentre il cupo Michael (Ben Whishaw) prova a tirare avanti dopo la morte della moglie, cercando allo stesso tempo di prendersi cura dei suoi tre figli — Annabel (Pixie Davies), John (Nathanael Saleh) e Georgie (Joel Dawson) — e di risolvere una preoccupante situazione finanziaria. Inutile dire che la presenza di Mary Poppins riporterà la serenità e i giusti equilibri in casa Banks.

La difficoltà, quando si decide di realizzare il remake di un film entrato nella storia e nell’immaginario collettivo come Mary Poppins, sta soprattutto nel decidere la strada da intraprendere, ossia se si ha intenzione di puntare a un omaggio o se, invece, si preferisce prendere le distanze dall’originale per reinterpretare temi e situazioni con occhio nuovo. Rob Marshall sceglie di non scegliere e ripropone situazioni analoghe alla pellicola di Robert Stevenson (lì c’era una gita nel quadro dipinto da Bert, qui un’escursione all’interno di un vaso; lì la ninna nanna “State svegli ad aspettar...”, qui la notevole ballata “The Place Where Lost Things Go“. E ancora, lì c’era il ballo degli spazzacamini sui tetti di Londra, qui quello dei lampionai) alternandole ad altre inedite e più al passo con i tempi.

Più che un sequel, allora, Il ritorno di Mary Poppins è un omaggio appassionato e sincero al film del ’64, una sorta di remake (almeno nella struttura), in cui sono stati introdotti temi e personaggi nuovi al fianco di quelli ormai leggendari, e un contesto storico-sociale difficile che investe i protagonisti e che potrebbe benissimo riflettere quello attuale. Nostalgia e novità, inserite in una cornice impeccabile. A partire dalle scenografie di John Myhre e dai costumi di Sandy Powell (la Mary Poppins di Emily Blunt è meno austera e più vezzosa di quanto non lo fosse quella di Julie Andrews, e gli abiti che indossa lo dimostrano), fino ad arrivare ai disegni animati, alle coreografie e al comparto attoriale (applausi per la Blunt, che riesce nella difficile impresa di non essere schiacciata dal personaggio, per l’impeccabile Ben Whishaw nei panni di un Michael cresciuto, divorato dal passato e per due camei in particolare, quello di una Angela Lansbury 93enne, deliziosa venditrice di palloncini e del coetaneo, indimenticabile spazzacamino Bert Dick Van Dyke, che qui veste i panni del banchiere ballerino Mr. Dawes Jr.). Peccato però che il doppiaggio non consenta di ascoltare le voci degli attori e i brani cantati in lingua originale.

Ci voleva più audacia? Forse. Difficile dire se Il ritorno di Mary Poppins saprà accontentare chi è cresciuto con l’originale, ma la strizzatina d’occhio alle nuove generazioni era doverosa e l’essere riusciti a mantenere intatti lo spirito d’antan della poetica di Mary Poppins e la formula Disney per eccellenza che combina da sempre spensieratezza e immaginazione a una buona dose di malinconia, non è cosa da poco.

Voto 7

Nonostante un Oscar in saccoccia e una carriera quasi quarantennale dietro alla cinepresa, viene ancora difficile immaginare Ron Howard come qualcosa di più di uno Spielberg dei poveri. Fra gli innocui pruriti fantasy degli esordi (Splash, Cocoon, il disastroso Willow), le parabole sulle varie declinazioni del Sogno Americano (Cuori ribelli, Cinderella Man, ma anche la satira di EdTV) e i fenomeni da box office dai fini prettamente imprenditoriali (gli asfittici adattamenti dell’opera di Dan Brown), l’attività dell’ex-divo televisivo di Happy Days e della sua Imagine Entertainment continua a incarnare l’emblema di un establishment inseguito, raggiunto e mantenuto a fatica, spesso al prezzo di qualche défaillance al botteghino (il tracollo di The Missing, l’immeritato insuccesso di Frost/Nixon) e di brutti colpi alla reputazione (lo spudorato sellout de Il Grinch e l’inspiegabile virata comica de Il dilemma, oltre alle già menzionate indagini esoteriche di Robert Langdon).

Si finisce in questo modo per dimenticarsi del lato più genuino e meno pretenzioso di una galleria così variegata e incongrua, ossia quello capace di applicare all’impianto dell’epica e della tradizione hollywoodiane un focus caratterizzante sull’azione e sulle sue dinamiche, senza spingersi – per ovvie cause e lacune – alle vette della poesia zemeckisiana, ma traducendosi in risultati impeccabili come l’ancora oggi imponente Fuoco assassino e, soprattutto, il recentissimo Rush, probabilmente l’apice della sua produzione.

È in questo filone, fortunatamente, che va a inserirsi Heart of the Sea, nuova peripezia action a rotta di collo che, insieme ai due progetti di cui sopra e all’avventura spaziale di Apollo 13, arriva a comporre un’ideale tetralogia elementale sui limiti del coraggio e sull’ansia della perdita. Dopo pompieri “cavallereschi”, cosmonauti alla deriva e temerari delle quattro ruote, completa il quadro l’equipaggio della baleniera Essex, fonte di ispirazione – come inopportunamente svelato dal sottotitolo italiano – del capolavoro letterario di Herman Melville e ulteriore teatro di quel discorso sul dualismo e sull’antitesi che Howard pare aver assimilato dalle sue precedenti collaborazioni con lo sceneggiatore Peter Morgan.

Come nel caso della rivalità Lauda-Hunt (e pure, in un certo senso, del confronto fra l’ex-presidente USA e il giornalista britannico), a rappresentare il fulcro drammatico della storia è prima di tutto uno scontro di natura sociale e archetipica, qui personificato dalla freddezza aristocratica del capitano Pollard (Benjamin Walker) e dall’impeto proletario del primo ufficiale Chase (Chris Hemsworth, in un ruolo pressoché speculare a quello di Rush e ancora una volta valorizzato in una performance tutta muscolare), due prospettive uguali e contrarie sulla sfida Uomo-Natura analogamente impotenti e fragili di fronte all’ignoto

Li circonda un inventario marinaresco mutuato fedelmente, oltre al riferimento diretto, da molta memoria ottocentesca, dal paesaggismo romantico di Turner (la scena della burrasca) e di Danby (l’affondamento, forse il picco immaginifico del film) all’umanità dei libri di Kipling (Capitani coraggiosi, nella fattispecie), con il giovanissimo mozzo Nickerson (Tom Holland, futuro Spider-man) a fungere da ago della bilancia e da perno narrativo delle vicende, e nella scelta di impostare come cornice del tutto il colloquio fra il ragazzo ormai fattosi anziano (Brendan Gleeson) e lo stesso Melville (Ben Whishaw) in cerca di un nuovo soggetto per la stesura del suo romanzo si intravede quell’apologo – già reso con troppa leggerezza nel per alcuni versi affine Mr. Holmes – sull’etica della dissimulazione e sulle responsabilità di chi racconta (si pensi anche al problema giuridico del prefinale), che costituisce la ragion d’essere di Heart of the Sea, non la banale origin story di Moby Dick, bensì una riflessione sullo storytelling di gran lunga più lucida e meno consolatoria di molti suoi contemporanei (torna alla mente in particolare, specie per il secondo atto, la fiaba new age Vita di Pi).

Heart of the Sea è quindi un’operazione che conferma l’abilità, purtroppo sottoutilizzata, di Howard di misurarsi con la grammatica del Mito, cinema virile – come quello di Walsh e di Curtiz, di cui Hemsworth sarebbe potuto essere efficacissimo interprete – orgogliosamente vecchio stampo che non si lascia vampirizzare dalle moderne tecnologie ma che ne fa uso, seguendo l’esempio virtuoso degli infiniti, impossibili punti macchina di Rush, per realizzare un’odissea dello sguardo (cui gioverebbe la visione non tanto in 3D, quanto in IMAX) di grande coinvolgimento e di immediata classicità.

Voto 7