Windsor-EF-Elongated. E’ questo il font preferito da Woody Allen, quello con cui sono scritti i titoli di testa e di coda della maggior parte dei suoi film e che negli anni è divenuto uno dei suoi marchi di fabbrica, insieme ai vecchi brani jazz, alle nevrosi dei personaggi e ai dialoghi intellettualoidi e fulminanti. Anche Café Society, la sua 46° regia, si apre come il più classico dei film di Allen: i titoli di testa in Windsor, un sottofondo jazz e… Un party in piscina in una sontuosa villa hollywoodiana. Poi, una voce fuoricampo (nella versione originale della pellicola, quella dello stesso Allen) introduce i vari personaggi. La storia questa volta è quella di la Bobby (Jesse Eisenberg), ennesimo alter ego del regista, giovane ebreo che dal Bronx decide di raggiungere Los Angeles con la speranza che lo zio Phil (Steve Carell), noto agente cinematografico, possa aiutarlo facendogli fare carriera a Hollywood. Qui si innamora  di Vonnie (Kristen Stewart), segretaria di Phil con una situazione sentimentale a dir poco complicata. Basta così.

Allen per Café Society ha potuto contare su un budget piuttosto considerevole (una trentina i milioni di dollari messigli a disposizione dagli Amazon Studios, che hanno prodotto il film: esattamente il doppio del budget standard cui il regista di Io e Annie era abituato) e il risultato è sontuoso almeno quanto la fotografia di Vittorio Storaro, qui alla sua prima collaborazione con il regista. Le ricostruzioni dell’epoca sono perfette: tutto appare luminoso, elegante, accurato. Gli abiti e gli acessori sublimi (la costumista Suzy Benzinger si è ispirata direttamente alle collezioni disegnate da Coco Chanel negli Anni Trenta, andando a ricercare i bozzetti originali negli archivi della maison) i caldi tagli di luce fanno risaltare i beige e i crema degli abiti maschili, la morbidezza dei tessuti di quelli femminili (del personaggio della Stewart soprattutto, che sfoggia numerose mise, una meglio dell’altra), impreziositi da un nastro tra i capelli o da pendenti di brillanti.

Incredibile come il primo film girato in digitale da Allen, riesca ad essere anche il suo lavoro più caldo e avvolgente: ci si entra davvero nei night fumosi della New York pre-guerra, quelle bettole che suonano jazz e swing fino all’alba, così come nei club più esclusivi, gestiti dalla mafia locale e frequentati da modelle e nelle ville dei produttori di Hollywood dove i brunch della domenica rappresentano un appuntamento imperdibile per tutto quel sottobosco di personaggi legati in un qualche modo all’industria del cinema. Ci si ritrova a stare lì con loro. Altrettanto riuscita risulta la caratterizzazione della famiglia di Bobby, perfetto esempio di ebraismo yiddish a stelle e strisce dell’epoca, con i genitori (strepitosa Jeannie Berlin nei panni della pragmatica Mamma Rose) rassegnati, a causa dei pregiudizi radicati e diffusi, a rimanere in un angolo e i figli decisi a voler contribuire in ogni modo per farsi riconoscere come parte pulsante e produttiva di un’America ancora in via di definizione.

Accolto senza troppi entusiasmi, chissà poi perché, a Cannes e in generale da pubblico e critica, Café Society è invece uno dei migliori film di Allen. La sua storia si serve infatti delle manie alleniane che ben conosciamo per arrivare a toccare picchi di profondità difficilmente rintracciabili nelle commedie romantiche, genere a cui Café Society effettivamente appartiene. Perché è un film su tantissime cose: sull’amore romantico, su un certo tipo di personaggi che hanno caratterizzato la società americana a cavallo tra le due guerre, sull’incoerenza, sulle scelte fatte e su quelle che non si vorrebbero mai fare, sulle strade intraprese nella vita nonostante tutto, e su quegli amori perfetti che, proprio perché rimasti immobili e sospesi in qualche anfratto del tempo, restano i migliori da raccontare, se si è capaci di farlo. E Allen lo è.

Voto 7,5

Qualche conferma, pochissime sorprese e, come al solito, tanta incertezza alla conferenza stampa per la presentazione del programma ufficiale del 38° Festival cinematografico internazionale di Mosca: l’annunciato Concorso a otto sale a quota dodici film, ma è l’unica sicurezza, oltre alle già acclarate pellicole d’apertura e di chiusura, a emergere in un mare di indiscrezioni e di buoni propositi.

Dopo aver reso un omaggio al Presidente di Giuria Jean-Jacques Annaud lasciando inaugurare la mostra, con un filo di piaggeria, al suo L’ultimo lupo, la rassegna sceglie di ripartire da Mosca con il veterano locale Sergey Solovyov, già Leone d’Argento a Venezia43 per Il colombo selvatico, e con il suo dramma adolescenziale sottoproletario Ke-dy, quanto di più distante dalle sfarzose atmosfere vintage del gran finale di edizione di Café Society di Woody Allen, per la prima volta presentato in Europa al di fuori dai Paesi di lingua francese.

Si riaffacciano nella sezione competitiva le cementate vecchie conoscenze delle scorse annate, dall’Iran istituzionale e allineato di Reza Mirkarimi e del conflitto familiare del suo Dokhtar (La figlia) alla Serbia di Miloš Radovic e della sua commedia kusturiciana – vuoi anche per il coinvolgimento del Lazar Ristovski di Underground – Dnevnik masinovodje (Diario di un macchinista), dalla Corea del Sud di Kim Jong-kwan e della sua fantasia sentimentale Choe-ag-ui Yeo-ja (La donna peggiore) alla Polonia dell’ottuagenario Janusz Majewski e del suo sontuoso musical Excentrycy (Gli eccentrici), ma trova significativamente spazio, oltre allo spaccato neorealista filippino Hamog (Rugiada) e al ménage à trois parigino di Marie et les naufragés, anche un’insolita coppia sudamericana, composta dal fantascientifico Quase Memória dell’anziano Ruy Guerra, già Orso d’Argento a Berlino14 per I fucili, e il minimale El sonido de las cosas, debutto dell’artista costaricana Ariel Escalante.

Se ad arricchire il panorama di una manifestazione che sembrava essersi fatta quasi refrattaria a qualunque influsso occidentale arrivano la tragedia dell’indifferenza di 37 dell’esordiente danese Puk Grasten e il bildungsroman LGBT Die Mitte der Welt, terza fatica dell’austriaco Jakob M. Erwa, i padroni di casa, in contrasto con la straripante presenza che gli si addice, si accontentano di schierare un unico concorrente, l’allegoria mistica e grottesca di Monakh i bes (Il monaco e il demone), diretto dal settantenne Nikolai Dostal’, di nuovo alla conquista del San Giorgio d’Oro dopo la vittoria del 2009 a partire da una sceneggiatura di Yuri Arabov, fedelissimo collaboratore di Aleksandr Sokurov.

Non ci resta, quindi, che rivolgere i nostri auguri a David Grieco e a Massimo Ranieri per una buona accoglienza in terra russa, anche se avremmo sinceramente preferito un ambasciatore più dignitoso del discutibile La macchinazione a completare la selezione, e attendere che, insieme alle presunte voci di corridoio che vedrebbero Fuocoammare di Gianfranco Rosi, il fluviale A Lullaby to the Sorrowful Mystery di Lav Diaz e Zero Days di Alex Gibney arrivare direttamente da Berlino66, la vetrina del secondo Festival cinematografico più antico del mondo accolga nuovi, imprevedibili ospiti.

Pochi giorni fa la notizia che il suo 46° film da regista, Café Society, avrebbe aperto la 69° edizione del Festival di Cannes. In attesa di conoscere i primi giudizi di pubblico e critica sulla pellicola con Kristen Stewart e Jesse Eisenberg che sarà proiettata Fuori concorso mercoledì 11 maggio al Grand Théâtre Lumière, la redazione di Movielicious si è messa a pensare ai film di Woody Allen meno conosciuti che, per un motivo o per un altro, meritano di essere riscoperti. Pistola alla tempia: un solo titolo per redattore e 1.000 battute a disposizione. Here we go!

INTERIORS (1978) di Carolina Tocci

Una delle pellicole meno apprezzata e conosciute di Woody Allen, in parte penalizzata per aver visto la luce tra due eccellenze quali Io e Annie e Manhattan è sicuramente Interiors. Accolto freddamente da pubblico e critica quando uscì, il primo film drammatico del regista newyorchese richiama Bergman per tematiche ed atmosfere e si impone come austero e impietoso ritratto familiare incentrato su tematiche cupe ed esistenziali. Allen vi analizza le tensioni, i rancori e i sentimenti repressi tra le sorelle Flyn (K. Griffith), Joey (M. Hurt) e Renata (D. Keaton), che riaffiorano quando la madre Eve (G. Page) viene abbandonata del marito (E.G. Marshall). Le atmosfere eleganti e al tempo stesso gelide e l’aura intellettuale e asettica che pervade i dialoghi rendono Interiors un’opera austera sia narrativamente che visivamente, grazie anche a una regia distaccata che trova nei lunghi piani sequenza e nei personaggi spesso ripresi di spalle o addirittura fuori campo, il modo più corretto per esprimerne l’inadeguatezza. Da riscoprire.

BROADWAY DANNY ROSE (1984) di Fabio Giusti

Incastonato temporalmente tra il capolavoro sperimentale Zelig e il gioiellino metacinematografico La rosa purpurea del Cairo, Broadway Danny Rose corre il serio rischio di passare inosservato ancora oggi, a più di trent’anni dalla sua uscita in sala.
Ed è un peccato perché la storia di questo sfortunatissimo manager di artisti del tutto privi di talento (xilofonisti ciechi, ventriloqui balbuzienti e crooner falliti con problemi di alcol) è la quintessenza dell’Allen che non si può fare a meno di amare.
Esaurita infatti la lugubre fascinazione per Bergman (Interiors) e Fellini (Stardust Memories), in questo film Woody Allen non solo riscopre la sua vena più leggera, ma opera una mirabile sintesi tra le sue due anime: quella più votata alla comicità tout court e la malinconica introspezione che, da Manhattan in poi, è stata cifra distintiva di tutto il suo cinema.
Illuminato dal magnifico bianco e nero di Gordon Willis, Broadway Danny Rose è un’elegia di New York – l’ennesima – tutta racchiusa in un flashback e un film molto più complesso di quanto la patina ridanciana possa far pensare. Oltre ad essere il più caustico dei dietro le quinte dello showbiz mai scritti da Allen.

OMBRE E NEBBIA (1992) di Andrea Bosco

Se La rosa purpurea del Cairo transustanziava il rifugio nell’arte e nella fantasia nell’atmosfera da sogno della Hollywood della Golden Age, Allen compie la medesima operazione sei anni più tardi nell’incubo assurdo e distorto di una fantomatica Mitteleuropa a ridosso degli imminenti regimi, calando il tutto in un opprimente clima espressionista fra Brecht, Pabst e Kafka in cui dominano indeterminatezza e persecuzione (Le armonie di Werckmeister, in fondo, viene da qui). Ombre e Nebbia, oltre a essere con ogni probabilità l’apice della sua ricerca formale (fondamentale il contributo di Carlo Di Palma e di Santo Loquasto), è l’opera con cui, dopo decenni di freddure, Allen fa apertamente i conti con l’Olocausto, inaugurando, lungo una Kristallnacht livida e paradossale fatta di piccoli uomini (il suo Kleinman) e strangolatori, la sua riflessione sulla necessità della magia, e quindi dell’illusione, per rispondere al vuoto del quotidiano. Un capolavoro imprescindibile e compendiario.

A due settimane dall’annuncio del programma della 69° edizione del Festival di Cannes, è stato reso noto il titolo del film che aprirà la kermesse l’11 maggio. Si tratta di Café Society, il film di Woody Allen girato l’estate scorsa tra Los Angeles e New York, che sarà a Cannes Fuori Concorso. Nel cast Kristen Stewart e Jesse Eisenberg affiancati da Blake Lively, Parker Posey e Steve Carell.

La storia è ambientata negli anni Trenta del secolo scorso e ruota attorno a un ragazzo che arriva a Hollywood, sperando di lavorare nell’industria cinematografica. Si ritroverà trascinato nella “café society” che definiva lo spirito dell’epoca.