Paolo (Luigi Lo Cascio) e Massimo (Alessandro Gassman) sono due fratelli con caratteri molto diversi, quasi agli antipodi.
Il primo, chirurgo pediatra, ha una visione della vita in cui bene e male sono distinti in maniera piuttosto manichea, mentre l’altro è più abituato alle scale di grigi e dotato di tutto il cinismo necessario per svolgere al meglio il mestiere di avvocato.
Nonostante abbiano così poco in comune, Paolo e Massimo conservano ormai da anni l’abitudine di cenare una volta al mese, nello stesso ristorante, insieme alle rispettive consorti (Giovanna Mezzogiorno e Barbora Bobulova) che a stento riescono a celare la reciproca antipatia.
Questo fragile equilibrio implode la sera in cui la trasmissione “Chi l’ha visto?” manda in onda le immagini, riprese da una telecamera di sorveglianza, che mostrano due ragazzi molto simili ai loro figli adolescenti, mentre picchiano selvaggiamente una senzatetto fino a ridurla in coma.
Dopo l’iniziale e comprensibile incredulità, le due coppie cercano di affrontare, ognuna a suo modo, le conseguenze che quel gesto sconsiderato potrebbe avere sulle loro vite, ritrovandosi a interrogarsi su quanto poco conoscano le rispettive realtà familiari.

Ivano De Matteo, già autore degli interessanti La bella gente e Gli equilibristi, adatta liberamente il romanzo di Herman Koch La cena per il grande schermo e produce un’opera ambiziosa e complessa, anche se imperfetta.
Sin dalle prime scene è infatti evidente come l’attenzione del regista sia molto più focalizzata sulla descrizione dei contesti sociali e umani in cui i due fratelli si trovano ad agire che non sul plot vero e proprio.
De Matteo, che ha presentato il film alle Giornate degli Autori a Venezia 71 nei giorni scorsi, inizia col mostrarci due famiglie solo apparentemente perfette per poi divertirsi a intaccarne dall’interno la patina, evidenziandone le numerose crepe, fatte di cene sul divano e frasi smozzicate, pronunciate da adolescenti di ritorno da scuola e ormai in totale balìa dei social network.
La tazza sbeccata di cui parlava Moretti ne La stanza del figlio è diventata, a distanza di pochi anni, una voragine incolmabile che si riflette nell’amara rassegnazione con cui questi “giovani” genitori osservano i propri figli come se fossero piccoli sconosciuti con cui è impossibile comunicare, ma di cui andare comunque sempre orgogliosi.
E, in maniera simile, De Matteo è talmente innamorato dei suoi personaggi da dilungarsi forse un po’ troppo ad osservarli vivere, parlare, lavorare per poi rendersi conto, quando il film è ormai quasi finito, di non avere più il tempo necessario a chiudere la storia in modo netto.

Ciò non toglie che I nostri ragazzi sia in buona parte riuscito, soprattutto nel suo porre una domanda assai scomoda (sostanzialmente: che faremmo se una cosa del genere accadesse a noi?) e rispondere come in pochissimi sarebbero disposti a fare.
Piace della pellicola lo stile visivo elegante e, al tempo stesso, freddo come gli ambienti in cui abitano i personaggi e pieno di guizzi citazionisti, dal potente prologo che ricorda la scena iniziale de Il maratoneta di John Schlesinger fino a un finale che, senza dir nulla che possa rovinare il piacere della visione, rimanda direttamente a Roman Polanski e al suo L’uomo nell’ombra.
E non appaia peregrino il riferimento al regista polacco in quanto, in più di un’occasione, il confronto tra i quattro protagonisti del film (tutti molto bravi, con Alessandro Gassman una spanna sopra gli altri) può in effetti riportare alla mente, pur senza toccarne le vette, gli scontri verbali di Carnage.
Ecco, semmai spiace che De Matteo non abbia lavorato maggiormente sulla dimensione orrorifica del racconto (perché in fin dei conti di horror si tratta) e non abbia permesso alle correnti interne al film di deflagrare liberamente piuttosto che ripiegare su un intimismo che, di fatto, contribuisce ad appesantire la seconda parte dell’opera.
I nostri ragazzi paga inoltre il prezzo di arrivare dopo il bellissimo Il capitale umano di Virzì che, partendo da tematiche tutto sommato similari, riusciva a osare di più sia in termini di cattiveria che di critica sociale pura.

Voto 6

Non è la prima volta che Roman Polanski si cimenta nella realizzazione di un film girato in uno spazio ristretto. Anzi, a pensarci bene i suoi film migliori hanno questa caratteristica: da Rosemary’s Baby, con le pareti della casa in cui si movono Mia Farrow e John Cassavetes che sembrano stringersi man mano che la storia avanza, a Repulsion o al più recente La morte e la fanciulla, pellicola ambientata tutta (tranne un paio di scene) in un appartamento. E’ come se il regista franco-polacco riuscisse a rendere più autentici e credibili i suoi personaggi limitando loro lo spazio vitale e costringendoli entro un luogo ben circoscritto. Accade lo stesso anche in Carnage, tratto dalla pièce teatrale Le Dieu Du Carnage (in italiano Il Dio della Carneficina) di Yasmina Reza, che firma assieme a Polanski la sceneggiatura. Presentato In Concorso all’ultimo Festival di Venezia, da cui è uscito a bocca asciutta ma con il plauso di pubblico e critica, Carnage racconta in tempo reale la storia, amara e divertente insieme, di due famiglie che si incontrano per parlare di una rissa che ha coivolto i rispettivi figli durante l’ora di ricreazione. I quattro interpreti, (tre premi Oscar, Kate Winslet, Christoph Waltz e Jodie Foster e il più volte candidato John C. Reilly) sono perfetti nel rendere l’iniziale perbenismo borghese con cui si apre la vicenda, e sono altrettanto bravi a far sì che, con il passare del tempo, il loro volto muti espressione e lasci spazio a nevrosi e tensioni che elimineranno, una dopo l’altra, le sovrastrutture che la società gli impone.

Al di là dei fatti giudiziari che hanno coinvolto Polanski, c’è poco da discutere su quanto sia enorme il suo modo di dirigere un film. Impossibile, vedendo Carnage, non pensare a Hitchcock e al suo Nodo alla gola che il regista frencese evidentemente si è studiato nei minimi dettagli. Entrambi i film sono girati in tempo reale e all’interno di un appartamento, ma mentre il maestro del brivido era alle prese con un innovativo (per l’epoca, siamo nel 1948) esercizio di stile (il film è un insieme di undici piani sequenza, alcuni dei quali collegati tra loro, in modo da apparire come un’unica ripresa), Polanski gioca col montaggio (e Hervé de Luze è un vero maestro) e con le superfici ridotte per spogliare i suoi quattro protagonisti delle loro maschere sociali, portandone alla luce le ipocrisie, le invidie e i pregiudizi di cui sono schiavi.

Gli spazi angusti angusti dell’appartamento in cui si svolge l’azione vengono sfruttati al massimo e indagati minuziosamente grazie ai frequenti cambi di inquadratura, risultando ampliati, mentre la quarta parete crolla inesorabilmente dopo i minuti iniziali e porta lo spettatore direttamente nel salotto in cui il massacro borghese ha luogo. La verosimile gradualità con cui la situazione tra le due coppie precipita (fra quella composta da Waltz-Winslet e quella formata da Reilly-Foster abbiamo un debole per la prima, non ce ne vogliate) è sorprendentemente sottile e viene resa attraverso punzecchiature e battute al vetriolo che si scambiano, frenetici, i personaggi. Se all’inizio i membri di ciascuna coppia tendono a spalleggiare il proprio partner, man mano che passano i minuti le alleanze si disfano, se ne creano altre (le due donne contro i due uomini), e altre ancora, fino a far emergere i diversi tipi di solitudine di cui soffrono i quattro personaggi. Le musiche di Alexandre Desplat e i costumi di Milena Canonero rappresentano l’ennesima scelta azzeccata nella realizzazione di questo piccolo grande film che profuma d’autore.

Voto 8