Si è giocata nella notte al Mercedes-Benz Stadium di Atlanta, in Georgia, la finale del Super Bowl, il football americano, vinta 13-3 dai New England Patriots sui Los Angeles Rams. Ne parliamo perché, come ogni anno, il Super Bowl è uno degli eventi più seguiti di sempre in tutto il mondo e uno spazio pubblicitario di trenta secondi durante lo show (che costa circa 5,3 milioni di dollari), è un’ottima occasione per le Major cinematografiche per mostrare in anteprima i trailer dei film che vedremo prossimamente.

Ecco i trailer che sono stati presentati durante la 53° edizione del Super Bowl in un unico video e sono Avengers 4 Endgame, il capitolo conclusivo della saga che arriverà nei cinema italiani il 24 aprile e Fast & Furious Hobbs & Shaw, spin-off stand-alone del franchise in cui Dwayne Johnson e Jason Statham tornano a vestire i panni di Luke Hobbs e Deckard Shaw.

Poi Alita: Battle Angel, tratto dal celebre manga di Yukito Kishiro, prodotto da James Cameron e diretto da Robert Rodriguez  e l’atteso US (Noi), il nuovo horror di Jordan Peele il regista di Get Out!, seguito da Captain Marvel, con Brie Larson nel ruolo di Carol Danvers.

E poi ancora un breve teaser per Toy Story 4, nuova avventura della saga targata Disney-PIxar, nelle sale dal 27 giugno e Wonder Park, lungometraggio animato sulla storia di una bambina, alcuni animali e di un magico parco dei divertimenti.

Last, but not least, un video che raccoglie tutti i brevi assaggi trasmessi durante il Super Bowl di Scary Stories to Tell in the Dark, adattamento dei racconti horror per ragazzi scritti da Alvin Schwartz e illustrati da Stephen Gammell, prodotto da Guillermo del Toro e diretto da norvegese André Øvredal, nelle sale italiane il prossimo ottobre.

Sono passati otto anni da quando li abbiamo visti l’ultima volta al cinema in Toy Story 3: La grande fuga. Ma ora lo sceriffo Woody, l’astronauta Buzz Lightyear, la pastorella Bo Peep, la cowgirl Jessie, il cagnolino Slinky, Mr. e Mrs. Potato stanno per tornare nel quarto capitolo della saga iniziata nel 1995 che ha letteralmente rivoluzionato l’animazione, facendo conoscere la neonata Pixar in tutto il mondo.

Toy Story 4, diretto da Josh Cooley (con John Lasseter come produttore esecutivo), arriverà nei cinema a giugno 2019. Ecco, intanto il primo teaser trailer del nuovo film Disney Pixar.

Raro esempio di sequel che è però anche uno spin-off, Alla ricerca di Dory si svolge tre anni dopo i fatti narrati in Alla ricerca di Nemo e si concentra su un personaggio che, in quel film, assolveva la funzione di puro elemento comico.
Quel pesce chirurgo affetto da continui vuoti di memoria – Dory per l’appunto – che un vago quanto improvviso flashback della propria infanzia spinge a intraprendere una nuova avventura nei fondali oceanici alla ricerca dei genitori perduti (e dimenticati) tanti anni prima.
Ad accompagnarla – in una coraggiosa inversione del rapporto fra protagonisti – ci sono sempre Merlin e suo figlio Nemo, spalla che ha qui il sapore di un adorabile contrappasso emotivo, anche se, questa volta, la disabilità da superare non è più di natura fisica (la pinna atrofica del piccolo Nemo) ma addirittura neurologica.
È assai arduo infatti anche solo pensare di poter cercare qualcuno mentre una serie continua di amnesie ti portano a dimenticare persino chi stai cercando.
Ecco dunque che il viaggio, da ricerca di qualcuno, si trasforma ben presto in una tenera e rocambolesca ricerca di sé e del proprio tempo perduto di cui è sinceramente difficile non innamorarsi all’istante.

Alla ricerca di Dory rappresenta così il terzo centro pieno in poco meno di un anno per la Disney (dopo due capolavori come Inside Out e Zootropolis) oltre a essere un autentico colpo al cuore per chiunque.
Un film tecnicamente magnifico, che finge di adagiarsi su uno dei maggiori successi commerciali della casa madre per spingersi in realtà ben oltre. Laddove infatti Alla ricerca di Nemo rappresentava l’ennesima, sebbene riuscitissima, declinazione di un coming of age di cui ormai alla Disney sono maestri indiscussi, con questo sequel si ha la netta impressione di trovarsi al cospetto di un’opera ben più complessa e concettuale, in cui il discorso sull’accettazione e il conseguente superamento dei propri limiti cede ben presto il passo a una riflessione nient’affatto scontata sull’importanza della memoria.
L’impianto drammaturgico è quasi sperimentale, con la storia che procede per ellissi e i personaggi di contorno (occhio allo scorbutico polpo Hank e al beluga con problemi di geolocalizzazione, due classici istantanei) a fungere da stampella mnemonica per la protagonista e, al contempo, da asse temporale all’intero film.

Un film che punta dritto al cuore, dispensando in maniera chirurgica risate e commozione fin dalla sua primissima e toccante scena. Pur mancando dell’elemento di novità del primo film, Alla ricerca di Dory gli risulta alla fine addirittura superiore, e non solo grazie alle  innumerevoli innovazioni tecnologiche intercorse negli ultimi tredici anni, ma soprattutto perché figlio della maggiore e più sottile sofisticazione con cui ormai da anni la Disney costruisce meccanismi a più livelli, perfettamente fruibili sia da un pubblico adulto che bambino. Perché, sotto la superficie dichiaratamente pedagogica di un’opera che è comunque un gioioso inno all’accettazione di sé e dei propri difetti, c’è anche un chiaro invito a perdersi (onde poi ritrovarsi, è ovvio) che non può lasciare indifferenti e che fa il paio con la nascita della malinconia così mirabilmente descritta in Inside Out.
A quel punto l’oceano coi suoi abissi smette la sua funzione di mero fondale per diventare  un vero e proprio luogo dell’anima, in cui il mostro peggiore in cui ci si possa imbattere non è neanche fisico ma ben più subdolo e immateriale e più o meno coincide con l’incapacità di mettersi in gioco, di uscire dall’acquario in cui si è immersi e provare un senso di appartenenza che vada oltre il colore delle proprie squame.
Ecco, forse il torto maggiore che si potrebbe fare a questo film non è nemmeno il non andare a vederlo, quanto il valutarlo come semplice sequel di un blockbuster.
Perché Alla ricerca di Dory è senza alcun dubbio molto di più.

Voto 7,5

L’ultima invenzione di casa Pixar è come un fuoco che non si ravviva: indipendentemente da come si dispongano i ceppi, da quanta carbonella si adoperi o da quanto si possa insistere con l’attizzatoio, la fiamma resta bassa e spunta il dubbio che il problema fosse proprio a monte, in una legna troppo umida, tagliata a ciocchi più grossi del dovuto o non abbastanza lasciata a stagionare.

Vuoi per gli infiniti interventi di riscrittura protrattisi fino a produzione avanzata, vuoi per la sostituzione in corsa del regista, nonché ideatore stesso del soggetto, Bob Peterson (al timone di Up insieme a Pete Docter) con l’esordiente Peter Sohn, vuoi per una lavorazione a singhiozzo e significativamente tanto incostante sin dal principio da portare il progetto quasi a bussare alle porte del development hell – già ultima dimora del mai realizzato Newt -, Il viaggio di Arlo arriva in sala a neanche un semestre dal colpo di coda di Inside out e mette nuovamente gli studios, dopo il quinquennio buio post-Toy Story 3, in una situazione di incertezza identitaria che sembrava felicemente risolta. Il rocambolesco ritorno all’ovile del piccolo brontosauro del titolo, più che legarsi alla proverbiale inventiva dell’equipe di Lasseter e soci, qui limitata a una trovatina ucronica di relativa originalità, assomiglia a un bignami di motivi disneyiani abbondantemente collaudati e rimasticati, dall’incontro/scontro con le leggi di Natura de Il libro della giungla al trauma della crescita e alla scoperta della responsabilità de Il re leone, fino all’identificazione con l’Altro, qui acuita – e traslata oltre lo schermo – dall’idea di attribuire all’elemento umano, personificato dal bambino Spot, la componente bestiale e viceversa, di Koda fratello orso (basti soltanto il raffronto fra le due locandine).

A scuotere il canonico susseguirsi a tappe che pesca, come di consueto, tanto dal road movie quanto dal romanzo di formazione, con il logoro cliché della perdita ad aprire il percorso (interiore ed esteriore) di maturazione, di esperienza e di superamento, è piuttosto la scelta, peculiare ed eccentrica, di codificare il tutto secondo la grammatica dell’immaginario western, ripetendone la simbologia-chiave (la fattoria, la prateria, il bandito, il falò, la mandria, e via discorrendo) e individuando nell’ambientazione preistorica una sterminata terra selvaggia di frontiera in cui vige esclusivamente la regola della sopravvivenza, esercitata ora virtuosamente (la famiglia di tirannosauri rancheros, il cui patriarca, non a caso, vanta la voce di Sam Elliott), ora passivamente (lo stiracosauro eremita), ora prepotentemente (il clan di velociraptor ladri di bestiame, calco fin troppo evidente delle tre iene de Il re leone, e gli pterodattili desperados).

Se a funzionare è anche l’invenzione di una civiltà intelligentemente antropomorfizzata, pertanto più vicina alla crudezza di Alla ricerca della valle incantata che alle facezie de L’era glaciale – fatta eccezione giusto per un paio di sbavature, come gli intermezzi comici del whack-a-mole ante litteram o del pasto a base di funghetti psichedelici – e se il tono rimane coerentemente equilibrato, discreto e tarato sulla purezza essenziale dello sguardo infantile (senza, quindi, le inopportune svisate di registro di Brave), l’inventario dei personaggi si rivela forse il più debole e appena accennato dell’intera fauna pixariana, privo di quella complessità e di quell’anima conflittuale in grado di rendere indimenticabile ed empatizzabile persino il protagonista più irricevibile. Lo stesso arco evolutivo di Arlo non ambisce mai a quella gravitas e a quell’intensità che facevano di Alla ricerca di Nemo, suo film-gemello, una parabola coinvolgente e pienamente compiuta (tanto da far nutrire molte perplessità sull’imminente sequel).

Suonano altrettanto posticci e generici gli sprazzi di poesia, come il ricongiungimento onirico con il padre-guida e l’intuizione del campo di lucciole che invade il quadro, come il volo delle lanterne di Rapunzel, ulteriore dimostrazione di quanto questa volta sia poco bilanciata la miscela, usualmente miracolosa per le creazioni del team californiano, di lirismo e tecnica. Ineccepibile e, se possibile, ancor più raffinata del solito la confezione, capace di sfoggiare una colorita colonna sonora – firmata dai fratelli Danna, rarissima alternativa alla premiata ditta Newman-Giacchino – che spazia dall’Americana purissima con fiddle in primo piano al calderone di una world music cosmopolita dove spuntano bouzouki, mandolini e harpeleik, nonché di prodursi in strabilianti sfondi iperrealistici e in un tripudio panoramico memore dei capolavori di Ford e dei suoi contemporanei (Il cavaliere della valle solitaria di Stevens è in questo senso il riferimento più esplicito), al punto da fare a cazzotti con un character design eccessivamente virato su fisionomie smaccatamente cartoonesche.

Insomma, se Inside out ha mostrato dopo un lungo periodo interlocutorio il volto più fantasioso e modernista del mondo Pixar, Il viaggio di Arlo ne ha rivelato il profilo tradizionale e passatista, un’operazione che magari intendeva porsi come tributo al classicismo di un certo cinema (e di una certa animazione) che non c’è più, ma che finisce per essere soprattutto derivativa e, come sancisce un pre-finale kiplingiano che pare la negazione di quello di Ratatouille, vagamente, insospettabilmente reazionaria.

Ben poco da dire sul cortometraggio d’apertura Sanjay’s Super Team, con tutta probabilità l’episodio più esteticamente sgradevole e creativamente insulso di tutto l’universo Pixar.

Voto 6

Nel 2001 i fratelli Farrelli (quelli di Scemo e + scemo, Tutti pazzi per Mary e Io, me & Irene) se ne uscirono con un film a tecnica mista, Osmosis Jones, nel quale facevano entrare lo spettatore nel corpo di un trasandato Bill Murray mentre combatteva a sua insaputa contro un virus potenzialmente letale. Ora è Pete Docter (il regista dei lungometraggi migiori di casa Pixar: Toy Story, Monsters & Co., Up) a prenderci per mano e a portarci all’interno di un altro corpo. Quello dell’undicenne Riley, nella cui mente confusa e ingarbugliata di adolescente, le emozioni Gioia, Tristezza, Rabbia, Disgusto e Paura collaborano per garantirle stabilità e preservare l’integrità dei diversi aspetti della sua personalità. Quando si trasferisce con i genitori dal Minnesota a San Francisco, Riley vivrà un destbilizzante terremoto emotivo con Paura, Rabbia e Disgusto che prenderanno il sopravvento. Relegate in un angolo remoto della mente in cui si trova la memoria a lungo termine, Gioia e Tristezza dovranno collaborare, intraprendendo un avventuroso viaggio per tornare a fare squadra insieme con le altre emozioni.

Con la consueta abilità sia tecnica che narrativa che contraddistingue i suoi lavori, Pete Docter realizza con Inside Out un’indagine puntuale e divertente sulle difficoltà della crescita e su quanto le emozioni svolgano un ruolo fondamentale nel farci affrontare quotidianamente ostacoli e nuove esperienze. La personificazione degli stati d’animo che guidano il percorso di crescita della piccola Riley è il frutto di una trovata concettualmente geniale, arricchita da una caratterizzazione che lo è altrettanto e che fa leva su alcuni elementi che la rendono ancora più azzeccata (i colori scelti a simboleggiare gli umori, la gestualità e la mimica corporea particolarmente insistita di ciascuno dei cinque esserini che ne denota immediatamente le rispettive sfaccettature psicologiche).

Lavorando su più fronti e puntando sia su sperimentazione e innovazione, che su poesia e consapevolezza dei concetti da veicolare, il plot di Inside Out si sviluppa su due linee narrative parallele che affrontano quello che accade fuori e dentro la mente di Riley con una semplicità e una fluidità insolite che ricordano molto da vicino le realtà contigue viste in Monsters & Co.. Ma la vera forza del film va cercata nei livelli di lettura che è in grado di offrire a ogni tipo di pubblico (compresa quella metacinematografica: la mente di Riley raffigurata come una cabina di regia, il set cinematografico in cui prendono vita i sogni) e nella capacità di affrontare con freschezza non solo il tema delle emozioni e del critico passaggio all’adolescenza, ma anche un argomento piuttosto ostico da trattare, soprattutto in un film d’animazione, come la memoria, facoltà utile sì a conservare il passato ma anche a far crescere e a garantire un futuro. Il passato di Riley è “felice”, ed è fatto di una famiglia senza pensieri e dei momenti passati con gli amici d’infanzia in Minnesota, ma ora rivive nella sua testa solo come un ricordo a cui agognare (e quindi, forse, sogno?) non trovando un corrispettivo nella realtà dell’oggi. Per Riley, quindi, crescere vorrà dire imparare ad acccettare che i suoi ricordi vengano “abitati” anche dalle altre emozioni, Tristezza in primis, e non unicamente dalla Gioia come accadeva in precedenza.  Ed è proprio sul finale che Inside Out scopre le carte e si mostra in tutta la sua grandezza: quella di un racconto di formazione coerente e perfettamente strutturato in cui coscienza e stati d’animo dialogano e si confrontano per rendere accettabili le conseguenze che costellano di difficoltà ogni percorso evolutivo.

Voto 9