Curioso come Julian Jarrold abbia fatto del “normale” che si trova ad affrontare il “diverso” un elemento caratteristico del suo cinema, soprattutto se inserito in una storia di rivalsa sociale. Un elemento ben presente in Kinky Boots, stravagante commedia su una fabbrica di scarpe vecchio stampo che si salva dal fallimento iniziando a produrre eccentrici stivali per drag queen, e anche in Becoming Jane, pellicola nella quale il regista inglese ha inserito, un po’ forzatamente, i tormenti e le ambizioni presenti in Orgoglio e Pregiudizio nella vita privata di Jane Austen, nella realtà ben più monotona. Ed è presente anche in Una notte con la regina, garbata commedia che prende spunto da un episodio realmente accaduto, su cui Jarrold ricama un po’ su,  confezionando un prodotto godibile ed estremamente british.

Londra, 8 maggio 1945. In tutta Europa si celebra la giornata della Vittoria. Gli Alleati accettano la resa incondizionata dell’esercito nazista e nella capitale inglese esplode la gioia della gente che si riversa nelle strade per festeggiare la fine della Seconda Guerra Mondiale. Le due giovani principesse Elizabeth (Sarah Gadon) e Margaret Windsor (Bel Powley), affascinate da quel brulichio di persone, riescono a strappare a Re Giorgio VI (Rupert Everett) e alla Regina (Emily Watson) il permesso di uscire, a patto che accettino la scorta di due ufficiali, che non lascino l’Hotel Ritz e che rientrino entro mezzanotte. Ma Margaret riesce a sgattaiolare via dall’hotel, costringendo Elizabeth a inseguirla per tutta Londra.

Lo spunto da cui prende il via Una notte con la regina è buono e l’idea delle due principesse in giro per Londra in incognito non fanno che rafforzarlo. Naturalmente Julian Jarrold si è divertito anche qui, come nel caso di Becoming Jane, a romanzare molto una storia vera ma di cui non si conoscono i dettagli, soprattutto quelli più squisitamente romantici: nello specifico l’incontro tra la futura regina Elisabetta e il giovane aviere Jack (Jack Reynor) che ignora chi la ragazza sia in realtà, così come tutte le persone incontrate in quella folle, magica notte. Commedia vivace e ingenua che si fregia di un cast notevole (Rupert Everett è perfetto nei panni del re balbuziente, così come Sarah Gadon, attrice feticcio di David Cronenberg, in quelli della giovane Elisabetta) che trova nell’interpretazione di Bel Powley, una principessa Margareth un po’ goffa e alla costante ricerca di attenzione, un concentrato di freschezza e vivacità.

Voto 6,5

E’ stato rilasciato in rete il trailer di The Dresser, film per la TV adattato dall’omonima opera teatrale di Ronald Harwood scritta nel 1979 e conosciuta nel nostro paese con il titolo di Servo di Scena. Protagonisti, Ian McKellen e Anthony Hopkins affiancati da Emily Watson.

The Dresser è diretto da Richard Eyre (Diario di uno scandalo, Iris) e racconta una storia che sis volge dietro le quinte di un teatro della provincia inglese nel gennaio del 1942.
Una compagnia itinerante sta per rappresentare il Re Lear, ma l’anziano capocomico (Hopkins), è in preda a una crisi di nervi e non fa altro che piangere. Milady, la prima attrice nonché sua moglie, Madge, la direttrice di scena, e tutti i colleghi sono in grande apprensione, anche perché il teatro è pieno: ma Norman (McKellen), il suo assistente, è convinto di risolvere anche questa situazione.

The Dresser andrà in onda  il prossimo 30 maggio negli States sul canale via cavo Starz.

“Perché scalare l’Everest? Perché esiste” – George Mallory

Perché, specie dopo il clamoroso tandem di Gravity e di Birdman, assegnare a un film come Everest il ruolo di pellicola di apertura del più longevo Festival del Cinema del mondo?
Dopo la roboante indifferenza e la gelida accoglienza – no pun intended – incassate al termine della première veneziana, viene da credere che l’eventuale risposta del direttore Alberto Barbera, vistosi “usurpare” da New York l’attesissimo The Walk di Robert Zemeckis, e il laconico commento dello sfortunato alpinista britannico citato in apertura coincidano.

Un conto, però, è il valore squisitamente umano dell’impresa, requisito indispensabile della secolare ambizione antropica di infrangere le barriere naturali, un altro è la supposta esigenza della sua trattazione artistica, che non solo rischia di essere ridotta a un mero sforzo produttivo privo della benché minima sostanza – quello, per esempio, che ha portato all’acclamazione gratuita ed esagerata di un vacuo giocattolone come Mad Max: Fury Road -, ma che, a meno di non essere l’Herzog di Fitzcarraldo o il Kevin McDonald de La morte sospesa, disinnesca ogni senso di stupore e di coinvolgimento quando l’artefazione si fa asfissiante.

L’esistenza, dicevamo, di un’operazione come Everest si giustifica esclusivamente con quei pochi metri di passerella stesi ai galà di turno, e, nel caso specifico del Lido, con lo scopo di rimpolpare e internazionalizzare un red carpet non proprio sovrabbondante con un ensemble di divi a fare quadrato (lo stesso principio dell’altro bluff da box office dell’edizione, ossia Black Mass): per il resto, carente tanto dal punto di vista biecamente intrattenitivo, quanto – ma i dubbi erano ben pochi, considerati i modesti precedenti di Contraband e di Cani sciolti – come occasione per l’islandese Baltasar Kormákur di rivelarsi in veste di autore action ormai collaudato, Everest discende direttamente dal canone desueto del disaster movie corale à la Airport, sovrappopolato di celebrità scarsamente assortite con i cui alter ego di cartapesta lo spettatore è chiamato a identificarsi e sulla cui sopravvivenza è cinicamente portato a scommettere, ma c’è ben poco per cui esaltarsi fra caratterizzazioni antidiluviane (il texano spaccone ma fragile di Josh Brolin, lo scapicollato fricchettone di Jake Gyllenhall, lo scalognato rachitico di John Hawkes, anche se il top restano le mogliettine scalpitanti delle svogliatissime Keira Knightley e Robin Wright), uno sviluppo tedioso e a rilento che passa dall’adventure sonnacchioso della prima metà al survivalistico esagitato della seconda, una confezione pulitina che alterna soprattutto estetizzanti panoramiche aeree – niente che non si possa già trovare nel di gran lunga superiore documentario omonimo del 1998, girato davvero e non, a differenza di questo, soltanto convertito in formato IMAX  – a sequenze dinamiche male orchestrate (senza tirare in ballo un 3D che più accessorio non si potrebbe), momenti ai confini del trash, come la repentina resurrezione innescata dai flashback a ralenti della famigliola in stile Mulino Bianco, e dialoghi piattissimi a base di pipponi motivazionali e di gradassate assortite (già cult la lapidaria sparata secondo cui “a contare non è l’altitudine, ma l’attitudine”).

In questo senso, più che all’anonimo mestiere del regista, la paternità dell’opera è da ascriversi agli sceneggiatori William Nicholson e Simon Beaufoy, artefici dei più enfatici e ignoranti calvari del cinema di consumo del nuovo secolo, da Il gladiatore e Unbroken (il primo) a The Millionaire e 127 ore (il secondo), di cui il compitino di Kormákur pare la versione innevata e a più voci. Come nel caso dell’one-man-show con James Franco, anche qui sfugge un punto del discorso diverso dalla semplice, sterile cronaca degli eventi condita da tocchi insistentemente melodrammatici (la fine del povero Jason Clarke è puro torture porn), con l’aggravante di uno studio dei personaggi pressoché inesistente che riduce il nutritissimo cast a un magma indifferenziato di ragioni sommarie (fuga dalla routine, ricerca di rivalsa, volontà di potenza e altre ovvietà) e con un senso dell’epica che confonde il grandioso – si pensi all’arrivo in cima alla montagna, reso con sconsolante assenza di meraviglia – con il tonitruante.

Peccato, perché dal film sembrava evincere una riflessione sui limiti dell’Uomo comune alle prese con la Natura e con se stesso, come dimostra lo scontro fra l’attitudine “chioccesca” e possibilista del personaggio di Jason Clarke, pronto ad ammettere principianti nelle proprie cordate, con quella elitarista del rivale interpretato da Gyllenhall – confronto che pure si conclude in parità -, ma Everest si accontenta di un’indistinta identità di generico blockbuster da schiaffare in multisala senza troppi complimenti.

Voto 4

I film vanno bene, ma ci vuole anche un po’ di glamour. E ieri sera sul tappeto rosso che ha preceduto la Cerimonia di apertura e la premiére di Everest si sono visti dei look interessanti, nonostante la serata sia stata decisamente sottotono. Come sempre non tutte hanno fatto centro: ecco i nostri giudizi sugli abiti e su chi li ha indossati.

La prima a sfilare è stata, come da tradizione, la madrina del festival Elisa Sednaoui che, fasciata da un Armani Privé, ha optato per un look sobrio ed elegante. Ad illuminarle il volto, un collier Buccellati in oro bianco e diamanti. Promossa a pieni voti, nonostante la gente si domandi ancora: “Elisa chi?”.

Promosse anche le giurate Diane Kruger ed Elizabeth Banks. La prima nel suo abito bianco e argento Prada e la seconda, che ha tenuto a precisare su Instagram che il suo fondoschiena non era aiutato da spanx o cose simili, in un basico e lineare Dolce&Gabbana, sempre bianco, impreziosito qua e là da elementi metallici.

Ha osato decisamente di più Kasia Smutniak che per l’occasione ha indossato un accollatissimo Valentino color rosa antico con un’infinità di balze in pizzo. Look eccessivo che non le donava affatto.

Niente da fare nemmeno per Emily Watson, con un abito di raso color petrolio assolutamente anonimo, abbinato a delle décolleté nere del tutto impersonali che facevano a pugni sia con il vestito che con la pochette gioiello. Look da sciura di provincia per un’attrice tanto impeccabile sullo schermo  quanto impermeabile allo stile.

Velluto nero firmato Salvatore Ferragamo per Jake Gyllenhaal, protagonista del film di apertura Everest e di certo il più atteso ieri sera sul red carpet. Forse il solo che sarebbe stato acclamato anche se fosse arrivato in pigiama.

Alla fine è stata la giurata e attrice spagnola Paz Vega a portare una ventata di freschezza e di brio su un red carpet tutto sommato piuttosto contenuto. Capelli cortissimi e un prezioso abito lungo tempestato di perle firmato Ralph & Russo: forse è stata l’unica nota frizzante in una serata poco briosa.

A film di apertura concluso, resta chiaro che la migliore passeggiata sul vuoto di inizio stagione se l’è prevedibilmente aggiudicata New York: vistosi “usurpato” l’attesissimo The Walk di Robert Zemeckis, Venezia ha ripiegato così su un’entree a tratti inesplicabile per una manifestazione del suo calibro, specie dopo il clamoroso tandem di Gravity e di Birdman.

Se non per il semplice scopo di rimpolpare un red carpet non proprio sovrabbondante con qualche faccia nota, sfugge il motivo alla base della scelta di un prodotto da multisala come Everest come pellicola di inaugurazione, carente tanto dal punto di vista biecamente intrattenitivo, quanto – ma i dubbi erano ben pochi – come occasione per l’islandese Baltasar Kormakur di rivelarsi in veste di autore action ormai collaudato.

Il film infatti sembra appartenere al genere desueto del disaster movie corale à la Airport, sovrappopolato di celebrità scarsamente assortite con cui lo spettatore è chiamato a identificarsi, ma c’è ben poco per cui esaltarsi fra caratterizzazioni antidiluviane (il texano spaccone ma fragile di Josh Brolin, lo scapicollato fricchettone di Jake Gyllenhall, lo scalognato in cerca di rivalsa di John Hawkes, ma il top sono le mogliettine scalpitanti delle svogliatissime Keira Knightley e Robin Wright), uno sviluppo tedioso che passa dall’adventure sonnacchioso della prima metà al survivalistico esagitato della seconda.  Una confezione pulitina che alterna soprattutto estetizzanti panoramiche aeree a sequenze action male orchestrate (senza tirare in ballo un 3D che più accessorio non si potrebbe), momenti al limite del brutto come la repentina resurrezione innescata dai flashback a ralenti della famigliola in stile Mulino Bianco e dialoghi piattissimi a base di pipponi motivazionali e di gradassate assortite.

Peccato, perché dal film sembrava evincere una riflessione sui limiti dell’uomo comune alle prese con la Natura e con se stesso, come dimostra lo scontro fra l’attitudine “chioccesca” e possibilista del personaggio di Jason Clarke, pronto ad ammettere principianti nelle proprie cordate con quella elitarista di quello di Gyllenhall – che pure si conclude in parità -, ma Everest non riesce ad andare oltre alla propria identità di semplice blockbuster.

Un Monstruo de Mil Cabezas

Ben altro discorso per Un monstruo de mil cabezas, che dà il via alla sezione Orizzonti con il ritorno in Laguna di Rodrigo Plá, già Premio DeLaurentiis con l’eccellente La zona.

Come allora, il giovane cineasta cileno torna a scavare nel clima di ingiustizia sociale, di prepotenza e di malversazione del Messico dei nostri tempi, focalizzandosi questa volta sul settore burocratico-sanitario e riducendo lo stile levigato e morbido (ancorché usato per raccontare ancora una volta episodi di pura violenza) dell’esordio a un linguaggio molto più spigoloso e respingente, abbondando con sfocature deumanizzanti, inquadrature sghembe, destrutturazioni narrative e lunghi piani fissi: il risultato è un minuscolo thriller proletario di deflagrante potenza che conferma la maturazione avvenuta nel percorso artistico di Plà e le prime speranze nei confronti della nutritissima comitiva sudamericana.