Sono finalmente iniziate le riprese di The Man Who Killed Don Quixote, ambizioso progetto di Terry Gilliam ispirato al capolavoro di Miguel de Cervantes, El ingenioso hidalgo don Quijote de la Mancha.

La produzione del film, iniziata nel 2000, venne interrotta da una serie di disastri e calamità narrate nel documentario del 2002 Lost in La Mancha. Nel corso degli ultimi diciassette anni, Gilliam ha cercato più volte di far ripartire la produzione, senza successo: nel 2016 le riprese erano pronte a partire, con Adam Driver e Michael Palin nei panni dei protagonisti, ma tutto si è interrotto nuovamente a causa della defezione del produttore Paulo Branco. Causa di ulteriore ritardo, poi, la recente scomparsa di John Hurt,  che avrebbe dovuto interpretare il cavaliere errante e che è stato sostituito da Jonathan Pryce.  Nel cast anche Adam Driver, Olga Kurylenko e Stellan Skarsgård.

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A conferma che questa volta il film si farà davvero, questa immagine apparsa sul profilo Instagram di Rossy de Palma, con la sceneggiatura del film. Insomma, speriamo che sia la volta buona!

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(Id., USA, Cile 2016)
Uscita: 23 febbraio 2017
Regia: Pablo Larraín
Con: Natalie Portman, Peter Sarsgaard, Greta Gerwig, John Hurt
Durata: 1 ora e 31 minuti
Distribuito da: Lucky Red

“Puisque le mythe vole du langage, pourquoi ne pas voler le mythe?” – Roland Barthes

C’è un filo conduttore nettissimo che attraversa la produzione, oggi inarrestabile e proteiforme, di Pablo Larraín, ed è riscontrabile  nell’esigenza di scandagliare la Storia focalizzandosi sulla sua periferia e sulle sue ripercussioni nel quotidiano, un vero e proprio “cinema del retroscena” in grado di indagare il lato oscuro del Novecento, dagli inferi putrescenti di Tony Manero e di Post mortem alla transizione purgatoriale di NO e de Il club, tenendosi a debita distanza dai fenomeni che lo caratterizzarono e dalle personalità che ne furono protagoniste.

È a partire dal ritratto cubista di Neruda, tuttavia, che nel discorso del cineasta di Santiago qualcosa inizia a cambiare sensibilmente, per coinvolgere direttamente nell’orizzonte degli eventi quel livello macrostorico finora solamente suggerito e trasfiguratosi mostruosamente nelle sue insignificanti vittime e nei suoi piccoli carnefici, un’evoluzione che molti hanno superficialmente etichettato come un excursus nel genere biografico e che in realtà rappresenta il nuovo grado di sofisticazione di una poetica caleidoscopica eppure coerentissima che identifica nel passato – come diceva Hartley – una intangibile, inattendibile “terra straniera”.

E se il poeta di Parral assurgeva a statura epica attraverso una serie di peripezie fra il diario e la metanarrazione, in un corto circuito costante tra il fatto e la sua reinvenzione, Larraín compie la medesima operazione su chi del Secolo breve è stato fra i più diretti ed enigmatici testimoni, quell’icona a metà tra il folklore e la tragedia diventata nel corso degli anni – citando le parole dell’autore – la più sconosciuta donna famosa dell’era moderna, trasformandola nel tramite ideale e controverso fra l’effettività della cronaca e la mistificazione del culto.

Jackie è quindi, al pari di Neruda, un’opera di pura mitopoiesi e una riflessione sulla natura stessa del racconto e delle sue implicazioni etiche, sulla necessità della finzione come antidoto all’impermanenza dell’esistenza e alla persistenza delle cose. Nella visione d’insieme, i quattro giorni successivi all’assassinio del 35° Presidente degli USA fungono da fondamenta per la genesi della grande tradizione americana e da preludio all’illusione arcadica con cui ancora adesso si fa coincidere il triennio kennediano, ma l’intento non è né ipocritamente agiografico, né maliziosamente revisionista, bensì profondamente decostruttivo e scompositivo, l’esame autoptico di un’élite di uomini e donne in procinto di innalzarsi a levatura divina.

Il metodo con cui Larraín si avvicina alla materia, perciò, non può che essere prettamente non-lineare e antinarrativo, affidato alla giustapposizione di diversi piani espositivi, dall’intreccio delle due conversazioni private lungo le quali l’ex-First Lady si confessa, laicamente, al giornalista Theodore H. White (Billy Crudup) e, religiosamente, a un anziano prete cattolico (John Hurt, qui al suo ultimo ruolo) allo special della CBS che permise ai telespettatori di tutta l’America di inoltrarsi insieme a lei negli interni presidenziali. Divagazioni che servono da punteggiatura al resoconto del disorientamento individuale e collettivo, tra le surreali, fantasmatiche camminate di Jackie in una Casa Bianca deserta, le tappe del suo progressivo isolamento dovuto al repentino insediamento di Lyndon Johnson (John Carroll Lynch) e le obbligatorie cerimonie di rito con cui l’establishment volle sbarazzarsi in fretta e furia di JFK.

Plasmando e destrutturando la fabula con un uso vertiginoso del flashback e dell’ellissi, il regista cileno rifiuta l’approccio immediato e scolastico del biopic convenzionale per fare della sua eroina un coacervo di incongruenze e di contraddizioni, una comprimaria del potere ritrovatasi improvvisamente sotto i riflettori del mondo e guidata ora dalla ragion di Stato, ora dal narcisismo, immortalata ora nel vortice disordinato del dolore segreto, ora nella frigida compostezza del lutto istituzionale.

È così che Larraín evade, spiazzando e riadattando per la prima volta una sceneggiatura – premiata a Venezia – non sua, dai limiti del progetto su commissione, sorretto dalla monumentale interpretazione di una diafana, esangue e straordinariamente mimetica Natalie Portman, inserisce a pieno titolo nel suo immaginario e fa sua una figura apparentemente assai lontana dai suoi contesti abituali, rendendola, come Neruda, un individuo fallibile che affronta il declino costruendosi da solo la propria leggenda, e la coordinatrice di un colossale spettacolo della morte che, agli antipodi di quello sberleffo dissacrante che il René Saavedra di NO architettava per convincere il Cile ad abbracciare un futuro di libertà, cerca disperatamente di sublimare e di perpetuare il momento contro l’incedere dell’oblio.

Tutto concorre, dagli archi ubriachi e minimali di Mica Levi (Under the Skin) alla fotografia alabastrina di Stéphane Fontaine (collaboratore di fiducia di Jacques Audiard), alla creazione di un reame vago, incorporeo e fasullo quanto la Camelot arturiana, evocata in colonna sonora dall’omonimo musical tanto amato dai Kennedy, modello impossibile per una classe dirigente che, probabilmente, il mondo avrebbe voluto rivoluzionarlo davvero, ma che il destino e le circostanze hanno reso soltanto le “belle facce” della Storia.

Perché questo, sostanzialmente, è Jackie, una meditazione dolente, rassegnata e dall’enorme impatto emotivo sulla fuggevolezza, sulla labilità e sulla crudeltà del Tempo che passa, della Memoria che ineluttabilmente sfuma, di ciò che, insomma, ci resta mentre la vita va avanti senza di noi, come le laconiche targhe commemorative affisse alle porte, le tombe e i manichini in tailleur che cominciano ad affollare le vetrine nel corso di un crescendo straziante che chiude l’unica prova di autentica sincerità e di lucida introspezione da parte del cinema statunitense di questa stagione – ironico, se si considera la provenienza del suo artefice -, un capolavoro irrinunciabile e uguale a nient’altro che conferma Pablo Larraín come la voce e, soprattutto, lo sguardo più originale e geniale della sua generazione.

Voto 9

Ci ha lasciati ieri uno dei più grandi attori britannici in circolazione, noto tanto al cinema quanto al teatro: John Hurt. Aveva 77 anni ed era malato da tempo, anche se non aveva mai smesso di recitare. Nella sua carriera, decine di film e opere teatrali: tra i suoi film più celebri, sicuramente The Elephant Man – dove interpretava il protagonista John Merrick, Alien  ela saga di Harry Potter. Recentemente lo avevamo apprezzato in Solo gli amanti sopravvivono di Jim Jarmusch e in Snowpiercer. Uno degli ultimi film a cui ha partecipato è stato Jackie, il biopic di Pablo Larraín su Jackie Kennedy con Natalie Portman.

Tra i più celebri e ricercati caratteristi inglesi nel mondo del cinema e del teatro, dotato di una voce unica e indimenticabile che si era formata sul palco nelle numerose opere teatrali a cui ha prestato il suo volto,Hurt è stato nominato cavaliere dalla regina Elisabetta per «i meriti dovuti ai decennali servizi resi al settore cinematografico e quello delle arti teatrali».

Nella sua carriera ha ricevuto moltissimi premi, fra cui due nomination all’Oscar – oltre che per The Elephant Man, per Fuga di mezzanotte di Alan Parker – un Golden Globe e diversi BAFTA.

Un attore immenso e indimenticabile.

Sono iniziate questa settimana le riprese di Darkest Hour, il biopic su Winston Churchill diretto da Joe Wright (Pan, Espiazione).

Il film vedrà come protagonista Gary Oldman (nella foto qui in alto, di profilo) nei panni dello stratega e Primo Ministro britannico. Nel cast di Darkest Hour (la cui uscita nelle sale americane è prevista il 24 novembre), ci sono anche John Hurt, Lily James, Ben Mendelsohn e Kristin Scott Thomas nei panni di Clementine, la moglie di Churchill.

Questa la sinossi: Nei giorni in cui è diventato il Primo Ministro della Gran Bretagna, Wiston Churchill deve affrontare una delle sue sfide più importanti e turbolente: negoziare un trattato d i pace con la Germania Nazista, o schierarsi fermamente a combattere per gli ideali e la libertà di una nazione. Mentre le inarrestabili forze naziste si riversano attraverso l’Europa Occidentale e la minaccia di una invasione appare imminente, e con un popolo impreparato, un Re scettico e il suo stesso partito contro di lui, Churchill deve ressitere alla sua ora più buia, radunare una nazizone e provare a cambiare il corso della storia mondiale.

Nessuno è stato in grado di raccontare l’omologazione e l’appiattimento del sistema americano meglio di quanto abbia fatto Jim Jarmush. Semplicemente dimostrando che uno sguardo diverso, poteva esserci. Uno sguardo come il suo, attento a tutto ciò che è inedito e marginale. Sin dal suo esordio con Stranger than Paradise, il regista americano ha dimostrato che non c’era bisogno di budget a sei zeri per sovvertire i canoni estetici e narrativi della cinematografia, né tantomeno per dare uno scossone alla grammatica dei generi e ai suoi parametri rigidamente codificati e altrettanto rigidamente osservati.

Come in una sorta di inconsapevole revisionismo, tutto quello che colpisce gli occhi e il cuore di Jarmush entra in un modo e ne esce completamente e magicamente trasformato, reso più eccentrico, originale, unico. E anche la sua ultima fatica, presentata lo scorso anno al Festival di Cannes, non fa eccezione, evitando gli ogni incasellamento e rigidità e regalandoci una delle più singolari storie di vampiri mai viste al cinema. Doveva arrivare lui per infondere nuova linfa al genere, ultimamente straziato e anche un po’ ridicolizzato da prodotti quali la Twilight Saga, La leggenda del cacciatore di vampiri o il pessimo Dracula 3D; sempre lui per mostrare i “non morti” sotto un aspetto del tutto nuovo e assolutamente credibile. Il regista americano anche questa volta punta in alto, come e più di sempre, e racconta l’amore tra due algidi succhiasangue, Adam ed Eve (nomen omen), che attraversa i secoli e la storia, fino ad arrivare ai giorni nostri, più solido e stabile che mai. Interpretati meravigliosamente da Tom Hiddleston e Tilda Swinton, i due amanti, nonostante il forte legame che li unisce, vivono separati: lei a Tangeri, in cerca di sangue tra i vicoli della Medina insieme al suo amico Christopher Marlowe (John Hurt) con cui trascorre le nottate parlando dei bei tempi andati al Café Mille Et Une Nuits, e lui nella periferia di Detroit, rinchiuso in una casa-studio di registrazione da cui esce solo per comprare sangue fresco da un medico corrotto. Si videotelefonano e si ammirano attraverso gli schermi del cellulare, ma tutto questo non è sufficiente per Adam, non questa volta. Colto da un attacco di depressione attribuito a quelli che chiama zombie, gli esseri che popolano il mondo e che, con la loro rozzezza, lo stanno mandando allo sfacelo, chiede a Eve di andarlo a trovare. Volo rigorosamente notturno, ed ecco che anche lei è a Detroit per passare del tempo con il suo fragile, colto, musicista tanto immobile quanto irrequieto. I due si ritrovano, fanno pigre passeggiate e lunghi giri in macchina senza meta, tra le carcasse delle fabbriche abbandonate nella periferia più squallida della città (ex cuore pulsante dell’industria automobilistica americana, che rappresenta la fine del sogno dell’era industriale). Tutto procede con un ritmo lento e cantilenante, fino a che nella loro vita non irrompe Ava (Mia Wasikowska), sorella minire di Eve, che porterà un certo scombussolio in una routine apparentemente inalterabile, fatta di riflessioni, letture e momenti di malinconia.

Protagonisti senza tempo, colti, bohemien, upperclass e amanti di una bellezza che va cercata nel glorioso passato, piuttosto che nel desolato presente, i vampiri di Jarmush rappresentano insieme la chiave di svolta e il ritorno alle origini del genere. Mai in un vampire movie c’è stata tanta attenzione alla tradizione (Adam ed Eve escono solo di notte, i loro corpi non luccicano e soprattutto sono ben consapevoli di essere destinati a convivere con la solitudine in eterno) e mai i “non morti” sono stati dipinti in modo tanto affascinante e realmente al di fuori del tempo come in questo film. Continuando a giocare con i generi come ha sempre fatto (tutti i suoi lavori sono di fatto orfani di un filone ben definito, da Daunbailò a Mistery Train, da Dead Man a Broken Flowers) il regista americano in Solo gli amanti sopravvivono mescola il road movie al kammerspiel, l’horror al dramma sentimentale, sfiorandoli tutti senza svilupparne pienamente nessuno. I rimandi letterari e scientifici che rimbalzano nei dialoghi tra i due protagonisti e il saggio Marlowe – ancora piuttosto seccato di aver vissuto all’ombra del suo eterno rivale di Stratford-upon-Avon – si sprecano, ma vengono dati in pasto al pubblico con un’ironia colta e sottile che non può non conquistare: si citano Shakespeare a Byron e Shelley, passando per Fibonacci, Einstein e Tesla. Tutti personaggi che i nostri hanno realmente conosciuto o comunque incrociato nelle loro infinite esistenze.

Ma quel che ancora stupisce della poetica di Jarmush, è la sua coerenza, la capacità di raccontare una storia come quella di Adam ed Eve in cui succede poco o nulla, almeno fino all’arrivo di Ava, il solo personaggio incaricato di scuotere un plot solo all’apparenza avulso e distante. Una storia che nelle mani di chiunque altro sarebbe certamente scaduta nel ridicolo, ma che il più dandy dei registi in circolazione riesce a portare avanti impreziosendola con una ricercata colonna sonora che meriterebbe un approfondimento a parte (Charlie Feathers, Bill Laswell, i Black Rebel Motorcycle Club, Wanda Jackson, gli Hot Blood, solo per citarne alcuni) e tenendo i suoi due outsiders costantemente sul ciglio del baratro estetico e della solitudine. Percepiamo attraverso i loro sguardi il disagio di chi ha già visto tutto e la rassegnazione di chi ha accettato la non facile idea di vivere in eterno; riconsideriamo il concetto stesso di vita che, vista con i loro occhi, non è altro se non la “sopravvivenza delle cose” e ci poniamo sullo stesso piano della coppia di (s)fortunati osservatori di un mondo in divenire che da secoli corre su un binario a loro parallelo.

Solo gli amanti sopravvivono è, in conclusione, un’opera liturgica e solenne, minimalista e antinarrativa che consolida il talento di Jarmush e conferma la sua appartenenza alla cerchia dei massimi esponenti del cinema indipendente contemporaneo.

Voto 8