A tre anni da Grand Budapest Hotel, Wes Anderson riappare sulle scene con il primo teaser del suo nuovo progetto, in stop-motion, che arriverà nelle sale ad aprile 2018.

Welcome to the #IsleofDogs 3.23.18 pic.twitter.com/wbVLtX9YGE

— Isle of Dogs (@isleofdogsmovie) 21 settembre 2017

La Fox Searchlight ha infatti rilasciato il primo teaser di Isle of Dogs che tratterà dell’odissea di un ragazzo alla ricerca del suo cane.
La seconda pellicola di animazione di Anderson dopo Fantastic Mr. Fox avrà delle voci d’eccezione tra cui quelle di Edward Norton, Bill Murray, Jeff Goldblum, Tilda Swinton, Frances McDormand, Bryan Cranston, Scarlett Johansson, Greta Gerwig e Liev Schreiber. Come il precedente The Grand Budapest Hotel, anche Isle of Dogs è prodotto da Scott Rudin, Steven Rales e Jeremy Dawson, insieme al regista stesso.

Early Winter

Partono ancora una volta col freno a mano tirato le Giornate degli Autori, che si dimostrano ancora una volta, dopo la delusione della scorsa edizione, un calderone stipato di pellicole fin troppo incongrue e inconciliabili.

La memoria del agua

A ridosso dell’apertura officiale, inaugurano la sezione Early Winter di Michael Rowe e di Matías Bize, che pur uniti dal tema dell’accettazione della perdita non potrebbero risultare in due concezioni del cinema più diverse. Il primo, cronaca inesorabile del crollo psicologico di un infermiere nostalgico e passatista alle prese con l’incedere dell'”inizio inverno” della vita del titolo, adotta lo stesso registro respingente e rigoroso di quell’Año bisiesto che fruttò al regista la Caméra d’Or a Cannes, e riesce a comunicare – con tono però a tratti un po’ bieco – quella sensazione di crescente disorientamento e di sconfitta di fronte al nuovo che avanza (il protagonista, infermiere con l’hobby del modernariato, non sa controllare le bizze della più giovane moglie russa tecnodipendente). Il secondo, d’altro canto, è un insistito, lagnoso e triviale lacrima-movie sulle antitetiche reazioni di due giovani genitori alla morte del figlioletto (lui vuole ricostituire la coppia, lei cerca di rifarsi una vita), discreto come una martellata in pieno zigomo, impegnato per tutta la sua durata a ricercare costantemente la commozione con i trucchetti più emotivamente pornografici, dalla musicona a base di pop-rock e di plin plin pianistico a sottolineare pesantemente i momenti più ricattatori ai primissimi piani che inseguono lacrime che scendono copiose (quelle di lei) o che restano trattenute sulla palpebra (quelle di lui, che programmaticamente cadono catarticamente a fine film), per non citare gli improponibili rimandi a Shame (la pedalata notturna e l’amplesso liberatorio occasionale sotto una luce vermiglia). Che Bize amasse indugiare nella retorica e nel sentimentalismo era già chiaro dall’appena salvabile La vida de los peces (anch’esso alle Giornate degli Autori, nel 2010), ma qui il confine della decenza filmica è stato abbondantemente oltrepassato.

Il regista Cary Fukunaga e Abraham Attah

Ad aprire la competizione, fra entusiasmi un po’ incontrollati, è invece l’atteso Beasts of No Nation, con cui Cary Joji Fukunaga, dopo la commissione di Jane Eyre e l’exploit televisivo della prima stagione di True Detective, torna sul grande schermo (ancorché sotto l’egida di Netflix) recuperando quell’universo di infanzia violenta già al centro del suo debutto Sin nombre. Dall’America Latina di allora e dai suoi barrios più degradati ci si trasferisce all’Africa Occidentale e la ragnatela di efferatissime gang di strada è qui sostituita da allucinati battaglioni di bambini-soldato, ma l’innalzamento delle ambizioni corrisponde a un progresso più puramente tecnico che contenutistico.
Le tappe di crescita del piccolo Agu (l’esordiente Abraham Attah, impressionante, già col Premio Mastroianni in saccoccia) appartengono infatti a un canone già vieto e formulaico del romanzo di formazione a sfondo cruento (il paragone più immediato, fatte le dovute proporzioni, è in un certo senso L’impero del sole), dall’idillio iniziale alla tragedia improvvisa, dalla ricerca del surrogato paterno (qui un gigionissimo, spassoso Idris Elba) alla progressiva emancipazione innescata dalla disillusione, dall’iniziazione alla morte, al sesso e alla droga fino al conciliante (e forzato) superamento finale.

Idris Elba in Beasts of No Nation

Certo, il mestiere di Fukunaga rimane intatto, la brutalità della guerra è resa senza sconti né addolcimenti e ogni tanto cade qualche briciola di poesia (le preghiere di Agu in voce off, che paiono uscite da un film di Malick), ma era forse lecito aspettarsi un po’ più di anticonformismo e di innovazione in termini di narrazione da chi solo l’anno scorso ha quasi ridefinito il confine ormai sottilissimo fra linguaggio cinematografico e televisivo.

Sempre dalle schizofreniche Giornate degli Autori si affaccia invece lo spagnolo El desconocido, sorta di esagitatissimo rifacimento in chiave automobilistica de In linea con l’assassino di Schumacher – piuttosto che, com’è stato sciaguratamente definito, “un incrocio iberico di Speed e Locke” –, pezzo di bravura di un intenso Luis Tosar tanto curato esteticamente (da antologia il piano sequenza dell’inseguimento finale, con la cinepresa che entra ed esce dall’automobile senza portiere per poi scavalcare corsia su corsia) quanto minato da uno sviluppo iper-melodrammatico ai limiti dell’autoparodia involontaria, da un insistito autocompiacimento e da uno scioglimento moraleggiante che sfocia in una facile, pretestuosa tirata populista contro lo strapotere bancario e in un happy ending che più accomodante non si può.

Stanley Tucci e Mark Ruffalo

Fuori Concorso, invece, spicca l’asciutta, calibrata e lucida inchiesta di Spotlight, un bell’esercizio di cinema civile a sfondo giornalistico più dalle parti de L’ultima minaccia di Brooks («È la stampa, bellezza! La stampa! E tu non ci puoi far niente!») che dell’evocato Tutti gli uomini del presidente di Pakula.

Mark Ruffalo

Tom McCarthy ritrova la sobrietà e la nitidezza del suo exploit L’ospite inatteso, muove le fila complesse ma mai macchinose di un’indagine a base di pedofilia clericale illustrata senza la minima tentazione declamatoria o enfatica e anche se di rado la mano si fa pesante (l’immagine reiterata delle chiese che “incombono” sul paesaggio bostoniano, il prefinale con le testimonianze alternato a un coro di bambini che canta Silent Night in una cattedrale) regge alla perfezione due ore piene di durata non allontanandosi quasi mai da scrivanie e redazioni e tira fuori il meglio da tutti i suoi attori, da un misurato e ruvido Michael Keaton a una Rachel McAdams meno cagna del solito, da un granitico e laconico Liev Schreiber fino all’incontestabile vetta del cast, uno scatenato e sofferto Mark Ruffalo.

Nei nostri cinema, Il caso Spotlight arriverà a novembre, distribuito da BIM, ma solo dopo essere passato per Venezia e per Toronto. Diretto da Thomas McCarthy (L’ospite inatteso, The Cobbler)e interpretato Michael Keaton, Rachel McAdams, Mark Ruffalo, Stanley Tucci, Liev Schreiber e Billy Crudup il film racconta come dei giornalisti del The Boston Globe, il cui  nome in codice era spotlight, scoprirono il terribile segreto, celato per anni, delle molestie sessuali che colpirono alcuni minori. Le molestie furono perpetrate all’interno dell’Arcidiocesi cattolica della città, e per loro non fu facile dimostrare e rendere pubblica questa inquietante verità. Eccone un assaggio.

Venezia 2012 ha aperto ieri i battenti con un’edizione che inevitabilmente porterà il segno del cambio di direzione. Il ritorno di Alberto Barbera, dopo otto anni di gestione Müller è accompagnato da un  programma snellito, che prevede solo diciotto film in concorso e l’eliminazione della sezione Controcampo Italiano, insieme ad altre novità, come la possibilità di assistere in streaming ad alcuni film e cortometraggi della sezione Orizzonti (trovate QUI le modalità).
A guidare la giuria internazionale, nella foto in alto, formata da Marina Abramovic, Laetitia Casta, Peter Ho-Sun Chan, Ari Folman, Matteo Garrone, Ursula Meier, Samantha Morton e Pablo Trapero, c’è il regista di Collateral e Manhunter Michael Mann, mentre a Kasia Smutniak è stato ffidato il ruolo di madrina della kermesse.

Ieri sono state presentate due pellicole Fuori Concorso il drammatico The Reluctant Fundamentalist di Mira Nair (già vincitrice del Leone d’Oro nel 2001 con Moonsoon Weeding) interpretato da Kate Hudson, Liev Schreiber e Riz Ahmed e il documentario musicale Enzo Avitabile Music LIfe di Jonathan Demme, dedicato all’artista napoletano.

Numerose le star che in serata, hanno calcato il tappeto rosso durante la cerimonia di apertura, tra cui la madrina Kasia Smutniak con un lungo abito Armani Privé della stessa tonalità di rosso del red carpet, la giurata Laetitia Casta, Naomi Watts, che ha accompagnato al Lido il marito Liev Schreiber, protagonista di The Reclutant Fundamentalist insieme a Kate Hudson, che ha sfilato con il suo compagno Paul Bellamy, frontman dei Muse.

Tra i personaggi immancabili che, nonostante non c’entrino niente con il mondo del cinema, continuano inesorabilmente ad essere invitati ogni anno, da segnalare Valeriona Marini, con un abito bianco dal gusto discutibile, la contessa Marina Ripa di Meana, che per questa edizione della Mostra ha tirato fuori un cappellino con velette e un bel paio di corna e, last but not least, l’onorevole Daniela Santanchè, accompagnata dal suo compagno Alessandro Sallusti, che ha sfoggiato una pettinatura alla Crudelia De Mon.

Dopo i film e le copertine patinate è arrivata anche la consacrazione sul palco di Broadway per la giovane attrice. Solo pochi giorni fa dichiarava: “La sola cosa che mi preoccupa, se la critica mi distruggerà a Broadway, è che avrò grandi difficoltà a trovare altri lavori in seguito”. Invece domenica sera, al Cort Theater di New York, è stato un gran successo. Scarlett si è calata perfettamente nei panni della diciassettenne Catherine, nel revival della commedia di Arthur Miller, A View from the Bridge, diretta da Gregory Mosher.

Accanto a lei, sul palco, Liev Schreiber e Jessica Hecht. Seduti in platea, c’erano i suoi colleghi e amici Naomi Watts e Hugh Jackman. Ben Brantley sul New York Times ha scritto: “La Johansson si immedesima nel suo personaggio in maniera completa, al punto da far sparire quell’aura di celebrità che la circonda”. Il Washington Post ha definito lo spettacolo “uno dei più soddisfacenti nella produzione di Miller”. E ancora sul New York Post, la critica Elisabeth Vincentelli scrive quanto “La Johansson sia senz’altro migliore di Katie Holmes, quando a Broadway fece All My Sons. È meraviglioso vederla sfidare se stessa, oltre che le aspettative degli spettatori. È la più grossa sorpresa in una commedia che di sorprese ne offre ben poche”.