È stato reso disponibile il primo trailer italiano di Ocean’s 8, lo spin-off tutto al femminile di Ocean’s Eleven diretto da Gary Ross (Hunger Games).
La pellicola ha come protagoniste Sandra Bullock, Cate Blanchett, Sarah Paulson, Rihanna, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Mindy Kaling e Awkwafina.

In Ocean’s 8 Bullock interpreterà la sorella di Danny Ocean. Con l’aiuto di una socia, formerà un team di ladre con l’obiettivo di rubare una collana dal Met Ball per poter incastrare il crudele proprietario di una galleria d’arte.
Il progetto vede Steven Soderbergh e George Clooney in veste di produttori.

L’uscita di Ocean’s 8 è fissata per l’8 giugno 2018.

E’ approdato in rete il trailer ufficiale del nuovo dramma politico di David Gordon Green, Our Brand Is Crisis,Il film nasce dall’omonimo documentario del 2005 diretto da Rachel Boynton, incentrato sulle strategie americane di marketing e comunicazione politica messe in atto durante le delicate elezioni boliviane del 2002.

Prodotta da George Clooney e Grant Heslov e sceneggiata da Peter Straughan (L’uomo che fissa le capre), la pellicola si concentra sull’uso delle strategia americane da parte degli ex consulenti di Clinton, James Carville e Stan Greenberg durante le elezioni presidenziali boliviane del 2002. Protagonista del film Sandra Bullock, nei panni di una famosa stratega per le campagne presidenziali negli Stati Uniti che, dopo essersi ritirata prematuramente dalle scena politica, viene richiamata per sostenere uno dei candidati alla presidenza in Bolivia e battere Pat Candy (Billy Bob Thornton), a capo della campagna dell’opposizione.

Our Brand is Crisis verrà presentato in anteprima al Toronto International Film Festival la prossima settimana. Nel cast anche Anthony Mackie.

Era il 1968 quando, con 2001 Odissea nello spazio, Stanley Kubrick invitò cinema e pubblico a voltare pagina. Lo fece con un’opera tanto ambiziosa da rasentare la follia, impossibile da racchiudere all’interno di una catalogazione di generi e portatrice di un messaggio di una potenza mai neanche immaginata, puntando su una messa in scena che, dopo oltre quarant’anni, continua ad essere riconosciuta come una delle più complete e complesse mai tentate sullo schermo. Lungi dall’essere una pellicola di fantascienza, in 2001 quest’ultima rappresenta solo l’involucro che racchiude una vicenda che si fa messaggio per poi diventare, subito dopo, simbolo. La science-fiction, dunque, come pretesto per raccontare qualcosa di molto più esteso e che si avvicina inevitabilmente al concetto di arte in ogni sua declinazione.

Dal 2006, anno in cui uscì I figli degli uomini, Alfonso Cuarón è sparito dalla circolazione. Dopo sette anni, eccolo tornare  prepotentemente sulla scena con quello che è senza dubbio il suo lavoro più intimo e riuscito, già applaudito a Venezia 70 e pronto a fare il suo ingresso nelle sale, Gravity. Tutto questo tempo per ultimare un film con due soli attori e la cui trama si può riassumere in due righe: il dramma di due membri dello Shuttle in missione nello spazio che, in seguito alla distruzione della loro navicella, faranno di tutto per restare vivi a migliaia di chilometri dalla Terra. Eppure ne è valsa la pena. Operando scelte opposte rispetto a tanti suoi colleghi più fracassoni (Michael Bay su tutti) che sembrano voler puntare sul montaggio frammentario e sulla confusione sia visiva che sonora, Cuarón apre la sua pellicola con un piano sequenza di diciassette minuti. E solo quello vale prezzo del biglietto. Un po’ come fece Hitchcock in Nodo alla gola, che in altri tempi e con altri mezzi era riuscito a confezionare un film del tutto privo di montaggio, ora tocca a Cuarón sfidare i princìpi del cinema classico e fuggire dai dogmi limitanti della tradizione hollywoodiana per sperimentare un’idea di cinema incontaminato, splendido e assoluto in cui allo spettatore, così come alla macchina da presa, non è concesso staccarsi dall’azione.

Il regista messicano ha una tecnica sorprendente (ma questo lo sapevamo già: ricordate la scena dell’auto ne I figli degli uomini? ), a cui si è aggiunta una padronanza della stereoscopia che toglie il fiato e, allo stesso tempo, la capacità  di raccontare una storia di speranza, sconfitta e redenzione attraverso la potenza delle immagini. Alla fine l’aspetto meno riuscito di Gravity risultano essere i dialoghi, anzi quei due o tre monologhi che in un paio di momenti ci fanno ricordare di essere al cinema e non nello spazio. Cuarón poi, possiede la rara dote di riuscire a muoversi con coerenza in uno spazio filmico che è potenzialmente infinito, rendendo plausibile tutto quello che sceglie di mostrare. Ma c’è un’altra cosa che rende Gravity davvero unico, ed è la forza con cui il film riesce ad infondere nello spettatore una profonda inquietudine attraverso il racconto di eventi che alla maggior parte di noi non capiteranno mai: tipo essere iviati in missione nello spazio! Eppure per quanto sia una possibilità remota, il solo pensiero di rimanere lassù, da soli, nel silenzio assordante del vuoto, ci paralizza anche se siamo in poltrona e non ci molla.

Gravity è un blockbuster autoriale diretto da un regista perfettamente consapevole del mezzo espressivo che ha tra le mani e che utilizza per sperimentare ed emozionare. Insomma, preparatevi a voltare pagina ancora una volta.

Voto 8,5

E’ fortissimo, se non addirittura frastornante, l’impatto con l’apertura ufficiale della settantesima Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia: prima dell’inaugurazione e con gli inevitabili piccoli ritardi d’assestamento del caso, nelle sale del lido torna il 3D, ma questa volta non si ha a che fare né con guitti di casa Mediaset, né con mostruose creature marine di quart’ordine affamate di carne umana, ma con una pellicola che, nel corso dei suoi cinque pioneristici anni di preparazione e produzione, si è annunciata come l’avvenieristica nuova pietra di paragone del mezzo e come l’esperienza visiva che finalmente avrebbe sottoposto agli occhi degli spettatori del Lido l’apice espressivo della tecnica tridimensionale.

Gravity di Alfonso Cuarón è a tutti gli effetti un’autentica gioia per gli occhi, il giusto e appagante compimento di un lustro di scrupolosa, quando non maniacale, ricerca e di tormentatissimo studio volto ad infrangere le barriere delle modalità di ripresa. Non ce ne voglia il diligente cineasta messicano rivelatosi proprio a Venezia con lo scoppiettante Y tu mama también, ma ben più che un saggio di regia o una sceneggiatura di ferro, Gravity è soprattutto l’apoteosi artistica del direttore della fotografia Emmanuel Lubezki, poeta del piano sequenza proteso costantemente verso l’universale.

Pressoché nello stesso modo con cui l’Occhio della tarda stagione di Terrence Malick arricchì e nobilitò la precedente opera di Cuarón, il fantascientifico Children of Men (non a caso Premio per il Miglior Contributo Tecnico a Venezia 63), una semplice e comunque affascinante parabola cosmica sul superamento e l’elaborazione del lutto con al centro le travolgenti e solitarie disavventure astrali, pressoché in tempo reale, dell’ingegnere biomedico Ryan Stone (Sandra Bullock) si trasforma in un trattato sul movimento, sulla prospettiva e sull’ambiente scenico, dove una macchina da presa che pare capace di tutto si aggira in assenza di gravità in uno spazio profondo mai così credibile e si dilunga in piani sequenza ipnotici e al limite del possibile, a cominciare dai primi 17 minuti senza stacchi, durante i quali la stazione orbitante teatro iniziale delle vicende evolve da particella infinitesimale a imponente sfondo per girotondi intorno alla galassia.

Lubezki però non si ferma qui e costruisce, a differenza dei due essenzialmente isolati momenti clou di Children of Men, l’intero apparato visivo del film sulla dilatazione e sullo stupore, con interventi di montaggio sparuti e un uso praticamente ubiquo della panoramica e della steadicam; laddove il film raggiunge vette impensabili sotto il profilo tecnico, non altrettanto si può dire della sostanza, che sconta uno sviluppo fin troppo schematico – specie nella sezione centrale, con la sua episodica sequela di incidenti concatenati – e un apparato simbolico un po’ facilone a base di metaforici cordoni ombelicali che frenano le fughe della protagonista e un percorso di espiazione mistica che culmina in una rinascita amniotica con l’ammaraggio della capsula in una distesa oceanica incontaminata.
Un involucro stupefacente, insomma, per una sostanza un po’ risaputa e decisamente canonica.

Evento emblematico della Mostra è anche l’esperimento collettivo Venezia 70 – Future Reloaded, una sequenza di 70 cortometraggi realizzati da altrettanti registi ospiti frequenti della rassegna chiamati a rappresentare in meno di 90 secondi la loro visione del cinema ed il futuro che gli si prospetta: difficile fare un sunto del totale, a differenza dell’analogo Chacun Son Cinema presentato di recente al Festival di Cannes, che contava su un numero più limitato di autori a favore di un minutaggio più consistente, o del curioso Lumiere et Compagnie, con contributi altrettanto fulminei ma tutti caratterizzati dall’uso delle strumentazioni originali dei fratelli pionieri, però l’operazione è godibile e piacevolmente celebrativa, con tanti stili immediatamente riconoscibili ad intersecarsi e a contraddirsi senza soluzione di continuità, dall’autobiografismo polemico di Bertolucci, che mette in scena lo scontro quotidiano fra le ruote della sua sedia a rotelle e i sanpietrini delle strade di città, all’autoparodia di Catherine Breillat, dalla riflessione multimediale di Atom Egoyan alle provocazioni della Nouvelle Vague greca, rappresentata qui da un duello fra collegiali diretto da Yorgos Lanthimos e da un dialogo fra vecchi proiettori rappresentato da Athina Rachel Tsangari. Svettano anche la riflessione sul valore storico-sociale del ricordo da parte dell’etiope Haile Gerima, la rivisitazione dell’Innaffiatore innaffiato ad opera di Abbas Kiarostami, l’omaggio al monster movie ricreato con figurine e scenografie di cartone di Shinya Tsukamoto, senza dimenticare il bel tributo di Salvatore Mereu al conterraneo Vittorio de Seta e i classici freak post-Cinico Tv di Franco Maresco. Da gustare dall’inizio alla fine, specie se non si conoscono i nomi coinvolti e si affronta il tutto come uno sterminato videoquiz.

Fuori concorso, si conclude – forse, purtroppo, una volta per tutte – l’opera-mondo di Edgar Reitz con l’epico Die andere Heimat, contemporaneamente prequel e ultimo approfondimento dell’album che uno dei più grandi narratori viventi ha dedicato alla Storia del Novecento tedesco. Si torna in questo caso indietro di quasi settant’anni rispetto alla data di inizio del primo ciclo, che si concludeva col ritorno a casa del giovane Paul dalle trincee della Grande Guerra: momento storico preso questa volta in esame è il gelido, tesissimo e a tratti tragico biennio 1842-1844, culmine delle grandi emigrazioni mitteleuropee in direzione del Sudamerica, nella fattispecie del Brasile.

Personaggio principale, e perfetta prefigurazione delle inquietudini giovanili di Paul e del figliastro Hermann, protagonisti delle prime due serie, è il ventenne Jakob, che nel fittizio villaggio di Schabbach tenta di dare voce alle proprie attitudine linguistiche e letterarie in una comunità dedita soprattutto al mantenimento delle tradizioni e alle attività agricole, accudito dall’amorevole madre Margret (Marita Breuer, che nell’Heimat originale interpretava la matriarca Maria) e vittima dell’ottusità generale.

Pur con i suoi 240? di durata, Die andere Heimat impallidisce di fronte alle rispettivamente quindici, venticinque e dieci ore dei cicli precedenti – anche se fa eccezione la parentesi riflessiva Heimat: Fragmente – Die Frauen, presentato a Venezia 2006 -, ma è anche in un certo senso l’episodio unitario più lungo di tutti e rappresenta tanto un perfetto portale di ingresso per i neofiti dell’universo bucolico della famiglia Simon quanto un epilogo di rara completezza per gli affezionati. Viene qui meno la celebre alternanza di scene in bianco e nero o a colori che aveva caratterizzato il passato e solo pochi, decisivi oggetti acquistano il loro valore cromatico per risaltare sul resto, e viene accuratamente evitato ogni diretto parallelo con i protagonisti della trilogia, che rappresenterebbero un passo ulteriormente successivo della genealogia.

Ciò che rimane, però, è pura tradizione reitziana, con il consueto stile aneddotico ricco di dettagli e di sottotrame a metà fra Proust e Twain, con scene di altissima evocazione (il tremendo inverno del 1843, con un’inedita Schabbach totalmente innevata) e di toccante elegia (le fantasie esotiche di Jakob sugli usi e i costumi della popolazione indigena sudamericana), colmo di momenti assolutamente memorabili, come l’agitata sagra di paese che dà inizio ai moti di ribellione, il passaggio sulla zattera di anarchici che naviga per il fiume Mosella, il ritorno a casa della estromessa sorella maggiore Lena e, soprattutto, molte sequenze legate alla morte, come la spoglia veglia per lo zio tessitore morto improvvisamente, il funerale della nipotina di Jakob e degli altri bambini vittime della difterite o la visione di un’ormai allucinata Maria, che vicina alla morte sente palpabile la presenza di tutti i figli che ha perso negli anni. Da incorniciare l’ultima ora, con i preparativi finali per il viaggio in nave, il destino dei familiari rimasti in patria e, ciliegina sulla torta, il cammeo di un severissimo Werner Herzog nei panni del naturalista Alexander von Humboldt.

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E’ stato appena diffuso in rete il primo trailer di Gravity, il nuovo film di Alfonso Cuarón. Tornato al cinema a sei anni di distanza dal suo ultimo lavoro, I figli degli uomini, il regista messicano ci racconta la storia di due astronauti alla deriva dopo un incidente durante la riparazione di un satellite in orbita. Nel cast del film ci saranno unicamente Sandra Bullock e George Clooney mentre Basher Savage ed Eric Michels presteranno le loro voci senza però apparire sullo schermo.

C’è molta attesa per l’uscita di Gravity, che vedremo nelle sale in autunno, anche in 3D, soprattutto perché il film è stato montato con il minor numero di stacchi possibili: contiene infatti moltissimi pianosequenza, la maggior parte dei quali di durata che oscilla tra i sei e i dieci minuti. Mentre diciassette ne dura soltanto quello iniziale.