Si è appena conclusa a Parigi la conferenza stampa di presentazione della 70° edizione del Festival di Cannes. Il direttore artistico Thierry Fremaux e il presidente Pierre Lescure hanno annunciato il programma completo della manifestazione. Dal 17 al 28 maggio, date della kermesse, saranno presentati 49 film, tra cui 9 le opere prime, che arrivano da 29 paesi.

Come già annunciato, Pedro Almodóvar sarà il Presidente della giuria del Festival, mentre Monica Bellucci la madrina.

La conferenza si è aperta con l’annuncio di alcuni eventi speciali, tra cui la presentazione in anteprima di Carne y Arena, cortometraggio in realtà virtuale di Alejandro González Iñárritu insieme a due episodi della stagione revival di Twin Peaks di David Lynch. Anche Top of the Lake 2 di Jane Campion farà parte degli eventi speciali insieme al cortometraggio di Kristen Stewart Come Swim.

Ad aprire il Festival sarà Les Fantomes d’Ismaël del regista e sceneggiatore francese Arnaud Desplechin.

Tra le pellicole In Concorso per la Palma d’Oro: In the Fade di Fatih Akin, Les Proies/The Beguiled di Sofia Coppola, Happy End di Michael Haneke, Wonderstruck di Todd Haynes, Le Redoutable di Michel Hazanavicius, The Killing of a Sacred Deer di Yorgos Lanthimos, L’amant double di François Ozon.

Il cast di Fortunata

Sul fronte italiano, nessun film In Concorso, ma vedremo Sergio Castellitto presentare Fortunata, scritto da Margaret Mazzantini e con protagonisti Jasmine Trinca e Stefano Accorsi, e il primo lungometraggio di Annarita Zambrano, Après la guerre – Dopo la guerra in Un Certain Regard.

In scaletta anche il sequel An Inconvenient Sequel: Truth to Power, il nuovo documentario di Al Gore dopo Una scomoda verità.

Ecco tutti i film che saranno a Cannes 2017

Concorso

NELYUBOV (LOVELESS) by Andrey ZVYAGINTSEV

GOOD TIME by Benny SAFDIE & Josh SAFDIE

YOU WERE NEVER REALLY HERE by Lynne RAMSAY

L’AMANT DOUBLE by François OZON

*******’S MOON by Kornél MANDRUCZÓ

A GENTLE CREATURE by Sergei LOZNITSA

THE KILLING OF A SACRED DEER (MISE À MORT DU CERF SACRÉ) by Yorgos LANTHIMOS

HIKARI (RADIANCE) by Naomi KAWASE

GEU-HU (THE DAY AFTER) by HONG Sangsoo

LE REDOUTABLE by Michel HAZANAVICIUS

WONDERSTRUCK by Todd HAYNES

HAPPY END by Michael HANEKE

RODIN by Jacques DOILLON

THE BEGUILED by Sofia COPPOLA

120 BATTEMENTS PAR MINUTE by Robin CAMPILLO

OKJA by BONG Joon-Ho

AUS DEM NICHTS (IN THE FADE) by Fatih AKIN

THE MEYEROWITZ STORIES by Noah BAUMBACH

Fuori concorso

LES FANTÔMES D’ISMAËL by Arnaud DESPLECHIN (film d’apertura)

MUGEN NON J?NIN (BLADE OF THE IMMORTAL) by MIIKE Takashi

HOW TO TALK TO GIRLS AT PARTIES by John Cameron MITCHELL

VISAGES, VILLAGES by Agnès Varda & JR

Un Certain Regard

BARBARA by Mathieu AMALRIC

LA NOVIA DEL DESIERTO (LA FIANCÉE DU DESERT / THE DESERT BRIDE) by Cecilia ATAN &Valeria PIVATO

TESNOTA (ÉTROITESSE / CLOSENESS) by Kantemir BALAGOV

AALA KAF IFRIT (LA BELLE ET LA MEUTE / BEAUTY AND THE DOGS) by Kaouther BEN HANIA

L’ATELIER by Laurent CANTET

FORTUNATA (LUCKY) by Sergio CASTELLITTO

LAS HIJAS DE ABRIL (LES FILLES D’AVRIL / APRIL’S DAUGHTER) by Michel FRANCO

WESTERN by Valeska GRISEBACH

POSOKI (DIRECTIONS) by Stephan KOMANDAREV

OUT by Gyorgy KRISTOF

SANPO SURU SHINRYAKUSHA (BEFORE WE VANISH) by KUROSAWA Kiyoshi

EN ATTENDANT LES HIRONDELLES (THE NATURE OF TIME) by Karim MOUSSAOUI

LERD (DREGS) by Mohammad RASOULOF

JEUNE FEMME by Léonor SERRAILLE

WIND RIVER by Taylor SHERIDAN

APRÈS LA GUERRE (AFTER THE WAR) by Annarita ZAMBRANO

Séance Spéciale – Special Screenings

AN INCONVENIENT SEQUEL by Bonni COHEN & Jon SHENK

12 JOURS by Raymond DEPARDON

THEY by Anahita GHAZVINIZADEH

KEUL-LE-EO-UI KA-ME-LA (CLAIR’S CAMERA) by HONG Sangsoo

PROMISED LAND by Eugene JARECKI

NAPALM by Claude LANZMANN

DEMONS IN PARADISE by Jude RATMAN

SEA SORROW by Vanessa REDGRAVE

Séance de Minuit – Midnight Screenings

AK-NYEO (THE VILLAINESS) by JUNG Byung-Gil

BULHANDANG (THE MERCILESS) by BYUN Sung-Hyun

PRAYER BEFORE DAWN by Jean-Stéphane SAUVAIRE

Événement

TOP OF THE LAKE: CHINA GIRL by Jane CAMPION & Ariel KLEIMAN

COME SWIM by Kristen STEWART

24 FRAMES by Abbas KIAROSTAMI

TWIN PEAKS by David LYNCH

Installazione speciale in Realtà Virtuale

CARNE Y ARENA by Alejandro G. Iñárritu

Due attori, Sergio Castellitto e Margherita Buy, insieme per quattordici giorni – tanto sono durate le riprese di questo Piccoli crimini coniugali –, all’interno della casa che appartenne (davvero) a Silvana Mangano.
Adattamento cinematografico dell’omonimo best seller ispirato all’opera teatrale Petits Crimes Conjugaux di Eric-Emmanuel Schmitt, la pellicola di Alex Infascelli inizia con un uomo (Castellitto) che torna a casa dall’ospedale completamente privo di memoria a causa di un incidente. La moglie (Buy) cercherà di aiutarlo a ricostruire il suo passato e la sua identità, ma via via che i serrati dialoghi tra i due riportano alla luce informazioni dimenticate, iniziano a manifestarsi alcune crepe nel racconto della donna.

Dopo un inizio di carriera a dir poco promettente (correva l’anno 2001 e il suo primo lungometraggio Almost Blue, tratto dall’omonimo romanzo di Carlo Lucarelli, fu un piccolo caso cinematografico), solo altri due film, meno riusciti del primo, e un documentario (questo sì notevole, S is for Stanley). Nel mezzo ci sono stati alcuni cortometraggi e tanti videoclip. Una premessa necessaria a spiegare che Alex Infascelli è uno di quei registi che non tocca la macchina da presa se non ha una storia di cui si è innamorato. E la piéce teatrale di Schmitt effettivamente è uno di quei testi da cui si viene rapiti, per le contraddizioni che contiene, per il modo genuino e diretto con cui racconta la coppia e per la presenza di un testo “altro”, oltre a quello scritto, che risuona tra lo schermo e la platea, anche se non c’è nessuno a recitarlo.

E se l’associazione più semplice da fare passa per Carnage o per Chi ha paura di Virginia Woolf? giocato a due invece che a quattro, è altrettanto vero che l’aspetto che rende tanto appetibile questa brillante commedia nera, almeno sulla carta, è lo stesso che la condanna all’insidioso gorgo del non del tutto riuscito. Nonostante la bravura della coppia Buy-Castellitto, infatti, quei dialoghi tanto profondi, passando attraverso lo schermo, risultano anche tremendamente letterari, tanto da creare una rottura significativa con lo spettatore. In un film girato in un unico ambiente e basato sulla riproposizione piuttosto pedissequa di uno scritto, tutta questa finzione scenica tangibile sarebbe dovuta soccombere davanti alle spirali emotive e ai vortici sentimentali che il testo sprigiona. E dispiace perché, al di là di tutto, Piccoli crimini coniugali è un film ben recitato (nonostante in alcuni passaggi un po’ forzati l’accademia si veda, eccome) e anche ben girato, che analizza l’amore coniugale sotto una luce diversa, pur rimanendo vittima della propria aulicità.

Voto 5,5

Alex Infascelli è un fiume in piena di parole. È evidente l’urgenza che ha di raccontare questo suo Piccoli crimini coniugali, kammerspiel sulla fine di un amore (o su un nuovo inizio) tratto dall’omonimo romanzo di Eric-Emmanuel Schmitt. Ed è giustificato se pensiamo che, sperimentazioni (H2Odio) e documentari (S is for Stanley) a parte, il suo ultimo lungometraggio risale ormai al lontano 2004, anno d’uscita del sottovalutato Il siero della vanità. Oggi come allora sua compagna di viaggio è Margherita Buy, protagonista di questo gioco al massacro da camera dalle venature polanskiane insieme a Sergio Castellitto.

Il film arriva in sala il 6 aprile, distribuito da Koch Media, e questo è il resoconto del nostro incontro con il regista e i “suoi” due attori.

Alex, cosa ti ha colpito del romanzo di Schmitt tanto da spingerti a realizzarne un film.

Alex Infascelli: Vedo che vai dritto al punto. In realtà credo che chiunque faccia il mio mestiere sa di avere la possibilità di scegliere un argomento e metterlo in scena in un setting osservando quello che succede quasi come si fa con gli animali. Così, attraverso i personaggi che muovi, crei uno specchio in cui si riflette anche la tua realtà. In questo caso l’occasione era resa ancora più ghiotta perché sono pochi i testi che raccontano in maniera così particolare la coppia, soprattutto se consideri come il cinema attuale tenda o verso il realismo oppure, all’opposto, verso forme di fantasia troppo lontane dalla realtà. Il punto di partenza è come in ogni relazione amorosa si metta in moto una rappresentazione teatrale vera e propria: si indossano dei costumi e si scelgono dei personaggi che abiteranno con noi per tutta la durata di un rapporto. Leggendo il libro di Eric-Emmanuel Schmitt ho capito che aveva molto a che fare con il mio modo di vedere la coppia, soprattutto nel particolare periodo in cui l’ho letto.

Margherita e Sergio, quali sono le caratteristiche che vi hanno intrigati maggiormente nei vostri ruoli?

Margherita Buy: Per lo più mi ha colpito la complessità del mio personaggio, soprattutto nel suo essere legato ad un contesto noir, in cui ci sono segreti da scoprire. Una donna che aveva delle velleità artistiche a cui ha dovuto rinunciare per stare accanto a un uomo più importante di lei. Una donna che ama a tal punto questo marito da arrivare a compiere gesti folli per timore di essere abbandonata. Oltre al fatto che mi sembra ci siano tante donne rappresentate in questa figura così affascinante. Sono stata molto contenta di interpretarla, così come sono contenta che Alex e Francesca Marciano (coautrice della sceneggiatura) abbiano accentuato certi lati della personalità del mio personaggio rispetto al romanzo in cui era un po’ più marginale.

Sergio Castellitto: Io definirei questo film come “l’amore ai tempi del rancore” o “l’amore ai tempi del rimpianto”. Del non rassegnarsi all’idea che l’amore possa finire. Un Carnage dove due reduci del loro stesso amore tornano da una guerra e si ritrovano in questa casa che, esteticamente, ha la forma di mausoleo, quasi fosse la tomba del loro amore. Ecco quindi che i vetri sono tutti completamente oscurati e non si vede l’esterno, perché forse l’esterno non c’è. Forse è la loro casa o forse, chissà, è un ospedale psichiatrico o addirittura la casa del Grande Fratello. E secondo me noi siamo stati gli attori giusti e Alex il giusto narratore, perché siamo riusciti a non rinunciare a quel gelo e, allo stesso tempo, a non negare a quel gelo un’ipotesi di disgelo fatto di umanità.

Vi siete dati degli spazi per l’improvvisazione?

Sergio Castellitto: L’improvvisazione è una delle partiture del testo e non passa necessariamente dalle parole, ma anche attraverso il comportamento. Quando un attore, recitando, va a destra invece che a sinistra sta già suggerendo – o addirittura imponendo – al regista un certo movimento di macchina.

Alex Infascelli: Si può dire che, per me, Sergio e Margherita siano stati come una sorta di Università compressa nei quattordici giorni di riprese. Di Margherita, ad esempio, noi conosciamo l’aspetto psicotico, il suo essere una foglia al vento in balia degli eventi mentre invece è una roccia. Allo stesso modo Sergio, che sembra l’archetipo del maschio alfa, ha una tenerezza che tende a nascondere. Ed entrambi, da grandi professionisti quali sono, mi hanno aiutato molto a dirigere questo film. Non imponendomi delle scelte di regia, ma insegnandomi cosa vuol dire dirigere degli attori.

Nel film c’è un’idea molto forte di regia, quasi come se si volesse rendere consapevole lo spettatore che, indipendentemente da tutto, sta assistendo ad una rappresentazione che non corrisponde alla realtà. È corretto?

Alex Infascelli: Rendere consapevole magari no, ma senz’altro mettere il dubbio. Una delle prime cose di cui ci siamo resi conto leggendo il testo con Sergio e Margherita è che, più cercavamo di dare un senso alle loro parole, e più lo perdevamo. Il gioco di scatole cinesi e scorciatoie drammaturgiche che ha creato Schmitt in questo testo si poteva riprodurre sullo schermo solo a patto di mantenerne l’ambiguità di fondo e l’assenza di colore presente in ogni battuta. Perché in quell’assenza di colore erano presenti, paradossalmente, tutti i colori e tutte le possibili interpretazioni.

Sergio Castellitto: Io vorrei sottolineare anche il coraggio dei produttori a realizzare un film di questo tipo in un cinema che si avvia sempre di più ad essere un gesto quasi archeologico. In un cinema italiano disseminato di film comici – bada bene, non commedie che sono una cosa ben più complessa – il più delle volte deprimenti, Piccoli crimini coniugali mostra invece la drammaticità di una relazione umana. Ed è un film che, più che visto, andrebbe spiato, quasi come se lo spettatore si nascondesse in quella casa. Come quando sei a casa tua, sul divano, a leggere e senti che dall’altra parte del muro arrivano delle voci e inizi ad ascoltare. Non è un caso che questo film così pieno di parole potrebbe tranquillamente essere ascoltato ad occhi chiusi piuttosto che visto. E io invito gli spettatori ad andare a vedere questo film per rintracciarvi, in qualche misura, qualcosa che riguarda la loro vita. Altrimenti cosa si va a fare al cinema?

Gaetano (Riccardo Scamarcio) e Delia (Jasmine Trinca) sono una coppia colta nel bel mezzo della loro crisi matrimoniale.
Nessuno dei due è particolarmente entusiasta di ritrovarsi a cena insieme all’altro proprio al centro di un ristorante così affollato e pieno di gente allegra, ma c’è da organizzare le vacanze estive insieme ai figli e quindi è necessario.
Nell’arco della serata, il confronto,  dapprima piuttosto acido e serrato, attraversa diverse fasi emotive e li porta, tra una recriminazione e l’altra, a ricordare i momenti più significativi del loro rapporto senza negare o negarsi nulla, che sia la malinconica nostalgia dell’innamoramento o la progressiva e inesorabile decadenza di un amore che appare ormai giunto al capolinea.

“Where did it all go wrong?”.
Se lo chiedevano Ryan Gosling e Michelle Williams, mentre assistevano inermi al lento dissolversi del loro matrimonio nell’eccezionale Blue Valentine di Derek Cianfrance ed è più o meno la stessa domanda che sembrano farsi anche Gaetano e Delia in questa quinta regia di Sergio Castellitto che, come di consueto, si poggia totalmente sulle parole e sulle suggestioni di Margaret Mazzantini, sodale (e moglie) dell’autore fin dall’esordio di Libero Burro.
Ed è quanto meno interessante che sia proprio una coppia, sia nell’arte che nella vita, a raccontare la fine di un’altra coppia attraverso due piani, uno sincronico e l’altro diacronico, che si intrecciano.
Se l’impianto del presente è evidentemente teatrale, con un proscenio (il ristorante), un pubblico (i molti commensali) e i due protagonisti al centro, a rappresentare la staticità di un presente bloccato, il dinamismo dei ricordi è invece assicurato da una serie di flashback che, ripercorrendo l’intero arco della loro storia d’amore, concedono maggiore respiro cinematografico all’opera.
Quasi come se i segnali della fine di un sentimento possano rimanere incastrati tra le pieghe dei ricordi, Nessuno si salva da solo prova quindi a cristallizzare l’attimo per procedere a ritroso alla ricerca di un evento, anche infinitesimale, che divida tutto in un prima e un dopo rendendolo più chiaro.
Trattandosi però di vita reale, seppur romanzata per fini drammaturgici, appare chiaro come ciò non sia affatto possibile.
Non sono stati infatti né la routine, né i figli e le responsabilità che comportano, né tanto meno l’infedeltà coniugale a dirottare Gaetano e Delia sulla strada per quel ristorante.
Molto semplicemente è stata la vita.

E di vita, ahinoi, in Nessuno si salva da solo non è che ce ne sia proprio moltissima.
Colpa principalmente della matrice letteraria del film e, in particolare, dello stile della sua autrice, troppo compiaciuto nella costruzione di frasi che vorrebbero denotare spessore, ma che finiscono per allontanarsi drasticamente da ciò che la gente direbbe davvero in contesti similari.
Per carità, l’idea di suggerire incomunicabilità mediante l’uso di battute altamente inverosimili potrebbe andare anche bene,  ma a patto che tu sia Michelangelo Antonioni e, più che al concetto di realismo stricto sensu, sia interessato ad una forma di stilizzazione della realtà.
E non è questo il caso.
Nessuno si salva da solo invece poteva – e in qualche modo doveva – essere il vero sequel emotivo che Baciami ancora non è riuscito ad essere per L’ultimo bacio.
L’evidenza di questa eredità sta tutta nello spaesamento che Scamarcio e Jasmine Trinca – giovani adulti messi di fronte ad una vita che immaginavano diversa –  portano impresso negli occhi per l’intera durata del film e che rende molto bene la sensazione che si ha, a volte, di essere in balia degli eventi senza più alcun potere decisionale.
Ecco, se solo la sceneggiatura si fosse concentrata maggiormente su questo elemento, invece di andare cercando la poesia anche laddove non è affatto detto che poesia debba o possa esserci, forse ora ci troveremmo di fronte a una sorta di Blue Valentine italiano.
Purtroppo non è così ed è un vero peccato.
Perché Castellitto con la macchina da presa è bravo (ma del resto lo aveva già dimostrato) e i momenti migliori del film sono proprio quelli in cui, andando in direzione esattamente contraria rispetto allo script della Mazzantini, si ferma ad osservare i silenzi, lasciando che questi parlino attraverso gli occhi dei protagonisti.
Fino quasi a rendere gli occhi stessi i veri protagonisti del film.

Voto 5

Oscar (Sergio Castellitto) e Armando (Rocco Papaleo) sono facce diverse della stessa solitudine.
Il primo è un avvocato truffaldino sempre pronto a intentare cause basate sul nulla pur di sbarcare il lunario, mentre il secondo è null’altro che un povero disgraziato appena uscito di galera dopo aver scontato una lunga pena per un reato mai commesso.
Tanto Oscar è misantropo e refrattario a qualunque tipo di contatto umano quanto Armando, nonostante gli anni di carcere, nutre ancora un sentimento di fiducia verso il prossimo ai limiti del naif.
Quando i loro mondi entrano in collisione, sulle prime, Oscar pensa di raggirare Armando ma poi, una volta venuto a conoscenza dell’ingiustizia subita da quest’ultimo, tenta di convincerlo a farsi rappresentare per un processo di riapertura del caso che dimostri la sua innocenza e garantisca a entrambi un cospicuo risarcimento.
Da qui ha inizio un’improbabile e comica convivenza tra i due che li porta a indagare sugli eventi che trent’anni prima hanno condotto alla condanna di Armando.
A rendere le cose ancora più complicate c’è Carmen (Valeria Bruni Tedeschi), una bellissima barista che riesce, in qualche modo, a far breccia nel cuore di entrambi.

Dopo i buoni riscontri di E’ stato il figlio, Daniele Ciprì si cimenta per la seconda volta nella regia in solitaria e, per l’occasione, abbandona del tutto il cinismo che lo ha accompagnato sin dai tempi del sodalizio con l’ex socio Franco Maresco, giocando  la carta di un singolare ripescaggio di umori e situazioni tipiche della commedia all’italiana ibridandola però, nello stile, con suggestioni mutuate da oltreoceano, tipiche della migliore tradizione screwball.
L’intuizione, per molti versi già geniale di suo, viene radicalizzata con coraggio dall’autore attraverso due step: l’allontanamento dalla Sicilia – unico baricentro del suo cinema fino a ieri – e l’annullamento di qualsiasi riferimento reale di spazio e tempo.
Il film, interamente girato negli studi di Cinecittà, è ambientato infatti in un contesto urbano palesemente irreale e stilizzato, un “non luogo” che, alla stregua della Parigi di Jean-Pierre Jeunet o della suburbia onirica di Edward mani di forbice, non ha alcun elemento che lo connoti in termini temporali.
I vestiti, gli ambienti e le automobili potrebbero appartenere agli anni quaranta ma, da un certo punto della pellicola in poi, appare chiaro come la ricerca di qualsiasi appiglio con la realtà risulti in realtà pleonastico.
I luoghi abitati da Oscar e Armando sono quelli dell’immaginario, di un cinema che, almeno nella sua forma più pura, non esiste più da tempo e che Ciprì omaggia a più riprese.
Difficile infatti non cogliere i numerosi rimandi a Billy Wilder nelle dinamiche della strana coppia Castellitto/Papaleo o il curioso omaggio a Mel Brooks e al suo Frankenstein Junior posto a suggello di una delle scene più divertenti del film.

E’ talmente estremo il tentativo di Ciprì di produrre un film fuori dall’ordinario, da portarlo a coinvolgere un attore come Castellitto, l’interprete forse più istituzionale (e, per questo, più rassicurante) che ci sia in Italia, per regalargli il suo ruolo più grottesco dai tempi de La Carne di Marco Ferreri.
Ora, al netto delle dissertazioni cinefile, qualcuno adesso potrebbe anche chiedersi semplicemente “Ok, ma il film com’è?”.
E’ strano.
Strano per i suoi personaggi così bislacchi e scollati dalla realtà e strano nel suo essere un lavoro che risulta sperimentale pur parlando il più classico dei linguaggi cinematografici, ossia quello della commedia.
Strano perché flirta con generi poco battuti come il grottesco, la fiaba e il cartoon di cui si serve per aprire l’opera.
Strano perché mai divertente in senso ridanciano (non è, per intenderci, un film di battute) ma informato di una leggerezza sognante e contagiosa davvero inusuale per gli standard nostrani.
Ma, oltre ad essere uno strano oggetto, La buca è anche un film generosissimo di trovate che, proprio in virtù di questa generosità, non è esente da una serie di difetti, sia nella scrittura che negli eccessi caricaturali in cui a tratti cade la recitazione.
Ma sono pur sempre i difetti di un film d’autore che osa senza mai essere ostico e che si assume il rischio di poter piacere a tutti senza mai ricorrere a facili trucchi.
Difetti molto più che perdonabili quindi.

Voto 7