È stato rilasciato Rakka, l’atteso primo corto degli Oats Studios, la nuova casa di produzione di Neill Blomkamp (District 9, Elysium) il cui obiettivo è dar vita a cortometraggi e progetti audiovisivi sperimentali, principalmente fantascientifici, da distribuire gratuitamente, nella speranza che diventino abbastanza “virali” da portare a un vero finanziamento per un lungometraggio.

Il minifilm, che dura circa 20 minuti ed è pieno di effetti visivi, include nel cast anche Dakota Fanning e Sigourney Weaver (quest’ultima orfana, insieme allo stesso Blomkamp di un Alien 5 che, per volere di Ridley Scott, non vedrà mai la luce).

Fondamentale poi per il buon esito del progetto, la scelta delle piattaforme su cui distribuire i cortometraggi: non solo YouTube, ma anche Steam, prima piattaforma di distribuzione digitale di giochi per Windows, Mac e Linux.

Rakka è ambientato nell’anno 2020, un futuro a noi molto vicino, in cui una razza di rettili alieni, al fine di dominare totalmente il nostro pianeta, ha ucciso milioni di esseri umani e realizzato enormi strutture, oltre ad effettuare crudeli sperimentazioni sui poveri superstiti.

“Questa è una storia come tante, comincia con un ragazzo troppo grande per essere un bambino e troppo piccolo per essere un uomo“.

Nonostante sfiorino sempre il dramma (come accadeva nei precedenti The Orphanage e The Impossible), le opere di Juan Antonio Bayona esibiscono un fascino gotico e straniante che inquieta e seduce come poche altre. In Sette minuti dopo la mezzanotte il regista spagnolo adatta l’omonimo romanzo di Patrick Ness (sceneggiatore del film) calibrando con raffinato equilibrio questo racconto dalle rilevanti metafore, puntando sulle atmosfere dark, su una sorprendente potenza visiva e su elementi fantastici funzionali a una storia sull’elaborazione del lutto e sul passaggio all’età adulta.
Ispirandosi alle suggestioni del suo padre putativo Guillermo del Toro, ma superandole e arricchendole di escamotage narrativi e nuove fascinazioni visive, Bayona continua dritto per la propria strada, sempre più intenzionato a raccontare storie oscure e incentrate su accadimenti difficili da metabolizzare come può esserlo la morte di una persona cara.

Si fatica a credere che le storie narrate dopo la mezzanotte accadano realmente: le ore buie proiettano la fiaba nel sogno e non si capisce se il gigantesco mostro (Liam Neeson nella versione originale) che emerge da un vecchio e imponente albero Sette minuti dopo la mezzanotte sia frutto dell’immaginazione del dodicenne Conor (Lewis MacDougall) oppure no. Eppure il ragazzo è convinto che il gigantesco albero antropomorfo alto 12 metri sia reale, soprattutto perché è stato a lui a evocarlo per sfuggire alla solitudine. E il mostro si presenta, puntuale ogni sera, alla finestra della sua cameretta a raccontare storie fantastiche che Conor ascolta, dimenticando per un attimo la malattia terminale della madre (Felicity Jones), la severità della nonna (Sigourney Weaver), la distanza emotiva e geografica del padre (Toby Kebbell) e il bullismo di cui è vittima a scuola. Senza tralasciare il fatto che ha stretto un patto col mostro: alla fine del ciclo di fiabe, toccherà a lui raccontare la sua “verità”.

L’intera trama di Sette minuti dopo la Mezzanotte (arricchita dalle splendide sequenze animate dale integrazioni di disegni e acquarelli di Jim Kay, già illustratore per Harry Potter) converge verso un esito finale che svela il significato profondo dei racconti notturni dell’albero. Ci si perde, come accade a Conor, tra ciò che sembra e ciò che è, tra la fantasia e la realtà, mentre si percepisce in modo tangibile tutta la fatica di crescere. È a quel punto che la mente può giocare brutti scherzi, iniziando a credere a bugie confortanti mentre conosce le dolorose verità che rendono necessarie quelle bugie. Niente è come sembra, dalle storie raccontate dal mostro a quello che accade al ragazzo, perché la verità non è mai una sola ed è complessa. Più di quanto immaginiamo. Sempre.
Bayona è un maestro nel ricreare le atmosfere (perfetta la fotografia Oscar Faura) e i sentimenti del giovane protagonista imprigionato in una sorta di limbo, uno spazio ibrido della sua vita che sembra stringerglisi al collo togliendogli il respiro, e Lewis MacDougall è di una tenerezza disarmante nell’interpretarlo. Come anche il resto del cast, da nonna Sigourney Weaver a mamma Felicity Jones. E poi c’è il mostro, un essere inizialmente distaccato che si fa largo nella storia sempre più, fino a diventare l’elemento fondamentale nella crescita di Conor.
È un mondo triste, quello di Bayona, sempre pieno di malinconia e di rimpianti, ma è anche un mondo autentico e primigenio in cui è sempre bello perdersi e ritrovarsi.

Voto 7,5

È stato rilasciato in rete il primo trailer ufficiale di The Assignment, nuovo lavoro di Walter Hill, che non ha ancora una data di uscita. Protagoniste di questo revenge movie, due donne tostissime come Michelle Rodriguez e Sigourney Weaver.

La sinossi: Michelle Rodriguez è Frank Kitchen, sicario della mafia che, ingannato da alcuni gangster, finisce nelle mani di un chirurgo folle chiamato ‘The Doctor’ (interpretato da Sigourney Weaver) che lo trasforma in una donna per redimere il killer. L’ex hitman, ora hitwoman, cerca vendetta, anche grazie all’aiuto de misterioso infermiere Johnnie.

Il film, quando ancora si chiamava Tomboy, A Revenger’s Tale, è stato presentato al Festival di Toronto senza riscuotere molto entusiasmo da parte della critica. Noi però, che siamo da sempre fan di Walter Hill, non vediamo l’ora di vederlo.

E’ stato diffuso in rete il teaser trailer di A Monster Calls, trasposizione cinematografica dell’omonimo romanzo di Patrick Ness (in Italia Sette minuti dopo la Mezzanotte) diretta da Juan Antonio Bayona (The Impossible, The Orphanage).

Il film, sceneggiato dallo stesso Ness e che sarà nelle sale americane a ottobre 2016, vede nel cast Liam Neeson, Lewis MacDougall, Felicity Jones, Toby Kebbell, e Sigourney Weaver.

La sinossi del libro: Il mostro si presenta sette minuti dopo la mezzanotte. Proprio come fanno i mostri. Ma non è il mostro che Conor si aspettava. Il ragazzo si aspettava l’orribile incubo, quello che viene a trovarlo ogni notte da quando sua madre ha iniziato le cure mediche. Conor si aspettava l’entità fatta di tenebre, di vortici, di urla… No. Questo mostro è un po’ diverso. È un albero. Antico e selvaggio. Antico come una storia perduta. Selvaggio come una storia indomabile. E vuole da Conor la cosa più pericolosa di tutte. La verità.

Dopo il dimenticabile The Counselor, Ridley Scott torna su un terreno a lui decisamente più congeniale, quello del peplum, genere che nel 2000 ha saputo rilanciare con uno dei kolossal di maggior successo di sempre, Il Gladiatore. Ed è proprio alla luce della pellicola con Russell Crowe che Exodus: Dei e Re va inquadrato. E’ chiaro sin dalla prima scena infatti che Scott non aveva alcuna intenzione di raccontare l’Esodo a modino, riportando fedelmente quello che è scritto nella Bibbia, ma che piuttosto voleva trovare un nuovo ambizioso progetto da dirigere, che fosse in grado di rievocare e, perché no, anche di bissare, il successo ottenuto con Il Gladiatore: la storia di un personaggio forte ma modesto, leader carismatico e leale in grado di guidare le masse alla ribellione nei confronti di un tiranno.

Mosè (Christian Bale), principe d’Egitto, ebreo di nascita, cresciuto e allevato nella casa del faraone Sethi assieme al figlio legitimo, nonché futuro faraone Ramses (Joel Edgerton), scopre di essere il condottiero che realizzerà il più grande progetto divino della storia dell’umanità: l’esodo del popolo ebraico, schiavo da 400 anni, verso la terra promessa. Un viaggio che porterà Mosè a scontrarsi ripetutamente contro quello che prima era per lui come un fratello, affrontando pericoli, guerre, carestie e pestilenze. La fuga dall’Egitto sterminato dalle piaghe attraverso il deserto e le acque del Mar Rosso, fino ad arrivare alla consegna delle tavole dei dieci comandamenti sul monte Sinai.

Massimo Decimo Meridio era il generale che diventò uno schiavo e lo schiavo che diventò un gladiatore, più o meno quello che è Mosè, con i dovuti distinguo. Se lì c’era l’imperatore Marco Aurelio che, a un passo dalla morte, decide di affidare il potere nelle mani del generale Maximo, qui c’è il faraone Seti (John Turturro) che confessa a Mosè di preferirlo al figlio legittimo Ramses (un bravissimo Joel Edgerton). Lì l’allontanamento dell’eroe dal suo popolo passava attraverso la schiavitù e il successivo addestramento da gladiatore di Massimo, qui invece attraverso il periodo in cui Mosè conosce e sposa Zippora e vive da pastore alle pendici del monte Oreb, immediatamente prima che Dio gli si palesi sotto forma di un bambino capriccioso.

Nelle due ore e mezza di durata di Exodus, assistiamo ad allestimenti impressionanti, scene mozzafiato (concentrate per lo più nella seconda parte della pellicola), un suggestivo 3D che non è mero strumento tecnico, ma conferisce profondità e intensità a gran parte della storia e poi a numerose scelte sbagliate che inevitabilmente compromettono il risultato finale. Tra queste un Mosè in piena nevrosi, guidato da un Dio bambino dall’indole determinata e piuttosto vendicativo e una rappresentazione del popolo egiziano eccessivamente patinata che vira talmente al kitsch da far sembrare I 10 Comandamenti di Charlton Heston una ricostruzione obiettiva di quel periodo storico.
Ma quello che funziona meno in Exodus: Dei e Re sono i dialoghi. Sceneggiata da Steven Zaillian, Oscar per Schindler’s List che già aveva lavorato con Scott per Hannibal e American Gangster, la pellicola da 140 milioni di dollari di budget sprofonda in alcuni punti proprio quando la macchina da presa stringe sui volti degli attori, passando dall’universale al particolare, soffermandosi su dei siparietti familiari francamente inascoltabili. Ed è un gran peccato perché questa volta speravamo proprio di poter ammirare ancora una volta lo sguardo prezioso, esperto e consapevole del regista inglese al fianco del suo indiscutibile reparto tecnico non solo per venti minuti, ma per tutto il film.

Voto 5