Nel vederla in Wild, ultima pellicola di Jean-Marc Vallée, per cui è stata giustamente candidata all’Oscar, Reese Witherspoon ci aveva fatto venire i sensi di colpa per tutto quello che avevamo detto (e pensato) di lei quando, nel 2006, era salita sul palco dell’Academy a ritirare l’Oscar per Walk the Line. Una statuetta assolutamente immeritata (in lizza quell’anno c’erano la Judi Dench di Lady Henderson presenta e la Felicity Huffman di Transamerica), che sarebbe stata molto meglio tra le febbrili mani del suo compagno di set Joaquin Phoenix. Una rivincita per la Legally Blonde Reese, che ultimamente è diventata anche una produtrice di successo (Gone Girl, Wild e una serie di altri progetti piuttosto ambiziosi in fieri).

Tutto questo, però, accadeva prima di Fuga in tacchi a spillo, senza se e senza ma una delle commedie peggiori dell’anno. Il rocambolesco e strampalato road trip della poliziotta ligia e imbranata (Witherspoon) e della procace moglie-trofeo di un narcotrafficante pentito (Sofia Vergara) per le polverose strade texane, inseguite da sicari senza scrupoli e poliziotti corrotti, non convince neanche per un minuto, anzi in alcuni momenti riesce persino ad essere fastidioso, tanto è mediocre.

Gag trite e ritrite, reiterate più volte quasi a voler essere assolutamente certi che il malcapitato spettatore abbia capito fino in fondo l’assoluta inutilità del senso di quello che ha appena visto, uno script di una semplicità tale che rasenta la banalità e le due protagoniste che sembrano divertirsi a interpretare le macchiette di loro stesse. Dopo 27 volte in bianco e Ricatto d’amore Anne Fletcher realizza un’altra commedia mediocre e davvero ci si chiede come mai non sia rimasta a fare la coreografa, cosa che le riusciva piuttosto bene (Boogie Nights, Hairspray, Step-Up) invece di giocare a fare la regista.

Voto 2

Mangialo piano. Dopo non sarà mai più la prima volta.

Uscito nelle sale italiane il 30 luglio ed incredibilmente in sincrono con la stagione (fa piacere, visto che, normalmente, ci impongono film natalizi a ferragosto), Chef – La ricetta perfetta è diretto ed interpretato da Jon Favreau che, dopo i primi due episodi di Iron Man (2008 e 2010), Cowboys & Aliens (2011) e la serie televisiva Revolution (2012) torna alla regia con questo divertissement in agrodolce che vede riunito tra i fornelli proprio il trio di Iron Man.

Lo stesso Favreau che in questa produzione è anche autore della sceneggiatura, ha dichiarato:  “Ho trovato molte somiglianze tra il mondo del cinema e quello culinario. In entrambi i casi si ha a che fare con un processo creativo, il mio personaggio vuole essere originale nel suo regno, la cucina, che poi è quello che succede ad un attore davanti alla macchina da presa”.
La moglie dello chef è interpretata dalla modella ed attrice colombiana Sofia Vergara (Machete Kills). Ruolo piattissimo, come tutti quelli femminili in questo film nettamente maschiocentrico (padre, figlio, amici e colleghi del padre, il critico), ma lei rimane, come sempre, di una bellezza irreale.

Nei panni dell’implacabile ed apparentemente acidissimo critico culinario, il gigantesco e bonario Oliver Platt (era il corpulento ed onnisciente avvocato della Casa Bianca nella splendida The West Wing), il cui nome nel film suona come una marchetta che gli autori si sarebbero potuti tranquillamente risparmiare: Ramsey Michel. Spottone rimarcato dalla svampita esperta di PR, nella scena in cui propone all’irato chef di partecipare ad Hell’s Kitchen la cui star indiscussa è…appunto.

Una prima ora praticamente insignificante (riuscire a non renderla piccante avendo a disposizione ingredienti di gran pregio come Dustin Hoffman, Scarlett Johansson e Robert Downey Jr. è stata un’impresa, in negativo, ai confini della realtà) lascia spazio a 46? di grande cinema indie in cui Favreau torna alle origini (era Eric il Clown nel leggendario Seinfeld e Pete Becker in Friends, tanto per citarne un paio), agganciando lo spettatore alla poltrona in un flusso di immagini che, nonostante ci si trovi ad anni luce di distanza da Big Night, merita assolutamente la visione.
Un’ulteriore chicca ed il vero punto forte di questo film è il bimbo nativo digitale (un’eccezionale Emjay Anthony, modello da quando aveva quattro anni e già apparso in produzioni importanti come The Mentalist e Grey’s Anatomy) che ci regala uno spaccato sui social decisamente esilarante, con un pizzico di Stand by Me. Chi di noi, infatti, non avrebbe voluto, a dieci anni, viversi un’estate on the road attraversando gli USA con il proprio papà chef cucinando, mangiando e ridendo insieme…sino a tuffarsi nelle immortali note di New Orleans?
Una leggera, perfetta, scanzonata visione di inizio agosto.

Voto 6

(www.binarioloco.it)

QUI la videointervista a John Turturro

Chi l’ha detto che per essere un tombeur de femmes bisogna essere sexy come Richard Gere? Ne sa qualcosa John Turturro, attore, sceneggiatore e regista di origini pugliesi, che in Gigolò per caso tenta, riuscendoci, di rilanciare l’immagine del gigolò cinematografico, notoriamente tutto muscoli e sex appeal, umanizzandolo e rendendolo più incline a soddisfare quelle che sono le reali richieste delle clienti.

Nella pellicola da lui diretta e interpretata, Turturro è Fioravante, un uomo di mezza età che vive a Brooklyn ed è costretto a fare più lavori per arrivare alla fine del mese. Finché il suo amico Murray (Woody Allen), anche lui sommerso dai debiti e costretto a chiudere la storica libreria di famiglia, non lo coinvolge in un curioso affare. Per sbarcare il lunario, i due decidono così di cimentarsi nel mestiere più antico del mondo: Fioravante come gigolò, Murray come pappone. Fra avvenenti signore a caccia di emozioni forti (Sharon Stone e Sofia Vergara) e incontri ben più casti con Avigal (Vanessa Paradis), timida vedova chassidica di un rabbino, Fioravante e Murray capiranno presto che il mondo dei gigolò non è poi così semplice come immaginavano.

Sullo sfondo di una New York multietnica e colorata gentilmente fotografata da Marco Pontecorvo, già collaboratore di Turturro in Passione, la vicenda si dipana fluida tra battute divertenti e un pizzico di amara nostalgia, con le vecchie botteghe costrette a chiudere (come la libreria di Murray) divorate dalla crisi e dal nuovo che avanza.

Turturro (al suo quinto film dietro la macchina da presa dopo Mac, Illuminata, Romance & Cigarettes e il succitato  Passione), con una delicatezza e un tatto rari, riesce a infondere nella figura del gigolò, un’umanità e una dolcezza esemplari. Il suo Fioravante piace alle donne non tanto per l’avvenenza fisica che, bisogna ammetterlo, non è esattamente la sua principale arma a disposizione , quanto per la capacità di ascoltarle e di farle sentire amate e desiderate. Ma la vera rivelazione di questa piccola deliziosa pellicola è Woody Allen che, come è noto, ormai difficilmente si lascia dirigere da altri registi e che trova nel ruolo del libraio furbacchione un personaggio tanto divertente da sembrare uscito da una delle sue migliori commedie. Anche il cast femminile si difende bene con Sharon Stone, Sofia Vergara e Vanessa Paradis (qui al suo primo ruolo in lingua inglese), tutte straordinariamente in parte.

Voto 7

Uscirà nei cinema americani il prossimo 9 maggio Chef, commedia di e con Jon Favreau. La storia ruota intorno alla vicenda di uno chef (Favreau), che dopo aver perso il lavoro deve trovare un nuovo scopo nella propria vita. A Miami inizia a collaborare con la sua ex-moglie (Sofia Vergara), il suo amico (John Leguizamo) e suo figlio per lanciarsi nello street-food. Cercherà di ritrovare la passione di un tempo e a ispirarlo ci penserà Molly (Scarlett Johnsson) proprietaria di un altro ristorante, a cui il protagonista non rimarrà del tutto indifferente. Nel cast anche Oliver Platt, Bobby Cannavale, Dustin Hoffman e Robert Downey Jr.

Come promesso dalla dicitura “continua” posta in calce al primo film dedicato all’agente federale messicano, Robert Rodriguez (Dal tramonto all’alba, Sin City) torna sul luogo del delitto e ci regala un secondo capitolo delle avventure di Machete (Danny Trejo).
Sconvolto dalla morte della propria compagna, avvenuta sotto i suoi occhi, Machete viene assoldato dal Presidente degli Stati Uniti in persona (un divertente e divertito Charlie Sheen) per salvare la Casa Bianca dalle minacce di un folle criminale messicano che pare essere in possesso di un ordigno nucleare. In cambio gli viene offerta la cittadinanza americana e una fedina penale pulita.
Da qui in avanti la trama del film è tutta racchiusa nel suo stesso titolo: in buona sostanza Machete uccide più o meno chiunque gli si pari davanti nel corso dello svolgimento della sua missione.
Strutturato come una folle corsa contro il tempo – il timer della bomba ne scandisce interamente la durata – Machete Kills riprende tutti i leitmotiv del primo Machete e li amplifica a dismisura. Rodriguez costruisce così un altro piccolo gioiello di furia iconoclasta lavorando semplicemente per accumulo. Quindi più sangue, più esplosioni, più risate e più star coinvolte, anche in ruoli assolutamente marginali.
Ed è una vera gioia per gli occhi.

Segnato dai numerosi solchi che costellano il volto dell’esageratamente inespressivo Trejo, Machete Kills fuga ben presto ogni residuo sospetto sulla sua supposta natura ludica; è evidente infatti come qui non ci si trovi di fronte ad un semplice divertissement cinefilo, ma si tratti bensì del definitivo punto di non ritorno di un’operazione filologica iniziata molti anni fa e che ha segnato tutta la carriera di Rodriguez, sin dal primo, ultra-indipendente El Mariachi.
Metatestuale e multilivello come può esserlo una puntata dei Griffin, Machete Kills è la quintessenza del film di recupero. Recupero sia geografico – alcune location sembrano davvero set dismessi – che fisico. La devozione con cui l’autore messicano assolda talenti altrove considerati ingestibili (Lindsay Lohan nel primo Machete) o attori considerati finiti (l’autoironico villain Mel Gibson)  è quasi commovente, esemplificativa di un modo di intendere il cinema che va ben oltre le pure logiche di mercato e che ricorda molto da vicino l’anarchica poetica loser di Peckinpah.
Solo apparentemente sciatto – come i film che intende omaggiare – Machete Kills è in realtà un’operazione coltissima, un calderone pop in cui riescono a convivere amabilmente suggestioni tex-mex, istanze politiche (il discorso legato all’immigrazione clandestina è onnipresente) e quel mix di erotismo e violenza, tipico dell’exploitation, e ormai marchio di fabbrica di Rodriguez.

Con questo piccolo capolavoro pieno zeppo di citazioni e di richiami ai suoi precedenti film – il reggiseno mitragliatore di Sofia Vergara, ad esempio, è una naturale evoluzione della protesi di Roese McGowan in Planet Terror – Robert Rodriguez  aggiunge dunque un ulteriore tassello a una filmografia che è un modello di coerenza stilistica e narrativa, al pari di quella del suo mentore e sodale Quentin Tarantino, con cui condivide alcune fascinazioni, declinate però in maniera quasi antitetica.
Laddove infatti Tarantino opera una riscrittura integrale dei generi, trasgredendo di continuo alle loro regole interne fino a ridefinirne i contorni, Rodriguez è più dogmatico e quelle regole le rispetta alla lettera, forzandone giusto i limiti dall’interno, dando quasi l’impressione di non sapere dove questo lo porterà.
Appare chiaro quindi come adesso l’attesa del secondo, già da tempo annunciato, capitolo di Sin City si faccia ancora più spasmodica.

Voto 8