Anche quest’anno una selezione di film della Mostra di Venezia arriva a Roma per la rassegna organizzata da Anec Lazio con il sostegno dell’Assessorato alla Cultura, Creatività e Promozione Artistica di Roma Capitale, dell’Assessorato alla Cultura e Politiche Giovanili della Regione Lazio, e della Direzione Generale per il cinema del MiBACT. La rassegna, nella quale sono stati inseriti anche alcuni titoli del Festival di Locarno, sarà ospitata in 12 cinema di Roma: Adriano, Alcazar, Barberini, Eden Film Center, Farnese Persol, Intrastevere, Mignon, Nuovo Olimpia, Nuovo Sacher, Quattro Fontane, Savoy e Tibur. E, grande novità di quest’anno, anche in cinque sale sul territorio laziale: Palma di Trevignano, Etrusco di Tarquinia, Corso di Latina, Moderno di Rieti e Royal di Civitavecchia.

Tra i quarantanove titoli programmati, tutti rigorosamente in versione originale con sottotitoli italiani, arrivano da Locarno il vincitore del Pardo d’oro From what is Before del regista filippino Lav Diaz, il Premio Speciale della Giuria Listen up Philip di Alex Ross Perry e il nuovo film di Lasse Hallstrom The Hundred-Foot Journey (Amore, Cucina e Curry). Da Venezia71 provengono invece il vincitore del Gran Premio della giuria The look of silence di Joshua Oppenheimer, Sivas del regista turco Kaan Mujdeci Premio Speciale della Giuria, Ghessea di Rakhshan Banietemad premiato per la Migliore Sceneggiatura e Le dernier coup de marteau di Alix Delaporte. Ma ci saranno anche titoli mainstream quali Birdman di Alejandro González Iñárritu, Anime nere di Francesco Munzi, Pasolini di Abel Ferrara, Tsili di Amos Gitai, Senza nessuna pietà di Michele Alhaique con Pierfrancesco Favino, La vita oscena di Renato De Maria, Perez di Edoardo De Angelis, The Humbling di Barry Levinson con Al Pacino, 3 Coeurs di Benoit Jacquot con Charlotte Gainsbourg e Chiara Mastroianni, Buryng the Ex di Joe Dante e l’opera corale Word with Gods.

Roy Andersson

Terminata da pochi minuti la cerimonia di premiazione della 71° edizione della Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia. A fare gli onori di casa, la madrina Luisa Ranieri e il presidente di giuria, il compositore Alexandre Desplat.

Ecco tutti i premiati.

Premio Venezia Classici

Miglior Documentario sul Cinema – Animata Resistenza
Miglior Classico Restaurato – Una Giornata Particolare di Ettore Scola

Premio Venezia Opera Prima Luigi De Laurentiis – Court di Chaitanya Tamhane

Orizzonti

Miglior Corto – Maryam
Miglior Interpretazione – Emir Hadzihafizbegovìc per These Are the Rules
Premio Speciale della Giuria – Belluscone
Miglior Regia – Theeb
Miglior Film – Court

Venezia 71

Premio Speciale della Giuria – Sivas di Kaan Mujideci
Miglior Sceneggiatura – Ghesseha di Rakhshan Benietemad
Premio Mastroianni a un giovane attore – Romain Paul per Le Dernier Coup de Marteau
Coppa Volpi per la Miglior Interpretazione Maschile – Adam Driver per Hungry Hearts
Coppa Volpi per la Miglior Interpretazione Femminile – Alba Rohwacher per Hunghy Hearts
Gran Premio della Giuria – The Look of Silence di Joshua Oppenheimer
Leone d’Argento per la Miglior Regia – Andrej Koncaloskij per The Postman’s White Nights
Leone d’Oro per il Miglior Film – A Pigeon Sat on a Branch Reflecting on Existence di Roy   Andersson

Avrà anche vivacizzato la passerella e spostato il baricentro della Mostra nuovamente verso territori più mainstream, ma il Cymbeline di Michael Almereyda, che torna a confrontarsi con Shakespeare e ad aggiornarlo con gli stessi discutibili esiti di Hamlet 2000, è stato accolto da fischi finora rimasti relativamente contenuti nelle sale del Lido.

Vuoi per un testo di partenza debole – e infatti raramente rappresentato, vuoi per una coltre di attori male assortiti (i giovani, Anton Yelchin e Dakota Johnson, sono a dir poco pietosi, Ethan Hawke rispolvera tormenti amletici senza impegnarsi troppo e Milla Jovovich come regina cattiva è di rara cagneria), vuoi per le solite attualizzazioni gratuite, il risultato è un autentico disastro e pianta il chiodo definitivo sulla bara della già poco brillante sezione Orizzonti.

Retour à Ithaque

Non va meglio nelle Giornate degli Autori, nella quale la Palma d’Oro Laurent Cantet conferma il suo momento di stanca con le ciarle piagnucolose e para-generazionali di Retour à Ithaque (di imminente uscita in sala in Italia): che il prodigio in grado di regalarci capolavori come Risorse umane o La classe fosse anche capace di trascendere tristemente in territori à la Salvatores e di dare vita a un Grande freddo lagnoso, stereotipato e putrefatto – sembra a tratti di assistere al film fasullo visto da Nanni Moretti in Caro diario (“Siamo invecchiati, siamo inaciditi, siamo disonesti nel nostro lavoro…“) – era al di là di ogni concepibile immaginazione. Fra i cinque insostenibili cinquantenni a rimuginare a ruota libera su una terrazza de L’Avana, interpretati nonostante tutto da attori professionisti, è davvero difficile scorgere un lampo di autenticità o qualcosa di più di un sistema ammuffito di archetipi da ABC dell’aspirante sceneggiatore (il cafone arricchito, l’alcolizzato redento, la bella sfiorita e via discorrendo). Nell’apparato dell’operazione, che si svolge praticamente in tempo reale in due soli ambienti, si intuisce ancora il mestiere registico del Cantet che fu, ma tutto il resto fa cadere le braccia e spegne ogni voglia di appassionarsi e di partecipare.

Qin Hao, Wang Xiaoshuai e Lu Zhong per Red Amnesia

Decisamente meglio fa l’unico partecipante cinese del Concorso, l’impegnativo Red Amnesia: dopo il più metaforico 11 Flowers, il quarantottenne Wang Xiaoshuai torna a riflettere sulle scomodissime eredità della Rivoluzione Culturale virando addirittura in insospettabili territori mystery con tanto di telefonate anonime, episodi di stalking e persecuzioni assortite. La storia scorre con qualche evitabile lungaggine – le quasi due ore di durata si sentono tutte – e con cambi di registro a volte stonati (le apparizioni fantasmatiche, i tentativi di jump scare, le scene oniriche), ma quando si arriva gradualmente allo scioglimento più tragicamente reale e plausibile possibile, si capisce che l’intento di Xiaoshuai è ancora una volta di natura coraggiosamente storico-politica. Una bella sorpresa, dunque, che peraltro trascina una protagonista straordinaria come la rivelazione settantaquattrenne Lü Zhong verso una Coppa Volpi ormai scontata.

Atteso quanto temuto, approda in Sala Darsena la mattina seguente il Pasolini di Abel Ferrara, che fa sprofondare nuovamente il Concorso negli abissi raggiunti solo dal terribile The Cut di Fatih Akin. Il maestro di Fratelli, i cui apici di carriera a questo punto viene lecito accreditare al contributo fondamentale del compianto Nicholas St. John, si rivela essere la scelta più sbagliata e pretenziosa per tentare l’impresa sciagurata di tradurre in immagini gli ultimi sogni e progetti dell’intellettuale romagnolo (soprattutto il romanzo Petrolio e il film Porno-Teo-Kolossal, con un metacinematografico Ninetto Davoli nei panni del protagonista destinato a Eduardo de Filippo) e ciò che ne esce è un pasticcio indegno minato da idee registiche biasimevoli.

Willem Dafoe, Adriana Asti, Ninetto Davoli, Abel Ferrara e Riccardo Scamarcio

Come i dialoghi introdotti timidamente in italiano e condotti poi interamente in inglese con risultati ridicoli (tanto valeva puntare all’artificio puro con la lingua di Albione dall’inizio alla fine o scegliere interpreti esclusivamente nostrani), da scelte di casting scellerate (Willem Dafoe, assolutamente inadeguato e cane come al solito, è solo un tizio truccato da PPP con una voce inaccettabilmente cavernosa, la Laura Betti di Maria de Medeiros è pura macchietta e il Ninetto Davoli di uno spaesatissimo Riccardo Scamarcio fa venire i conati), da una pressoché totale mancanza di rispetto per la materia (le sventagliate presunte certezze di Ferrara sull’omicidio all’Idroscalo si traducono in puri vaneggiamenti e in un cinico massacro) e dall’arroganza senza pari di un autore che si sente onnipotente nel suo concretizzare l’incompiuto e che invece ha da tempo perso ogni lucidità.
Un obbrobrio indecente, insomma, reso ancora più insopportabile dalle sue fallite intenzioni celebrative.

Martin Gschlacht, Veronika Franz e Ulrich Seidl

Si recupera in Palabiennale uno dei protagonisti Fuori Concorso della rassegna, il documentario Im Keller del provocatore viennese Ulrich Seidl (già Premio Speciale della Giuria a Venezia69 con lo scandaloso Paradiso: Fede): con il suo usuale stile distaccato e sardonico caratterizzato da ineludibili long take fissi e frontali, l’autore di Canicola si aggira fra i territori inesplorati e insospettabili delle cantine austriache, sguazzando come un monello nelle pozzanghere in un microcosmo di schifo quotidiano a base di melomani beoni neo-nazi, feticisti di piogge dorate e di tazze del water, dominatrix semi-frigide, attiviste masochiste, ciccioni, vecchiacce inquietanti, derelitti e altri casi umani. La chiave di tutto è un senso di grottesco spinto ancora una volta verso un punto di non ritorno sempre più avanti del capitolo filmografico che lo precede, consapevolmente aberrante e compiaciuto ma con l’indubbia capacità di mostrare l’impresentabile e di dare un nome inquietantemente simile al nostro il passo successivo (e inevitabile?) della degradazione antropologica.
Im Keller, oggetto alieno e assolutamente ingiudicabile, chiude la mattinata come un mattone in piena bocca e ci permette di continuare la Mostra con la certezza di esserci lasciati il peggio – non dal punto di vista artistico, si intenda – alle spalle.

Paolo (Luigi Lo Cascio) e Massimo (Alessandro Gassman) sono due fratelli con caratteri molto diversi, quasi agli antipodi.
Il primo, chirurgo pediatra, ha una visione della vita in cui bene e male sono distinti in maniera piuttosto manichea, mentre l’altro è più abituato alle scale di grigi e dotato di tutto il cinismo necessario per svolgere al meglio il mestiere di avvocato.
Nonostante abbiano così poco in comune, Paolo e Massimo conservano ormai da anni l’abitudine di cenare una volta al mese, nello stesso ristorante, insieme alle rispettive consorti (Giovanna Mezzogiorno e Barbora Bobulova) che a stento riescono a celare la reciproca antipatia.
Questo fragile equilibrio implode la sera in cui la trasmissione “Chi l’ha visto?” manda in onda le immagini, riprese da una telecamera di sorveglianza, che mostrano due ragazzi molto simili ai loro figli adolescenti, mentre picchiano selvaggiamente una senzatetto fino a ridurla in coma.
Dopo l’iniziale e comprensibile incredulità, le due coppie cercano di affrontare, ognuna a suo modo, le conseguenze che quel gesto sconsiderato potrebbe avere sulle loro vite, ritrovandosi a interrogarsi su quanto poco conoscano le rispettive realtà familiari.

Ivano De Matteo, già autore degli interessanti La bella gente e Gli equilibristi, adatta liberamente il romanzo di Herman Koch La cena per il grande schermo e produce un’opera ambiziosa e complessa, anche se imperfetta.
Sin dalle prime scene è infatti evidente come l’attenzione del regista sia molto più focalizzata sulla descrizione dei contesti sociali e umani in cui i due fratelli si trovano ad agire che non sul plot vero e proprio.
De Matteo, che ha presentato il film alle Giornate degli Autori a Venezia 71 nei giorni scorsi, inizia col mostrarci due famiglie solo apparentemente perfette per poi divertirsi a intaccarne dall’interno la patina, evidenziandone le numerose crepe, fatte di cene sul divano e frasi smozzicate, pronunciate da adolescenti di ritorno da scuola e ormai in totale balìa dei social network.
La tazza sbeccata di cui parlava Moretti ne La stanza del figlio è diventata, a distanza di pochi anni, una voragine incolmabile che si riflette nell’amara rassegnazione con cui questi “giovani” genitori osservano i propri figli come se fossero piccoli sconosciuti con cui è impossibile comunicare, ma di cui andare comunque sempre orgogliosi.
E, in maniera simile, De Matteo è talmente innamorato dei suoi personaggi da dilungarsi forse un po’ troppo ad osservarli vivere, parlare, lavorare per poi rendersi conto, quando il film è ormai quasi finito, di non avere più il tempo necessario a chiudere la storia in modo netto.

Ciò non toglie che I nostri ragazzi sia in buona parte riuscito, soprattutto nel suo porre una domanda assai scomoda (sostanzialmente: che faremmo se una cosa del genere accadesse a noi?) e rispondere come in pochissimi sarebbero disposti a fare.
Piace della pellicola lo stile visivo elegante e, al tempo stesso, freddo come gli ambienti in cui abitano i personaggi e pieno di guizzi citazionisti, dal potente prologo che ricorda la scena iniziale de Il maratoneta di John Schlesinger fino a un finale che, senza dir nulla che possa rovinare il piacere della visione, rimanda direttamente a Roman Polanski e al suo L’uomo nell’ombra.
E non appaia peregrino il riferimento al regista polacco in quanto, in più di un’occasione, il confronto tra i quattro protagonisti del film (tutti molto bravi, con Alessandro Gassman una spanna sopra gli altri) può in effetti riportare alla mente, pur senza toccarne le vette, gli scontri verbali di Carnage.
Ecco, semmai spiace che De Matteo non abbia lavorato maggiormente sulla dimensione orrorifica del racconto (perché in fin dei conti di horror si tratta) e non abbia permesso alle correnti interne al film di deflagrare liberamente piuttosto che ripiegare su un intimismo che, di fatto, contribuisce ad appesantire la seconda parte dell’opera.
I nostri ragazzi paga inoltre il prezzo di arrivare dopo il bellissimo Il capitale umano di Virzì che, partendo da tematiche tutto sommato similari, riusciva a osare di più sia in termini di cattiveria che di critica sociale pura.

Voto 6