E’ il film Elle dell’olandese Paul Verhoeven il trionfatore della 42esima edizione dei Premi César, gli oscar francesi del cinema che sono stati assegnati ieri sera al Théâtre du Châtelet di Parigi.

Isabelle Huppert e Paul Verhoeven

La pellicola ha visto trionfare anche Isabelle Huppert come miglior attrice mentre il miglior regista è il giovane canadese Xavier Dolan per È solo la fine del mondo. Film premiato anche per il miglior montaggio e per il miglior protagonista, Gaspard Ulliel.

Xavier Dolan

Il premio al miglior attore non protagonista lo ha vinto James Thierrée per Mister Chocolat mentre Déborah Lukumena ha portato via quello alla Migliore attrice non protagonista per Divines. Io, Daniel Blake di Ken Loach si è imposto nella categoria Miglior film straniero mentre l’italiano Fuocoammare, di Francesco Rosi, è stato battuto da Merci Patron!, del regista François Ruffin, nella categoria Miglior documentario.

Il Premio César onorario, quest’anno, è andato a George Clooney, accompagnato dalla moglie Amal, in dolce attesa di due gemelli e in splendida forma con un abito molto chic firmato Versace. Da buon democratico, Clooney, che ha ricevuto il premio dal suo collega e amico Jean Dujardin, ha colto l’occasione per pronunciare un discorso anti Trump senza mai nominare il nome del Presidente USA.

George Clooney reçoit le César d’honneur, et il… di CinemaCanalPlus

Il Mad Max: Fury Road di quest’anno.
Paul Greengrass e Matt Damon tornano insieme per questo  quinto film della saga di Bourne e se ne escono con un capolavoro di sperimentazione febbrile mascherato da blockbuster. Un film tutto incentrato sulla dispersione prospettica e sulla costruzione di scene inimmaginabili in cui il protagonista non è neanche l’attore principale bensì il direttore del montaggio Christopher Rouse, non a caso anche autore della sceneggiatura.

9. Il caso Spotlight – Tom McCarthy

Inserendosi perfettamente nel solco tracciato alla fine degli anni Settanta da autori come Sidney Lumet e Alan J. Pakula, Il caso Spotlight  prescinde dalla natura di ciò che è oggetto della sua indagine – anzi, la dà quasi per scontata – per concentrarsi invece sui complicati e spesso delicatissimi meccanismi che portano alla costruzione di una notizia.

8. It Follows – David Robert Mitchell
David Robert Mitchell si prende i suoi rischi e realizza il film horror dell’anno. Un’opera profondamente inquietante che, pur prendendo le mosse da alcuni dei luoghi comuni che chiunque bazzichi il cinema “di paura” conosce a menadito, ragiona sui meccanismi del perturbante con una lucidità di sguardo sconosciuta a molti autori ben più navigati, James Wan compreso.

7. Sing Street – John Carney

C’è un momento preciso che appare determinante nel personale coming of age di Cosmo, il giovane protagonista di Sing Street, ed è quando la ragazza a cui muore dietro gli chiede di scrivere una canzone allegra e lui le risponde che non può, perché in realtà si sente triste.
“Il tuo vero problema è che non sei felice di essere triste” ribatte lei.
A spiegare meglio il concetto ci pensano poi le note di “In Between Days” dei Cure ed ecco che, in un’unica scena, Carney racchiude il senso di qualsiasi adolescenza.

6. Sully – Clint Eastwood

Il vecchio Clint indovina il suo miglior film dai tempi di Gran Torino con questa storia, realmente accaduta, di un pilota di aerei che, pur avendo salvato un intero equipaggio da morte certa, viene messo alla gogna da un sistema che ha ormai sostituito l’automazione al libero arbitrio. I pochi secondi sufficienti a Chesley “Sully” Sullemberg per decidere la sorte di 155 persone vengono sezionati, ricomposti e dilatati da ognuno dei possibili punti di vista in un capolavoro dolente (e eastwoodiano fino al midollo) sull’eroismo silenzioso di chi, ogni giorno, svolge il proprio lavoro con coscienza e dignità.

5. Zootropolis – Byron Howard, Rich Moore

La Disney torna a raccontare una storia popolata da animali antropomorfi in un film perfettamente bifronte. Se da un lato, infatti, il mood scanzonato e il tipo di animazione potrebbero dare l’idea di un’opera dichiaratamente indirizzata ad un pubblico più “bimbo” rispetto alla media degli ultimi anni, basta grattare appena un po’ la colorata patina di superficie perché emerga la reale natura di Zootropolis: il film più politico mai realizzato dallo studio di animazione.

4. È solo la fine del mondo – Xavier Dolan

Della maturità stilistica del ventisettenne Dolan si dice ormai già da anni, ma qui la sua sensibilità di autore si fa impressionante. È palese nel modo in cui scandaglia gli spazi, filmando la consistenza della polvere sedimentata sui ricordi del protagonista. La stessa maturità con cui la macchina da presa, incollata ai personaggi in una serie pressoché ininterrotta di primissimi piani, fa di È solo la fine del mondo un film pieno di parole in cui a pesare sono però soprattutto i silenzi.

3. Steve Jobs – Danny Boyle

Si può essere un genio senza per forza smettere di essere anche una brava persona?
Questo sembra chiedersi il film di Danny Boyle (e di Aaron Sorkin autore del magnifico script) per tutte le sue due ore di durata e la riuscita, perfetta, è garantita proprio da come si guardi bene dal rispondere a tale domanda, delegando la responsabilità di qualsiasi giudizio morale al pubblico.
Il capolavoro più sottovalutato dell’anno.

2. Revenant – Redivivo – Alejandro González Iñárritu

Climax artistico di un autore che non si è mai preoccupato di nascondere la propria smisurata ambizione, Revenant è un tour de force stilistico e produttivo che ha ben pochi precedenti nella storia del cinema. Sorta di Apocalypse Now degli anni 10 che sommerge letteralmente lo spettatore fin quasi a mozzargli il respiro, sprofondandolo nell’inospitalità di luoghi che fanno ancora più paura proprio perché sappiamo essere reali.

1. The Hateful Eight – Quentin Tarantino

Un capolavoro, l’ennesimo, con cui Tarantino abbandona in parte la componente più ludica della sua scrittura per abbracciare istanze politiche prima mai così marcate, fino a sfidare l’ossimoro con un film totalmente incentrato sul concetto di identità pur raccontando una storia in cui quasi nessuno è in realtà ciò che dice di essere.

Con È solo la fine del mondo – suo sesto film in sette anni di attività registica – Xavier Dolan rimescola le carte del proprio cinema partendo da un testo altrui (nello specifico una pièce di Jean-Luc Lagarce, morto di AIDS nel ‘95) e il risultato è, paradossalmente, quanto di più dolaniano fosse lecito aspettarsi.
La matrice teatrale è infatti utile all’enfant prodige canadese per asciugare i tempi di un racconto che proprio nella secchezza linguistica trova il suo pregio maggiore e concentrare l’azione in un’unità di spazio oggettivamente troppo angusta per riuscire a contenere tutti i sentimenti in gioco. Lo spazio in questione è quello di una casa in cui il giovane scrittore di successo Louis (un Gaspard Ulliel di straordinaria intensità) manca da dodici anni e torna per comunicare una notizia importante alla sua famiglia.
Ad accoglierlo trova il grande amore di sua madre e dei suoi fratelli, ma l’evento diventa ben presto un’occasione in cui emergeranno non solo i reciproci sentimenti ma anche i più profondi rancori, le questioni irrisolte e una serie di dubbi accumulati nel tempo.
Il tempo è il concetto attorno al quale sembra ruotare tutto il film. Il troppo tempo passato dall’ultima visita del protagonista a casa, certo, ma anche il poco tempo a disposizione per riuscire a dire tutto ciò che non si è mai stati capaci di dire. Quello stesso tempo scandito con ostinata precisione dall’uccellino di un orologio a cucù che un autentico colpo di genio rende protagonista dell’emblematica scena finale del film.

È un tempo che Louis subisce e contemporaneamente prova a bloccare, nel tentativo di non perdersi nel vortice di malcelati risentimenti e nevrosi messo in scena da Dolan. Cerca così di riempirsi gli occhi dei volti e dei gesti di quelle persone alle quali, per quanto possano apparirgli estranee, sente comunque di appartenere.
C’è spazio per un’ampia gamma di emozioni in È solo la fine del mondo: c’è l’astio urlato a gran voce dal fratello Antoine che, pur essendo il figlio maggiore, si è sempre sentito secondo, la goffa curiosità di Suzanne (Léa Seydoux) che, quando Louis è partito, era poco più di una bambina, e una madre amorevole e imperfetta che rivendica con veemenza il proprio diritto di riaccogliere in casa il suo figliol prodigo onde poi rivelarsi del tutto impreparata a esternargli tutto l’amore che ha dentro. Anche se il punto di vista privilegiato è in realtà quello di Catherine (Marion Cotillard) che, pur vedendo Louis per la prima volta, riesce a comprenderne appieno le ragioni, forse perché svincolata dai legacci di qualsiasi sentimento pregresso.
Il racconto di questa riconciliazione impossibile diventa così uno sfrenato kammerspiel di nervi tesi e scoperti. Una minuscola apocalisse che ci viene mostrata nell’istante esatto in cui si consuma, attorno a quel focolare domestico che è da sempre sinonimo sia di pace che di sommessi drammi interiori.

Della maturità stilistica del ventisettenne Dolan si dice ormai già da anni, ma qui la sua sensibilità di autore si fa impressionante. È palese nel modo in cui scandaglia gli spazi, filmando la fitta consistenza della polvere sedimentata sui ricordi di bambino del protagonista.
La stessa maturità con cui la macchina da presa, incollata ai personaggi in una serie pressoché ininterrotta di primissimi piani che ne mostrano ogni impercettibile sfumatura espressiva, fa di È solo la fine del mondo un film pieno di parole in cui a pesare sono però soprattutto i silenzi.
I topoi di Dolan ci sono tutti, compresi una mamma ingombrante – non a caso interpretata da Nathalie Baye, in una sorta di inevitabile rimando a Laurence Anyways – e una musica pop decontestualizzata fino ad amplificare il lirismo delle immagini, ma c’è anche molto di più.
Quasi come se questo film si ponesse come un’ideale quadratura di un cerchio in cui convivono tracce di tutte le sue opera precedenti (in fondo cos’è il rabbioso personaggio di Vincent Cassel se non una versione adulta del protagonista di Mommy?) e i primi e già chiari segnali di quelle che verranno. All’indomani della sua presentazione all’ultimo Festival di Cannes (dove comunque è stato premiato con il Gran Premio della Giuria) alcuni critici hanno parlato di È solo la fine del mondo come del primo film minore di Xavier Dolan.
Per chi scrive invece è il suo capolavoro.

Presentato In Concorso a Venezia nel 2013, la quarta regia del giovane talento canadese Xavier Dolan che lo ha scritto, diretto, montato e interpretato quando aveva ventiquattro anni, Tom à la ferme, arriva nelle nostre sale con un ritardo che è servito probabilmente solo a far crescere e brillare ancor di più la stella Dolan. L’astro di un Autore con la a maiuscola, in grado di perseguire la propria idea di cinema, portando sullo schermo le sue paure, idee e visioni, senza preoccuparsi di dover compiacere lo spettatore.
Tom à la ferme può essere raccontato in vari modi: è un film sull’assenza, ma anche sul senso di colpa e sull’espiazione di quest’ultimo, sull’elaborazione del lutto, sull’amore, certo, ma anche sul desiderio di voler ristabilire ad ogni costo un ordine che è venuto a mancare.

La storia raccontata è quella di un giovane pubblicitario, Tom (Xavier Dolan), che arriva in campagna per un funerale e scopre che laggiù nessuno conosce il suo nome né la natura della sua relazione con il defunto. Quando il fratello maggiore di quest’ultimo (Pierre-Yves Cardinal) impone un macabro gioco fatto di bugie e di omissioni per proteggere la madre (Lise Roy) e il buon nome della famiglia, tra di loro si instaura una relazione perversa che potrà risolversi solo con l’affiorare della verità.

Di un cinema così schietto, a tratti improvvisato, spoglio e formalmente forse ancora acerbo, ma ricco di emotività e di tensione e realizzato da qualcuno che ancora non è stato risucchiato dai morbosi meccanismi produttivi dell’industria, non si può che apprezzare la freschezza unita al desiderio di voler raccontare personaggi e situazioni già del tutto plasmate nella mente di Dolan: quello che appare sullo schermo, allora, non è altro che una naturale appendice del flusso di coscienza dell’autore. Il senso dell’oppressione e della claustrofobia Dolan la rende ancora una volta con quello che è diventato uno dei suoi marchi stilistici più riconoscibili, il cambio di aspect ratio, con le bande nere in cima e ai piedi dell’inquadratura che scompaiono e riappaiono a seconda del momento.

Il giovane regista québecois confeziona un film difficilmente ascrivibile a un ventiquattrenne, soprattutto a un ventiquattrenne di oggi. E va bene che non si tratta di uno script originale (è basato sull’opera teatrale di Michel Marc Bouchard), ma la costruzione dei dialoghi, i legami tra i personaggi, le dinamiche morbose che si instaurano tra loro, rimandano al teatro di Tennessee Williams, di Harold Pinter, così come al cinema del gioco al massacro tanto caro a Polanski (La morte e la fanciulla, Carnage). Perfettamente a proprio agio con i temi cari al melodramma classico (i sentimenti allo sbando, i destini piegati, lo squallore dei comportamenti sociali, le forti pulsioni), Dolan riesce a infondergli nuova vita, mostrando l’implosione di una famiglia apparentemente tradizionale dall’interno, puntando tutto sulle suggestioni e sul non detto. Ventiquattro anni.

Voto 7,5

L’estate, per il cinefilo, è proprio una bella stagione.
Lo è anche per chiunque altro, ovvio, ma per motivi diversi.
In questa sede non parliamo infatti di vacanze al mare, ma delle politiche distributive che, libere dai vincoli del blockbuster di turno, possono concedersi – e, di conseguenza, concedere a chiunque ami il cinema – uscite tardive da gustarsi spesso nel buio di una sala semivuota.
Il caso di Xavier Dolan però è diverso.
Già autore di culto per una cospicua nicchia di fan, l’autore di Mommy è ormai da qualche anno oggetto di un hype che si addice più a una rockstar che non a un cineasta e che travalica i confini spesso labili tra underground e mainstream, generando interesse per qualsiasi cosa egli faccia, videoclip di Adele inclusi.
In attesa quindi di vedere il suo ultimo Juste la Fin du Monde (Grand Prix all’ultimo Festival di Cannes e in uscita da noi il 1° dicembre) è assai più che gradita la decisione della Movies Inspired di distribuire in sala Laurence Anyways, opera terza dell’enfant prodige canadese e suo primo capolavoro.

La storia è quella di Laurence (Melvil Poupaud) che, nel giorno del suo trentesimo compleanno, rivela ad amici e parenti la sua intenzione di diventare una donna e della sua ragazza Fred (Suzanne Clément) che, pur rimanendone sconvolta, accetta di rimanere al suo fianco per il troppo amore.Da lì per i due ha inizio un percorso ad ostacoli fatto di stigma sociale e ostilità assortite verso una scelta così poco conforme agli st andard del pensare comune.
Ma la trama poco importa laddove ogni singolo fotogramma di Laurence Anyways trasuda una maturità di stile e, più in generale, un’idea di cinema che non solo è arduo riscontrare in un autore che, all’epoca, aveva solo 23 anni, ma anche in intere filmografie.
Il tema della transessualità viene qui spogliato di tutti i suoi orpelli teorici e mostrato, con inusitata delicatezza, nella sua più infinita semplicità.
Opera monstre (in primis per la sua durata) il film di Dolan è una storia d’amore che travalica i generi, sia cinematografici che sessuali, e letteralmente ipnotizza con una varietà impressionante di suggestioni visive.
Durante le quasi tre ore di visione si passa infatti da Almodovar a Lynch con un occhio sempre puntato a quegli anni ottanta così fortemente richiamati dalla colonna sonora, in un excursus estetico e testuale che ha tutti i connotati del punto di arrivo artistico piuttosto che di uno dei primi passi di quello che, per molti versi, finirà con l’essere ricordato come l’Orson Welles dei nostri giorni.

QUI L’ELENCO DELLE SALE IN CUI LAWRENCE ANYWAYS È IN PROGRAMMAZIONE

C’è una sensibilità nel modo che ha Dolan di guardare ai suoi magnifici due protagonisti a cui, da spettatori, non siamo affatto abituati e che ci porta a partecipare ad ogni passaggio del loro calvario d’amore con un trasporto che va oltre il semplice concetto di fruizione cinematografica.
Il giovane autore ha infatti un’innata capacità di utilizzare gli strumenti del melodramma silenziandone i toni e trasformando ogni potenziale scena madre in un compendio di umanità dalla dolcezza quasi insostenibile.
Tutti gli ingredienti che hanno portato i film successivi (Tom à la ferme e Mommy soprattutto) a essere riconosciuti quasi universalmente come pietre miliari del cinema di oggi sono già ben presenti in Laurence Anyways e – commozione per una delle scene finali più struggenti mai viste al cinema a parte – il sentimento che pervade lo spettatore una volta uscito dalla sala è per lo più di stupore. Per un film che non si limita a parlare d’amore ma che di amore sembra proprio essere fatto. Amore per il protagonista certo, ma anche per il cinema, vissuto con la serietà di chi sa che, arrivati a questo punto, il gioco si fa serio ma anche con la spensieratezza dei propri vent’anni.
Ora c’è solo da sedersi e aspettare per vedere di quali mirabilie sarà capace questo piccolo e prolifico genio negli anni a venire. Nel frattempo, però, fatevi un regalo e correte a sorridere e a piangere – insomma, a vivere –  con questo autentico gioiello di stile e nervi scoperti.

Voto 8