Berlino, 1989. Alla vigilia del crollo del muro e sullo sfondo del cambiamento nelle alleanze tra superpotenze, si muove la spia del MI6 Lorraine Broughton (Charlize Theron). La vediamo per la prima volta all’interno di una stanza per interrogatori, dove sta per raccontare al suo superiore (Toby Jones) e a un pezzo grosso della CIA (John Goodman) gli eventi iniziati dieci giorni prima che l’hanno condotta lì. La missione della donna è iniziata a Berlino Ovest dopo l’omicidio di un agente chiave e la scomparsa di una lista contenente i nomi e le posizioni di ogni asset dell’intelligence britannica. Al fine di trovarla, Lorraine deve incontrare David Percival (James McAvoy), un ex direttore dell’ufficio di Berlino che si è messo a vendere alcolici sul mercato nero e a organizzare rave party.

Pellicola discutibile, questo Atomica Bionda che in più di un’occasione dimostra di non sapere bene dove vuole andare a parare, ma una cosa è certa: Charlize Theron nei panni della spia tostissima, che dà botte da orbi (e le prende anche, dato che sul set si è rotta i denti durante una scena di lotta), seduce gli uomini e ama le donne, gira per una Berlino stanca e ingrigita in biancheria di pizzo e stivali cuissard e beve vodka ghiacciata illuminata dai neon, è uno spettacolo per gli occhi. Avvolta da un personaggio sopra le righe che, se da un lato ricorda la Sharon Stone di Basic Instinct, dall’altro strizza l’occhio a dive fascinose del passato (Marlene Dietrich e Greta Garbo tra tutte), l’attrice sfodera tutto il suo charme in un film che più che uno spy movie sembra un lungo videoclip tanto è ricco di elementi pop e glam.

Tratto dalla graphic novel The Coldest City di Kurt Johnstad e Sam Hart nonché esordio alla regia per lo stuntman David Leitch (già al lavoro sulla sua opera seconda, il sequel di Deadpool), Atomica bionda assembla non sempre al meglio musica e immagini in un continuum di dialoghi e scene di lotta (queste sì, il punto forte di tutta l’operazione) in cui la fisicità della Theron la fa da padrona. Gli altri personaggi fungono solo da contorno: la nuova prezzemolina di Hollywood Sofia Boutella dal fascino ambiguo e conturbante e James McAvoy, che si conferma una volta di più attore di grande tecnica, ingiustamente sacrificato in un ruolo che esiste solo in funzione dell’atomica Charlize.
Insomma, dimenticate le spy story seriose sul genere de La Talpa o Il ponte delle spie, perché i nuovi agenti segreti sono creature punk che vagano tra le rovine di un paese che ha la necessità di rinnegare il proprio passato nel momento esatto in cui è pronto a diventare altro, a suon di brani dei Cure e dei Duran Duran, dei Depeche Mode e di Bowie.

Voto 6

Aspettavamo i dati ufficiali, che sono arrivati: Fast & Furious 8 ha battuto ogni record ed è diventato il film che ha incassato di più nel mondo nel suo primo week-end d’apertura.

La pellicola con Vin Diesel, Jason Statham, Dwayne Johnson e Charlize Theron ha esordito con circa 532 milioni di dollari, di cui 98.8 milioni in madrepatria e 433.2 worldwide.

Il precedente record era detenuto da Star Wars – Il Risveglio della Forza che nel 2015 esordì con 529 milioni (anche se il film di J.J. Abrams non potè contare sui dati cinesi visto, che in Cina uscì una settimana dopo la release mondiale). Fast 8 ha anche battuto il record di Jurassic World, diventando il film che ha incassato di più a livello internazionale nel primo week-end al box-office.

Il film con Vin Diesel ha esordito con circa 532 milioni di dollari, di cui 98.8 milioni in madrepatria e 433.2 a livello internazionale.

Atomic Blonde uscirà il prossimo 28 luglio nelle sale americane mentre in Italia arriverà probabilmente in autunno.

Con Coraline e la porta magica e ParaNorman la Laika Entertainment ci aveva letteralmente conquistati tanto che, con la battuta di arresto che l’uscita del meno riuscito Boxtrolls, si è temuto che lo studio di animazione statunitense non avrebbe più retto confronti con la Disney-Pixar, la DreamWorks e con gli altri giganti dell’animazione. Ma Kubo e la spada magica ha fugato questo pericolo, confermando come la Laika sia non solo viva e vegeta, ma anche pronta a dare del filo da torcere agli altri Studios. 145mila fotogrammi, 23.187 prototipi del volto del protagonista (il che vuol dire circa 48 million di diverse espressioni facciali) e un team di animatori che ha lavorato ininterrottamente per due anni: tanto ci è voluto a completare quello che è senza ombra di dubbio il prodotto tecnicamente migliore della casa di Hillsboro. Diretto dall’esordiente Travis Knight (qui al suo primo film da regista, ma era stato già produttore degli ultimi due film della Laika) Kubo e la spada magica è un cartoon profondo e riflessivo, scandito da tempi non sempre serrati, ma funzionali al fluire del racconto che tocca temi quali famiglia, amore, memoria e perdono.

Realizzato in stop motion come i precedenti film della Laika, Kubo e la spada magica racconta di un epico viaggio nel Giappone feudale, con una storia che si interroga sulla valenza della memoria. Siamo in un piccolo villaggio di pescatori dell’antico Giappone, qui il giovane Kubo mantiene se stesso e la madre esibendosi come cantastorie e animando origami grazie alla magia e al suono del suo  shamisen (un tipico strumento giapponese a tre corde). C’è solo una regola da rispettare: mai stare fuori dopo il tramonto. Un giorno Kubo si attarda dopo il calar del sole e si ritrova braccato da esseri potenti e malvagi, gli stessi che anni prima hanno fatto del male a sua madre.

La vicenda di Kubo, il ragazzino senza un occhio il cui più acerrimo nemico è uno dei membri della sua famiglia, segue la classica struttura della fiaba, ma anche le esperienze archetipiche del viaggio dell’eroe: Kubo ritrova nei suoi compagni di viaggio dei mentori e, grazie a loro, riesce a superare alcune prove di coraggio che lo porteranno al combattimento finale con il villain di turno. E in questo il film non apporta nulla di nuovo alla tradizione dei cartoon. L’aspetto che è invece strabiliante, va cercato nell’esperienza visiva che Kubo regala, con quei disegni insoliti per un film animato, fatti di linee taglienti e angoli acuti, nella texture legnosa che tanto ricorda le xilografie di Kiyoshi Sait? e che rappresentano l’aspetto più caratteristico della pellicola, con quell’effetto granuloso visibile in ogni sequenza. Da un film così, ad uscirne vincitrice è soprattutto la tecnica dell’animazione a passo uno, con quel desiderio di dar vita alla frangia più indie dei cartoon di oggi, dimostrando ancora una volta di non avere nulla da invidiare ai più commerciali prodotti in CGI.

Voto 7,5