È stato rilasciato il trailer di Questi giorni, il film diretto da Giuseppe Piccioni che sarà In Concorso al Festival di Venezia e che sarànelle sale dal 15 settembre. Nel cast: Margherita Buy, Maria Roveran, Marta Gastini, Caterina Le Caselle, Laura Adriani, Filippo Timi, Alessandro Averone, Mina Djukic e Sergio Rubini.

Una città di provincia. Tra le vecchie mura, nelle scorribande notturne sul lungomare, nell’incanto di un temporaneo sconfinamento nella natura, si consumano i riti quotidiani e le aspettative di quattro ragazze la cui amicizia non nasce da passioni travolgenti, interessi comuni o grandi ideali. Ad unirle non sono le affinità ma le abitudini, gli entusiasmi occasionali, i contrasti inoffensivi, i sentimenti coltivati in segreto. Il loro legame è tuttavia unico e irripetibile come possono essere unici e irripetibili i pochi giorni del viaggio che compiono insieme per accompagnare una di loro a Belgrado, dove l’attendono una misteriosa amica e un’improbabile occasione di lavoro.

Una giornata intensa, quella di ieri al Festival, che si è conclusa con una sfilata di divi più o meno celebri sul tappeto rosso. Iniziamo dalle assenze, quelle del cast di Out of the Furnace, l’orfanello di questa edizione della kermesse capitolina. Mostrata in anteprima mondiale, la pellicola di Scott Cooper non ha potuto contare su nessun membro del cast per una promozione in grande stile, e così nello spazio red carpet che avrebbe dovuto essere dedicato agli attori del film, hanno iniziato ad apparire personaggi più o meno noti del cinema e della TV nostrana: da Mariagrazia Cucinotta a Paola Barale e Raz Degan (???) ad Annalisa De Simone, direttamente da Un posto al sole e Un medico in famiglia 7. Roba fortissima!

Fortunatamente più tardi a risollevare un po’ la situazione sono arrivati Filippo Timi, protagonista de I corpi estranei di Mirko Locatelli presentato proprio ieri In Concorso, ed Eli Roth, autore dello spassosissimo cannibal movie The Green Inferno, in compagnia della sua protagonista Lorenza Izzo.

La sesta giornata del Festival si è aperta (e anche chiusa) con la proiezione, Fuori Concorso, di Gods Behaving Badly di Marc Turtletaub ed è un’esperienza a dir poco grottesca.
Non ci sono altre parole per tentare di spiegare cosa possa aver spinto i selezionatori del Festival anche solo a ipotizzare la scelta di questa insulsa e sgangherata commediola che, oltre ad essere semplicemente brutta, ha anche l’aggravante di trascinare con sé, nel ridicolo involontario, un cast di tutto rispetto.

Gods Behaving Badly

Christopher Walken, Sharon Stone, John Turturro e Oliver Platt recitano infatti la parte di alcuni capricciosi dèi dell’Olimpo che, ormai decaduti e residenti a New York, con le loro azioni modificano il corso del rapporto tra due giovani e timidi innamorati.
Battute scontate, personaggi tagliati con l’accetta e una regia inesistente completano il tutto.
Spiace soprattutto per i nomi coinvolti che, di fronte a un tale orrore di sceneggiatura, non s’impegnano nemmeno a risultare credibili, offrendo così performance al minimo sindacale.
Questo film non è nulla; non è una commedia perché non fa ridere e non è, soprattutto, un fantasy perché l’immaginario che ci propina è talmente sciatto e facilone da risultare indigesto anche a un bambino.
E’ difficile – e soprattutto auspicabile – pensare che un film del genere possa trovare la strada per una distribuzione italiana. Più probabile un destino da straight to video.

Intanto l’attesa per l’arrivo del cast di Hunger Games – La ragazza di fuoco, Jennifer Lawrence in primis, ma anche Josh Hutcherson e Liam Hemsworth, si fa sempre più concitata. Il tappeto rosso è previsto per domani pomeriggio alle 17,30, ma stanno già arrivando i primi pullman carichi di fan da ogni parte di Italia per assistere all’evento. Noi il film lo vedremo domattina, vi twitteremo un giudizio subito dopo l’anteprima, mentre troverete la nostra recensione più approfondita nel daily di domani.

La quinta giornata del Festival di Roma si apre con la fiera delle atrocità e del politicamente scorretto di Eli Roth.
A ben sei anni da Hostel II il  protégé di Quentin Tarantino porta infatti a Roma, Fuori Concorso, il suo nuovo horror The Green Inferno, che non deluderà i suoi cultori e alla fine mantiene tutto ciò che un film di Eli Roth, almeno sulla carta,  promette.
La storia è quella di un gruppo di giovani che si imbarca per la foresta amazzonica con l’intento di testimoniare lo scempio perpetrato da una compagnia petrolifera peruviana ai danni delle tribù locali. Sulla via del ritorno, un incidente aereo li costringe ad un’inaspettata permanenza in quel territorio inospitale, alla mercé proprio di quella popolazione indigena che credevano di aiutare e da cui invece dovranno cercare di difendersi.
Se la struttura narrativa (ragazzi vessati e torturati da terzi) e il citazionismo di fondo (i richiami a Cannibal Holocaust di Ruggero Deodato sono evidenti sin dall’inizio) sembrano, all’apparenza, richiamare i precedenti film del regista americano, ad uno sguardo più acuto appare chiaro come la posta in gioco qui sia più alta.

The Green Inferno infatti, mentre assolve la funzione perturbante a cui qualsiasi horror è destinato, mostra la sua vera natura di film profondamente politico e riflette in maniera lucidissima su temi importanti come l’ambientalismo, di cui critica aspramente la sterilità di certe derive da social network, e lo scontro tra culture agli antipodi, sia geograficamente che da un punto di vista di evolutivo e sociale.

Eli Roth, oggi a Roma per accompagnare il suo film, ci ha raccontato la genesi del suo progetto e i tantissimi rimandi e omaggi al cinema di genere italiano che The Green Inferno contiene.

“Amo profondamente il cinema di genere italiano. Sono cresciuto con i film di Dario Argento, Lucio Fulci, Sergio Martino, Mario e Lamberto Bava. All’inizio non comprendevo le motivazioni del doppiaggio, ma poi ho scoperto delle regole stabilite ai tempi del fascismo, le motivazioni di quella tradizione e mi sono appassionato. Il fatto è che nessun altro cinema sia in grado di raccontare la violenza come quello italiano. Pensando a film come Cannibal Holocaust, mi dicevo che quei registi dovessero finire in carcere, perché sembrava davvero che, per girare, avessero ucciso e commesso cose atroci. Poi ho conosciuto dal vivo Ruggero Deodato, ci sono andato a cena proprio ieri, ed è davvero una persona amabile, che ha saputo coniugare l’estetica realistica di Rossellini con la violenza esasperata di Sergio Corbucci. Ha creato un nuovo genere di commistione tra lo sguardo finto documentaristico e il cinema di genere, aprendo le porte all’horror di oggi, da Cloverfield a Paramormal Activity. I giovani oggi amano questo tipo di film. E io volevo fare qualcosa per loro, anche per raccontare quest’assurda propensione tutta contemporanea di impegnarsi, condurre le grandi battaglie, salvare il mondo, standosene comodamente seduti a casa al computer o twittando da uno smartphone. Ecco, si è perso il senso delle cose reali. Perciò volevo fare un tipo di cinema pericoloso e soprattutto che fosse in prima linea. Che poi è quello che mi ha insegnato il mio guru Quentin Tarantino, che mentre gira non guarda mai il monitor seduto su una sedia, perché questo tipo di cinema “gli affloscia il cazzo”, come ama ripetere. Così siamo andato in Amazzonia, abbiamo superato tutti i confini, fino ad arrivare in Perù, tra gente che non sapeva neanche cosa fosse un film, lontana dalla tecnologia. Ho fatto vedere loro Cannibal Holocaust… E ora per loro il cinema è quello: incredibile!”.

Purtroppo I corpi estranei di Mirko Locatelli, In Concorso, ci ha messo pochissimo a riportarci alla dura realtà.
Anche questo film, come quello di Eli Roth, parla dello scontro tra due culture, ma lo declina però in una maniera intimistica che più intimista non si può, senza il minimo interesse verso qualsiasi forma di intrattenimento.
In un ospedale milanese, Antonio (Timi) aspetta che  il suo bambino venga sottoposto ad un delicato intervento chirurgico mentre il giovane tunisino Jaber, nella stanza di fronte, assiste l’amico Youssef. Mentre Antonio mostra da subito, verso il ragazzo, una forma di ostilità velata di ignoranza e razzismo, quest’ultimo cerca in più di un modo di stabilire un contatto umano che, solo in parte, i due riusciranno a creare.
Pesante e noioso, nonostante duri poco più di novanta minuti, I corpi estranei mostra tutti i difetti tipici dei film che hanno una tesi da dimostrare e molto poco da mostrare.
Tutto poggia infatti sulle spalle di Filippo Timi, che Locatelli (ex documentarista) insegue per i corridoi dell’ospedale come un animale in gabbia, riprendendolo quasi sempre di spalle (a tratti tornano in mente Darren Aronofsky e il suo wrestler Mickey Rourke) ma, a parte l’intensità di un attore italiano mai meno che bravo e la bella colonna sonora dei Baustelle, il film in sé è davvero poca cosa. Trascurabilissimo.

Sempre In Concorso, e presentato qui a Roma in anteprima mondiale, l’atteso Out of the Furnace, secondo film di Scott Cooper (dopo Crazy Heart) con la coppia Christian Bale e Casey Affleck, nei panni dei due fratelli protagonisti, affiancati da un cast di tutto rispetto tra cui Woody Harrelson che fa il cattivo, Forest Whitaker un poliziotto, e poi ancora Zoe Saldana, Sam Shepard e Willem Dafoe. Per non parlare dei produttori Leonardo DiCaprio, che in un primo momento avrebbe dovuto essere anche il protagonista, e Ridley Scott. Tanti nomi della Hollywood più in vista per raccontare un toccante dramma dai risvolti noir ambientato nell’Indiana qualche anno fa. Slim (Bale) è finito in carcere per avere causato un incidente stradale. Dopo aver scontato una lunga pena torna in libertà con l’unico desiderio di rifarsi una vita e tener fede alla promessa di matrimonio fatta alla sua ragazza (Zoe Saldana). La vita però gli riserva un futuro diverso e Slim si ritrova nel losco giro di scommesse legate ai combattimenti clandestini nei quali è coinvolto suo fratello Rodney (Affleck), appena tornato dall’Iraq, che nulla vuol sapere di lavorare in acciaieria con lui. Pellicola indie in tutto e per tutto, nonostante i nomi altisonanti che hanno preso parte al progetto, Out of the Furnace è un perfetto spaccato della società americana, quella più alienata, buia, violenta e periferica, in cui la sola giustizia che sembra avere un senso è quella che il singolo cittadino è costretto a farsi da solo. Intense le prove di Christian Bale e di Casey Affleck in due ruoli agli antipodi, anche se entrambi particolarmente ruvidi, ma la storia in alcuni punti è un po’ troppo didascalica per coinvolgere fino in fondo.
Peccato poi che qui a Roma questo film sia arrivato orfano: nessuno del cast artistico o tecnico iè infatti venuto a presentarlo, tanto che al posto della tradizionale conferenza stampa attesa nel primo pomeriggio di oggi, è stato prontamente organizzato un altro evento in sostituzione. Quindi dovrete accontentarvi del trailer:

L’ottava giornata di Festival si è aperta con una scena un po’ avvilente. Questa mattina, durante la proiezione stampa delle 9:00 di Quando la notte, il film della Comencini con Claudia Pandolfi e Filippo Timi, la visione della pellicola è stata più volte disturbata da risate, qualche fischio, e numerosi “buuu” di disapprovazione. Ora parleremo del film, seconda pellicola italiana In Concorso, ma prima vorremmo prendere le distanze dai colleghi che non sono riusciti a mantenere per sé il loro disappunto e che hanno sentito l’irrefrenabile necessità di esprimerlo in modi poco . E noi che pensavamo di partecipare a una proezione riservata ai giornalisti e agli addetti ai lavori, mentre ci siamo ritrovati in una situazione non molto distante da quella dei cinema parrocchiali di metà del secolo scorso: ve lo assicuriamo, sembrava di far parte della platea di Nuovo cinema Paradiso, ma senza l’elemento poetico. Un atteggiamento che sinceramente ci sfugge, dato che sarebbe stato sufficiente un minimo di contegno durante la proiezione, che poi si sarebbe riversato nel fiume di parole, magari le più nere e atroci, nel pezzo da mandare al giornale di turno. In fondo quando un film piace non è che si applaude a ogni scena, o no?

Comunque, tanto per la cronaca, il film della Comencini non è piaciuto neanche a noi. Tratto dal romanzo della regista stessa, ambientato sul Monte Rosa, Quando la notte racconta la fatica dell’essere madre vissuto in prima persona dal personaggio interpretato da Claudia Pandolfi (Marina), oltre a un amore destinato a finire ancor prima di nascere, quello tra la donna e una rude guida alpina (l’abominevole Filippo Timi delle nevi). Dopo una prima mezz’ora che è di fatto un horror domestico, in cui lo spettatore viene introdotto nell’angosciante quotidianità vissuta dalla protagonista, il film smette di esistere. La storia della moglie borghese in vacanza e del misogino Manfred fa acqua da tutte le parti e, nonostante le parole della Comencini in conferenza stampa ci siano state utili a cercare di capire il suo lavoro un po’ più in profondità (“Ho voluto raccontare quell’ambivalenza che si crea con il proprio bambino, non si ha il coraggio di dire che essere madre è anche una limitazione della propria libertà. Non si può parlare con un bambino di due anni, ecco perché ho voluto mostrare la stanchezza, le ore che non passano mai, il fatto che gran parte delle donne appena hanno un figlio vengono spedite un mese in montagna da sole per curare raffreddori e altri malanni che affliggono i bambini piccoli. Ma ho voluto narrare anche la storia di due solitudini, quella di Manfred e quella di Marina”.) il nostro parere sul film è rimasto immutabile. Pollice verso.

Poi è stata la volta del film di Abel Ferrara, 4:44: L’ultimo giorno sulla Terra. Il regista de Il cattivo tenente e di tante altre pellicole sui generis è tornato In Concorso a Venezia per raccontare la fine del mondo in una stanza, vissuta da una coppia di artisti newyorchesi (Willem Dafoe e Shanyn Leigh, ex compagna di Abel Ferrara). “Quando sai che devi morire e che il mondo finirà, devi accettarlo. Due sono le cose certe nella vita: le tasse e la morte. Delle prime sappiamo che dipendono dal fisco, della morte invece non sappiamo da chi dipende”. Queste le parole del regista durante l’incontro con i giornalisti, incuriositi soprattutto dal motivo per cui il regista veda finire il mondo con l’arrivo di una nube verde: “Ottima domanda” ha risposto Ferrara. “Abbiamo consultato degli esperti e parlato con loro del problema dell’ozono. Non è un effetto al computer, l’aurora boreale che vedete è stata filmata per davvero! Il tema principale del film è l’uomo che distrugge la Terra e se stesso. La colpa è tutta nostra, non è un atto di Dio, non è un incidente. È una cruda realtà, che i miei personaggi devono accettare. Film discutibile, sicuramente molto personale, in cui l’unico elemento realmente convincente è l’interpretazione di Willem Dafoe.

Altro film presentato oggi, nella sezione Controcampo italiano, è stato Black Block, dell’architetto-regista genovese Carlo A. Bachschmidt. Utilizzando la voce di sette testimoni, Bachschmidt ha voluto raccontare in dettaglio i pestaggi e le torture ai danni dei manifestanti avvenuti nella notte tra il 21 e il 22 luglio 2001 nella scuola Diaz di Genova mentre si svolgeva . “Black Block nasce con l’intenzione di raccontare come la repressione delle forze dell’ordine abbia controllato le vite, i desideri e le passioni di coloro che hanno vissuto l’episodio più violento mai attuato dalla polizia italiana. E restituire la partecipazione dei tanti manifestanti venuti a Genova durante le giornate del G8, che in forma diversa portano ancora oggi una ferita aperta” ha dichiarato il regista che è apparso visibilmente scosso ed emozionato durante la conferenza stampa di questa mattina, nonostante abbia trascorso gli ultimi anni ad esaminare documentazioni e testimonianze di quegli orrori a cui, è evidente, non ci si abitua mai. Dove i media nazionali hanno fallito (intenzionalmente, scegliendo di non mandando in onda le immagini di quanto accaduto durante gli scontri in occasione), Bachschmidt colpisce nel segno, confezionando un documentario che arriva dritto nello stomaco come un pugno ben piazzato. Non si può che uscire sdegnati dalla visione di simili verità, a maggior ragione sapendo che, nonostante gli atti del processo che si è svolto nei confronti dei ventinove agenti di polizia accusati di pestaggio, lesioni e calunnia hanno dato ragione ai manifestanti, la giustizia italiana ha fatto cilecca ancora una volta. Al solo pensiero di quegli stessi agenti, condannati abbiamo detto, che continuano a vivere come se niente fosse continuando a svolgere il proprio lavoro, viene il voltastomaco. Per non parlare della promozione dell’ex capo della polizia al tempo in cui si sono svolti i fatti, Gianni Di Gennaro, ora promosso a direttore del Dipartimento delle Informazioni per la Sicurezza. Il film, prodotto da Fandango, uscirà in un’unica sala romana, il Politecnico, venerdì 9 settembre, prima di essere diffuso in versione libro + DVD nelle librerie dal 15 settembre.

Completamente ignorato da Tarantino durante la scorsa edizione del Festival di Venezia (d’accordo che era Fuori Concorso, ma qualche premio collaterale avrebbe potuto vincerlo), Vallanzasca arriva nelle sale. E lo fa con clamore, circondato dalle polemiche e seguendo in tutto e per tutto i modi cari al bel René, quello vero: affascinante, furbo, millantatore, violento e gentiluomo e con quel “lato oscuro un po’ pronunciato”. Liberamente tratto da Il fiore del male di Carlo Bonini e Renato Vallanzasca e Lettera a Renato di Renato Vallanzasca e Antonella D’Agostino, il film di Placido ripercorre la vita del Boss della Comasina non tralasciando alcuni particolare della sua infanzia, che hanno contribuito non poco a farlo diventare ciò che è stato. 1985, Renato Vallanzasca, nato a Milano il quattro maggio 1950, è rinchiuso in una cella di isolamento nella casa circondariale di Ariano Irpino. Da lì ripensa la sua vita: la sua propensione per il crimine rivelata sin da bambino quando, a nove anni, con la sua combriccola di amici  libera una tigre da un circo. Poi si passa agli anni Settanta: Renato e la sua banda iniziano a farsi conoscere per i loro colpi, che poi vanno a smaltire nei locali in della Milano bene, tra donne, champagne e droga. L’incontro con Francis Turatello, boss incontrastato della malavita locale con cui Renato entra subito in conflitto, e il primo arresto di René, accusato di rapina a un furgone portavalori. La fuga da San Vittore e gli altri colpi messi a segno da lui e dalla sua banda, con il crescendo di efferatezza che le cronache dell’epoca riportano.

Placido si conferma regista di gangster movie all’italiana, dopo che cinque anni fa ci ha fatto ricordare uno dei periodi più bui della nostra storia recente con le gesta della Banda della Magliana. Il suo Vallanzasca è un crime movie a tutti gli effetti, che segue perfettamente la scia dei gangster movie d’oltreoceano senza cadere in scomodi paragoni. Di fatto Placido si impegna a restituire al pubblico la verità storica che riguarda il suo protagonista, farcendola un po’ di elementi romanzeschi funzionali alla fluidità della sceneggiatura. La colonna sonora dei Negramaro funziona, irrompendo con sonorità moderne nelle inquadrature retrò in cui agiscono Vallanzasca e la sua banda, creando un valido connubio. Kim Rossi Stuart nei panni di Renato Vallanzasca (nonché autore della sceneggiatura insieme con Placido) è a una delle sue prove più interessanti. Non tanto perché ha imparato il milanese (anche perché il vero Renato nelle interviste che ha rilasciato, parla un italiano decisamente più forbito rispetto al simil dialetto con cui lo fa parlare Rossi Stuart), quanto per la capacità con cui gioca a far entrare dentro di sé i due aspetti fondamentali e contraddittori della personalità di Vallanzasca: violento ma generoso, despota ma educato, assassino ma guai a chi gli tocca la famiglia o i suoi compagni. Meno riuscita l’interpretazione di Filippo Timi nei panni di Enzo, l’amico d’infanzia di René: superfluamente scatenata e sovrabbondante.

E le polemiche? Hanno accompagnato il film sin da quando è stato presentato a Venezia, e non accennano a diminuire. Giusto o sbagliato che sia, di fatto Placido torna a parlare di un personaggio scomodo, a capo di una banda responsabile di più di settanta rapine,  quattro sequestri di persona, dell’uccisione di quattro poliziotti, di un impiegato di banca e di un medico, e nel film, in carcere, della barbara uccisione di Massimo Loi, un ragazzo sospettato di tradimento. Certo Vallanzasca non è uno stinco di santo, ma il punto allora è: solo le storie con eroi buoni valgono la pena di essere raccontate? In Francia Nemico pubblico n° 1, in cui Vincent Cassel interpretava il gangster francese Jacques Mesrine, vincitore di tre premi César, è stato un film particolarmente apprezzato sia in territorio nazionale che all’estero. Così come Carlos, il biopic di Olivier Assayas sul terrorista mercenario Ilich Ramírez Sánchez. Insomma, ogni paese ha delle pecore nere nella propria storia, non per questo le loro storie non meritano un racconto. Soprattutto se è ben confezionato come lo è il Vallanzasca di Palcido. Peccato solo che perda un po’ nel confronto con Romanzo Criminale nella consistenza dei personaggi di contorno. La pellicola gira intorno alla figura di Renato, ed è giusto che sia così, ma la coralità con cui erano stati delineati i quattro della Banda della Magliana, in Vallanzasca non si raggiunge. Ed è un peccato.

Voto 7

Qui trovate le nostre interviste a Kim Rossi Stuart e Filippo Timi.