Un elemento utile a entrare nel caleidoscopico mondo del Doctor Strange potrebbe essere proprio l’immancabile cameo del deus ex machina marvelliano Stan Lee. Lo incrociamo infatti nel bel mezzo di uno scontro tra il protagonista (Benedict Cumberbatch) e il villain di turno, mentre sfoglia divertito una copia de Le porte della percezione di Aldous Huxley.
Il testo sacro della controcultura psichedelica detta infatti le coordinate di uno spostamento della Marvel dal suo principale universo di riferimento – che, per intenderci resta quello degli Avengers – al multiverso di un personaggio a torto considerato minore e che invece è fondamentale nel precipitare l’estetica dei cinecomic dal materico, sebbene occasionalmente bazzicato anche da Dei pagani, al concettuale. Nasce da qui il film visivamente più sbalorditivo realizzato finora dalla casa madre.

La storia è quella dell’arrogante quanto geniale neurochirurgo Dottor Stephen Strange (una sorta di Tony Stark della medicina) la cui carriera viene irreparabilmente distrutta quando un incidente d’auto gli danneggia i nervi di entrambe le mani.
Dopo aver tentato invano ogni possibile tipo di intervento medico, l’uomo spende i suoi ultimi risparmi per raggiungere il Nepal, dove risiede l’Antico (Tilda Swinton), un santone capace di guarire le ferite del corpo ampliando i confini della mente.
Qui Stephen inizia a studiare le arti mistiche e, aiutato dai maestri Mordo (Chiwetel Ejiofor) e Wong, impara a padroneggiare i poteri che queste gli conferiscono giusto in tempo per fronteggiare una pericolosa minaccia. Kaecilius (Mads Mikkelsen), un allievo dell’Antico passato al lato oscuro, sta infatti per sferrare un attacco alla Terra che rischia di confondere per sempre i diversi piani della realtà condannando l’umanità al caos.

Se, come si evince dalla sinossi, il plot rientra nei canoni della più classica genesi supereroistica, l’impianto estetico invece muta radicalmente. Scott Derrickson sfrutta al meglio le possibilità di un 3D per una volta realmente funzionale allo scopo e piega i concetti di spazio e tempo fino a comporre un affresco lisergico, costruito come un gioco di scatole cinesi come non lo si vedeva dai tempi di Inception. Immaginate quindi un cinecomic calato in un incubo di Escher, una bizzarra esplosione di dimensioni parallele (e anche vagamente new age) piena di portali che collegano l’Everest alle distese desertiche e di grattacieli che si aprono in due e diventano scale da salire.
Blockbuster sbalorditivo da un punto di vista stilistico, Doctor Strange spinge la ricerca estetica della Marvel in direzioni che non si pensavano neanche possibili, pur senza mai perdere nessuna delle sue cifre distintive, compreso il costante ricorso ad uno humour utile a smorzare le pieghe più cervellotiche del racconto.
La dimostrazione che l’originalità non è per forza condannata a soccombere sotto i colpi dei visual effects e, insieme ai Guardiani della Galassia, uno dei migliori film Marvel di sempre.

Voto 7,5

Come annunciato giorni fa, durante il Jimmy Kimmel Live di ieri sera è stato presentato il primo trailer di Doctor Strange, secondo film della Fase 3 della Marvel.

Doctor Strange, diretto da Scott Derrickson, arriverà nei cinema italiani il 26 ottobre 2016. Nel cast, oltre a Benedict Cumberbatch nei panni del protagonista, anche Mads Mikkelsen, Rachel McAdams, Tilda Swinton e Chiwetel Ejiofor.

All’interno della redazione del Boston Globe c’è una squadra di giornalisti investigativi, la “Spotlight” che ha il compito di approfondire temi e notizie particolarmente scottanti. Nell’estate del 2001 arriva al Globe un nuovo direttore da Miami e incarica il team di indagare sul possibile insabbiamento, da parte degli alti gradi della Chiesa, degli abusi sessuali perpetrati da un sacerdote ai danni di alcuni minori.
Il caporedattore Walter “Robby” Robinson (Michael Keaton) e i cronisti Sacha Pfeifer (Rachel McAdams) e Michael Rezendes (Mark Ruffalo) si mettono quindi al lavoro e cominciano a indagare sul caso con la consapevolezza di andare a toccare poteri molto forti, in una diocesi particolarmente importante come quella di Boston. Mentre il team si scontra con la reticenza di chi, pur avendo visto, ha preferito voltarsi da un’altra parte, iniziano a delinearsi i contorni di un fenomeno molto più esteso di quanto era lecito immaginare.

Forte delle sue sei importanti nomination agli Oscar (tra cui quelle per Miglior Film e Regia) arriva finalmente in sala la pellicola che aveva già stregato critica e pubblico all’ultimo Festival di Venezia. Cinema d’inchiesta allo stato puro, che sa prendersi i giusti tempi del racconto senza alzare mai la voce o sbattere con violenza in faccia allo spettatore verità troppo scomode, descrivendo invece in modo assai realistico il minuzioso lavoro e il forte senso di sacrificio con cui taluni “ultimi dei mohicani” continuano a vivere il mestiere di giornalista.
Il caso Spotlight si inserisce così nel solco tracciato alla fine degli anni Settanta da Alan J. Pakula con il suo archetipico capolavoro Tutti gli uomini del presidente. Lo fa principalmente prescindendo dalla natura di ciò che è oggetto dell’inchiesta – anzi, dandola quasi per scontata – per concentrarsi invece sui complicati e spesso delicatissimi meccanismi che portano alla costruzione di una notizia. E’ un film che parla quindi di etica professionale prima ancora che di morale tout court, e che ha il raro merito di restituire allo spettatore una realtà non divisa in maniera inutilmente manichea in buoni e cattivi (non è affatto un caso che nessuno dei giornalisti venga descritto come un eroe) ma dove il dubbio su cosa sia giusto fare e, soprattutto, in quale misura, risulta ben più rilevante dell’ovvia condanna verso qualcosa che in ogni caso è impossibile da pensare, figuriamoci legittimare.

Una volta chiarito come Il caso Spotlight non possa in alcun modo essere definito un pamphlet, il concetto più utile a connotarlo è quello di sottrazione, intesa sia come economia semantica che consente alla storia di non deragliare mai dalle coordinate che si autoimpone fin dalle sue prime scene, sia come precisa scelta stilistica con cui Thomas McCarthy (autore, nel 2007, del pregevole L’ospite inatteso) limita al minimo ogni intervento registico forte per seguire con eleganza e discrezione lo sfiancante percorso che conduce alla verità.
Lo stesso discorso va fatto per gli attori coinvolti, uno più generoso dell’altro nell’evitare qualsiasi velleità da protagonista in nome del gioco di squadra in maniera non dissimile da quanto fanno i loro alter ego sullo schermo.
A un Michael Keaton praticamente perfetto, alla prima prova dopo la rinascita artistica dello scorso anno in Birdman, si affiancano una Rachel McAdams molto più convincente del solito e quell’autentico concentrato di misura e maestria che è ormai Mark Ruffalo, giustamente candidato all’Oscar come Miglior Attore Non Protagonista.
Tutto insomma in questo film lavora in maniera armonica per garantire sobrietà e scorrevolezza a un risultato finale che è un capolavoro di equilibrio, talmente onesto nel suo impianto strutturale da non essere suscettibile di scandalizzare nessuno, forse nemmeno i più oltranzisti tra i difensori del clero.
Ed è curiosa la coincidenza che vuole che due film come Il caso Spotlight e il bellissimo e doloroso Il club di Pablo Larrain, profondamente diversi sebbene legati a doppio nodo dallo stesso spinoso tema, escano in Italia quasi contemporaneamente.
Alla faccia di qualsiasi Family Day.

Voto 8

«…Il modo in cui ha affrontato i vari generi cinematografici e il suo lavoro da filmmaker, fotografo e autore ha contribuito a dar forma alla nostra memoria del cinema, continuando a ispirare altri registi». Con queste parole lo scorso febbraio durante il 65° Festival di Berlino, il direttore della Berlinale Dieter Kosslick motivò l’Orso d’Oro alla carriera a Wim Wenders, che si presentava alla rassegna fuori concorso con la sua ultima opera (dopo il successo di Pina, doc sulla vita e sull’opera di Pina Bauch e de Il sale della terra, altro doc sul fotografo Sebastião Salgado), Ritorno alla vita.

Siamo tutti d’accordo, sul fatto che il cinema di Wenders abbia rappresentato in modo estremamente efficace ed incisivo, la rottura degli schemi e degli argomenti, andando a scardinare i vecchi modelli narrativi e figurativi sin dagli inizi con opere quali Estate in città, La lettera scarlatta o Alice nella città. Ma il componente di spicco del Nuovo cinema tedesco, il cantore per immagini della cinematografia europea contemporanea che si è sempre mosso tra finzione e autenticità facendo della cultura americana riesaminata criticamente uno dei fulcri della sua opera, questa volta ha preso una gran cantonata. Perché il film che segna il ritorno del regista di Dusseldorf al cinema di fiction (l’ultimo, nel 2008, era stato Palermo Shooting) e che avrebbe dovuto essere una storia d’amore, di colpa e di redenzione, finisce per prendere la forma di un dramma in cui l’eccessivo e ingiustificato lirismo trascina con sé ogni altro elemento.

Ritorno alla vita racconta la storia di Tomas (James Franco), uno scrittore americano in piena crisi creativa, tra la sua relazione con Sara (Rachel McAdams), una ragazza che poco capisce del suo mondo interiore, quella con l’editrice Ann (Marie-Josée Croze) e sua figlia Mina, il difficile rapporto con la scrittura, il successo critico e il misterioso legame che instaura con Kate (Charlotte Gainsbourg), un’illustratrice che vive sulle sponde del lago Ontario.

Il problema principale di Ritorno alla vita è che non si capisce dove Wenders voglia andare a parare. Quale dovrebbe essere il senso ultimo del suo film, il tema del perdono? Quello che accade quando il destino decide di entrare a gamba tesa nella vita di qualcuno? O forse il senso di colpa che prova l’artista nel momento in cui trae spunto e sfrutta ciò che accade nella realtà? Non è dato saperlo perché ognuno di questi argomenti viene sfiorato senza essere mai davvero approfondito. Diciamo anche che, mentre lo spettatore prova a interrogarsi sulla questione, le espressioni catatoniche di un James Franco che sembra essere stato buttato sul set immediatamente dopo un rapimento alieno non aiutano. E poi i dialoghi imbarazzanti, la storia che si dipana nell’arco di dodici anni senza che sulle capigliature dei suoi protagonisti si intraveda l’ombra di un capello grigio e le musiche composte dall’onnipresente Alexandre Desplat utilizzate senza un minimo di criterio e in completo disaccordo con la tensione emotiva che dovrebbero sottolineare. Tutto questo fa di Ritorno alla vita un gigantesco passo falso nella carriera di un regista che probabilmente farebbe meglio, da qui in avanti, a rivolgere le proprie attenzioni esclusivamente al documentario.

Voto 3

Early Winter

Partono ancora una volta col freno a mano tirato le Giornate degli Autori, che si dimostrano ancora una volta, dopo la delusione della scorsa edizione, un calderone stipato di pellicole fin troppo incongrue e inconciliabili.

La memoria del agua

A ridosso dell’apertura officiale, inaugurano la sezione Early Winter di Michael Rowe e di Matías Bize, che pur uniti dal tema dell’accettazione della perdita non potrebbero risultare in due concezioni del cinema più diverse. Il primo, cronaca inesorabile del crollo psicologico di un infermiere nostalgico e passatista alle prese con l’incedere dell'”inizio inverno” della vita del titolo, adotta lo stesso registro respingente e rigoroso di quell’Año bisiesto che fruttò al regista la Caméra d’Or a Cannes, e riesce a comunicare – con tono però a tratti un po’ bieco – quella sensazione di crescente disorientamento e di sconfitta di fronte al nuovo che avanza (il protagonista, infermiere con l’hobby del modernariato, non sa controllare le bizze della più giovane moglie russa tecnodipendente). Il secondo, d’altro canto, è un insistito, lagnoso e triviale lacrima-movie sulle antitetiche reazioni di due giovani genitori alla morte del figlioletto (lui vuole ricostituire la coppia, lei cerca di rifarsi una vita), discreto come una martellata in pieno zigomo, impegnato per tutta la sua durata a ricercare costantemente la commozione con i trucchetti più emotivamente pornografici, dalla musicona a base di pop-rock e di plin plin pianistico a sottolineare pesantemente i momenti più ricattatori ai primissimi piani che inseguono lacrime che scendono copiose (quelle di lei) o che restano trattenute sulla palpebra (quelle di lui, che programmaticamente cadono catarticamente a fine film), per non citare gli improponibili rimandi a Shame (la pedalata notturna e l’amplesso liberatorio occasionale sotto una luce vermiglia). Che Bize amasse indugiare nella retorica e nel sentimentalismo era già chiaro dall’appena salvabile La vida de los peces (anch’esso alle Giornate degli Autori, nel 2010), ma qui il confine della decenza filmica è stato abbondantemente oltrepassato.

Il regista Cary Fukunaga e Abraham Attah

Ad aprire la competizione, fra entusiasmi un po’ incontrollati, è invece l’atteso Beasts of No Nation, con cui Cary Joji Fukunaga, dopo la commissione di Jane Eyre e l’exploit televisivo della prima stagione di True Detective, torna sul grande schermo (ancorché sotto l’egida di Netflix) recuperando quell’universo di infanzia violenta già al centro del suo debutto Sin nombre. Dall’America Latina di allora e dai suoi barrios più degradati ci si trasferisce all’Africa Occidentale e la ragnatela di efferatissime gang di strada è qui sostituita da allucinati battaglioni di bambini-soldato, ma l’innalzamento delle ambizioni corrisponde a un progresso più puramente tecnico che contenutistico.
Le tappe di crescita del piccolo Agu (l’esordiente Abraham Attah, impressionante, già col Premio Mastroianni in saccoccia) appartengono infatti a un canone già vieto e formulaico del romanzo di formazione a sfondo cruento (il paragone più immediato, fatte le dovute proporzioni, è in un certo senso L’impero del sole), dall’idillio iniziale alla tragedia improvvisa, dalla ricerca del surrogato paterno (qui un gigionissimo, spassoso Idris Elba) alla progressiva emancipazione innescata dalla disillusione, dall’iniziazione alla morte, al sesso e alla droga fino al conciliante (e forzato) superamento finale.

Idris Elba in Beasts of No Nation

Certo, il mestiere di Fukunaga rimane intatto, la brutalità della guerra è resa senza sconti né addolcimenti e ogni tanto cade qualche briciola di poesia (le preghiere di Agu in voce off, che paiono uscite da un film di Malick), ma era forse lecito aspettarsi un po’ più di anticonformismo e di innovazione in termini di narrazione da chi solo l’anno scorso ha quasi ridefinito il confine ormai sottilissimo fra linguaggio cinematografico e televisivo.

Sempre dalle schizofreniche Giornate degli Autori si affaccia invece lo spagnolo El desconocido, sorta di esagitatissimo rifacimento in chiave automobilistica de In linea con l’assassino di Schumacher – piuttosto che, com’è stato sciaguratamente definito, “un incrocio iberico di Speed e Locke” –, pezzo di bravura di un intenso Luis Tosar tanto curato esteticamente (da antologia il piano sequenza dell’inseguimento finale, con la cinepresa che entra ed esce dall’automobile senza portiere per poi scavalcare corsia su corsia) quanto minato da uno sviluppo iper-melodrammatico ai limiti dell’autoparodia involontaria, da un insistito autocompiacimento e da uno scioglimento moraleggiante che sfocia in una facile, pretestuosa tirata populista contro lo strapotere bancario e in un happy ending che più accomodante non si può.

Stanley Tucci e Mark Ruffalo

Fuori Concorso, invece, spicca l’asciutta, calibrata e lucida inchiesta di Spotlight, un bell’esercizio di cinema civile a sfondo giornalistico più dalle parti de L’ultima minaccia di Brooks («È la stampa, bellezza! La stampa! E tu non ci puoi far niente!») che dell’evocato Tutti gli uomini del presidente di Pakula.

Mark Ruffalo

Tom McCarthy ritrova la sobrietà e la nitidezza del suo exploit L’ospite inatteso, muove le fila complesse ma mai macchinose di un’indagine a base di pedofilia clericale illustrata senza la minima tentazione declamatoria o enfatica e anche se di rado la mano si fa pesante (l’immagine reiterata delle chiese che “incombono” sul paesaggio bostoniano, il prefinale con le testimonianze alternato a un coro di bambini che canta Silent Night in una cattedrale) regge alla perfezione due ore piene di durata non allontanandosi quasi mai da scrivanie e redazioni e tira fuori il meglio da tutti i suoi attori, da un misurato e ruvido Michael Keaton a una Rachel McAdams meno cagna del solito, da un granitico e laconico Liev Schreiber fino all’incontestabile vetta del cast, uno scatenato e sofferto Mark Ruffalo.