Uno dei più creativi e instancabili sperimentatori della settima arte è senza dubbio il 66enne Robert Zemeckis, regista di pellicole quali Ritorno al futuro, Chi ha incastrato Roger Rabbit?, Forrest Gump, Cast Away e The Walk, che con il suo nuovo progetto, Welcome to Marwen, promette di stupire il pubblico ancora una volta.

Interpretato da Steve Carell e in uscita nelle sale americane a novembre (mentre in Italia dovremo attendere l’inizio del 2019), Welcome to Marwen si basa sulla vera storia dell’artista e fotografo Mark Hogancamp che, in seguito a un’aggressione, ebbe gravi problemi di memoria e perse la capacità di parlare e camminare. Hogancamp iniziò però a costruire la miniatura di una città ai tempi della Seconda guerra mondiale.

Come era accaduto già in Chi ha incastrato Roger Rabbit?, anche qui il regista americano unisce due differenti mondi diegetici, alternando recitazione e animazione digitale.

La Fox Searchlight ha diffuso il primo trailer di Battle of the Sexes, il film che porterà al cinema la celebre partita di tennis avvenuta tra Billie Jean King e Bobby Riggs nel 1973, meglio nota come “la battaglia dei sessi“.

Diretto da Jonathan Dayton e Valerie Faris (Little Miss Sunshine) su una sceneggiatura di Simon Beaufoy (127 Ore), Battle of the Sexes arriverà nelle sale americane il 22 settembre 2017.

Windsor-EF-Elongated. E’ questo il font preferito da Woody Allen, quello con cui sono scritti i titoli di testa e di coda della maggior parte dei suoi film e che negli anni è divenuto uno dei suoi marchi di fabbrica, insieme ai vecchi brani jazz, alle nevrosi dei personaggi e ai dialoghi intellettualoidi e fulminanti. Anche Café Society, la sua 46° regia, si apre come il più classico dei film di Allen: i titoli di testa in Windsor, un sottofondo jazz e… Un party in piscina in una sontuosa villa hollywoodiana. Poi, una voce fuoricampo (nella versione originale della pellicola, quella dello stesso Allen) introduce i vari personaggi. La storia questa volta è quella di la Bobby (Jesse Eisenberg), ennesimo alter ego del regista, giovane ebreo che dal Bronx decide di raggiungere Los Angeles con la speranza che lo zio Phil (Steve Carell), noto agente cinematografico, possa aiutarlo facendogli fare carriera a Hollywood. Qui si innamora  di Vonnie (Kristen Stewart), segretaria di Phil con una situazione sentimentale a dir poco complicata. Basta così.

Allen per Café Society ha potuto contare su un budget piuttosto considerevole (una trentina i milioni di dollari messigli a disposizione dagli Amazon Studios, che hanno prodotto il film: esattamente il doppio del budget standard cui il regista di Io e Annie era abituato) e il risultato è sontuoso almeno quanto la fotografia di Vittorio Storaro, qui alla sua prima collaborazione con il regista. Le ricostruzioni dell’epoca sono perfette: tutto appare luminoso, elegante, accurato. Gli abiti e gli acessori sublimi (la costumista Suzy Benzinger si è ispirata direttamente alle collezioni disegnate da Coco Chanel negli Anni Trenta, andando a ricercare i bozzetti originali negli archivi della maison) i caldi tagli di luce fanno risaltare i beige e i crema degli abiti maschili, la morbidezza dei tessuti di quelli femminili (del personaggio della Stewart soprattutto, che sfoggia numerose mise, una meglio dell’altra), impreziositi da un nastro tra i capelli o da pendenti di brillanti.

Incredibile come il primo film girato in digitale da Allen, riesca ad essere anche il suo lavoro più caldo e avvolgente: ci si entra davvero nei night fumosi della New York pre-guerra, quelle bettole che suonano jazz e swing fino all’alba, così come nei club più esclusivi, gestiti dalla mafia locale e frequentati da modelle e nelle ville dei produttori di Hollywood dove i brunch della domenica rappresentano un appuntamento imperdibile per tutto quel sottobosco di personaggi legati in un qualche modo all’industria del cinema. Ci si ritrova a stare lì con loro. Altrettanto riuscita risulta la caratterizzazione della famiglia di Bobby, perfetto esempio di ebraismo yiddish a stelle e strisce dell’epoca, con i genitori (strepitosa Jeannie Berlin nei panni della pragmatica Mamma Rose) rassegnati, a causa dei pregiudizi radicati e diffusi, a rimanere in un angolo e i figli decisi a voler contribuire in ogni modo per farsi riconoscere come parte pulsante e produttiva di un’America ancora in via di definizione.

Accolto senza troppi entusiasmi, chissà poi perché, a Cannes e in generale da pubblico e critica, Café Society è invece uno dei migliori film di Allen. La sua storia si serve infatti delle manie alleniane che ben conosciamo per arrivare a toccare picchi di profondità difficilmente rintracciabili nelle commedie romantiche, genere a cui Café Society effettivamente appartiene. Perché è un film su tantissime cose: sull’amore romantico, su un certo tipo di personaggi che hanno caratterizzato la società americana a cavallo tra le due guerre, sull’incoerenza, sulle scelte fatte e su quelle che non si vorrebbero mai fare, sulle strade intraprese nella vita nonostante tutto, e su quegli amori perfetti che, proprio perché rimasti immobili e sospesi in qualche anfratto del tempo, restano i migliori da raccontare, se si è capaci di farlo. E Allen lo è.

Voto 7,5

“La verità è come la poesia. E a molti la poesia sta sul cazzo“.

E’ il 2005 e il mercato immobiliare americano sembra più stabile che mai.
Ottenere un mutuo è qualcosa che viene concesso più o meno a chiunque mentre le effettive garanzie di un ritorno economico spesso non sono neanche oggetto di controllo da parte delle banche.
L’eccentrico trader Michael Burry (Christian Bale) è il primo a prendersi la briga di leggere con attenzione i preoccupanti segnali che si celano dietro al folto intrico di numeri e tassi d’interesse e che rivelano la presenza di una “bolla” all’interno del sistema finanziario di cui nessuno sembra essere a conoscenza o comunque preoccuparsi e che potrebbe esplodere da un momento all’altro.
Deciso a trarre profitto da questa situazione, Burry investe ingenti quantità di denaro sul fallimento del mercato dei mutui a tasso variabile.
Le banche, ritenendolo un folle, accettano di buon grado.
Quando la notizia comincia a girare nell’ambiente, desta l’interesse prima di Jared Vennett (Ryan Gosling), broker di una delle banche a cui si è rivolto Burry, e, subito a seguire, del manager Mark Baum (Steve Carell) e di due giovani investitori alle prime armi che vedono nel possibile collasso del sistema finanziario la loro chance per essere ammessi a giocare al tavolo dei grandi.
Quando il crack finanziario alla fine arriva davvero, si rivela essere un disastro economico di proporzioni inimmaginabili, senza alcun precedente nella storia.

La bolla dei mutui subprime, la rovinosa caduta di Lehman Brothers e tutto ciò che ne consegue in termini di milioni di persone ridotte all’improvviso sul lastrico andrebbero annoverati nei libri di storia come immediate conseguenze dell’evento più catastrofico del mondo occidentale contemporaneo, più grave anche dell’11 settembre.
Perché il 2007 va ricordato come l’anno in cui l’America ha realizzato che il suo nemico più pericoloso non proviene affatto dal Medio Oriente, bensì dall’interno e, per la precisione, da Wall Street.
Ciò che però ha sempre reso ardua la piena comprensione di uno degli snodi focali della fine del Capitalismo per come lo conoscevamo e di qualsiasi traccia residua di quello che una volta veniva chiamato “American Dream” è sostanzialmente il gergo utilizzato per spiegarlo, troppo intriso di acronimi astrusi e tecnicismi a uso e consumo dei soli addetti ai lavori.
Il bellissimo film di Adam McKay (autore cresciuto sotto l’egida del Saturday Night Live e principalmente noto per aver diretto quasi tutti i film in cui abbia recitato Will Ferrell) parte proprio dal presupposto che tale linguaggio possa essere stato inventato ad hoc per rendere volutamente incomprensibile ai più una verità che è in realtà anche fin troppo semplice. E per questo ancora più triste.
Proprio in virtù di questa intuizione La grande scommessa arriva laddove i pur pregevoli Too Big To Fail di Curtis Hanson e Margin Call di J.C. Chandor non riuscivano, ossia nello sfrondare il campo da qualsiasi sovrastruttura tecnica per spiegare come abbia fatto un Sistema ritenuto fino a quel momento infallibile, a permettere che una moltitudine di piccoli risparmiatori si vedesse negare, da un giorno all’altro, qualunque possibilità di continuare a vivere una vita decorosa.

Per farlo McKay prende un libro del giornalista finanziario Michael Lewis (già autore della matrice letteraria di Moneyball – L’arte di vincere) e, di fatto, confeziona la più strana delle commedie.
Strana perché imbastita di star che (Carell a parte) di rado bazzicano i lidi della leggerezza e che qui non solo si mettono in discussione da un punto di vista fisico (il Michael Burry di Bale – ciabatte, bermuda e un occhio di vetro a fare da filtro tra sé e il resto del mondo – in questo senso è esemplare), ma limitano la loro ovvia e naturale propensione al protagonismo in modo raro per dei divi di quel calibro.
E’ strana anche nella struttura, puntellata di sofisticate deviazioni – evidentemente mutuate dalle moderne declinazioni dell’audiovisivo, quelle introdotte dalla lunga serialità televisiva – che sovente intervengono a spezzarne il flusso narrativo.
Il risultato è che, da un lato, lo spettatore non edotto ha finalmente l’opportunità di capire di cosa si stia parlando (anche grazie a Margot Robbie che, sorseggiando champagne in una vasca da bagno, ci parla di swap e altri strumenti derivati) mentre la leggerezza di fondo, piuttosto che ridimensionare il portato tragico della vicenda, lo amplifica mettendone in risalto i lati più grotteschi.
Che poi le derive nefaste di un sistema finanziario basato sul nulla non ci vengano illustrate attraverso il tipico prodotto indipendente Sundance-oriented, ma addirittura dal campione quintessenziale del mainstream Brad Pitt (anche produttore del film con la sua Plan B) rappresenta forse l’aspetto più radicale di un’opera travolgente e abile nell’ibridare con estrema misura impegno e entertainment.
Forte di una sceneggiatura in alcuni punti anche verbosa ma mai in maniera sterile e fine a se stessa (siamo, pur non raggiungendone le vette, dalle parti di Aaron Sorkin) La grande scommessa è uno di quei film che, immediatamente dopo averli visti, fanno sentire un po’ meno stupidi.
Un ottimo modo per iniziare cinematograficamente questo 2016.

Voto 8

Ce lo ricordiamo tutti il toccante discorso che Ellen Page tenne lo scorso anno alla Human Rights Campaign Foundation Company (se lo avete perso, potete recuperarlo QUI). Parole piene di dignità e di umanità, alle quali la giovane attrice si è affidata per il suo personale coming out. Quale migliore scelta di lei, quindi, per raccontare la battaglia ad opera di due donne che si amano e si battono per veder riconosciuti i propri diritti civili. Al suo fianco una Julianne Moore non al top nonostante sia alle prese con il quarto ruolo gay della sua carriera (dopo I ragazzi stanno bene, The Hours e Chloe).

LA VIDEOINTERVISTA A ELLEN PAGE ALLA FESTA DEL CINEMA DI ROMA

Diretto da Peter Sollett (Nick & Norah: Tutto accadde in una notte, Long Way Home), basato sull’omonimo corto documentario vincitore dell’Oscar nel 2008 diretto da Cynthia Wade e adattato dallo sceneggiatore di Philadelphia, Ron Nyswaner, Freeheld racconta la storia d’amore tra Laurel Hester (Julianne Moore) e Stacie Andree (Ellen Page) e della battaglia che condussero per ottenere giustizia. Quando alla pluridecorata detective Laurel viene diagnosticato un tumore in fase avanzata, la donna decide di assicurarsi che la sua pensione possa andare a Stacie. Ma i funzionari della Contea di Ocean (Ocean County – New Jersey), detti Freeholders, non le riconoscono questo diritto. Il Detective Dane Wells (Michael Shannon), e l’attivista per i diritti civili Steven Goldstein (Steve Carell) si uniscono a Laurel e Stacie coinvolgendo altri agenti di polizia e la comunità a sostegno della loro lotta per l’uguaglianza.

Nonostante la vicenda romantica tra Laurel e Stacy che occupa la prima parte del film appaia credibile e commovente, a dirla tutta più per merito di Ellen Page, quando la malattia di Laurel entra prepotentemente nella storia, infrangendo sogni e speranze della coppia (portatevi i fazzoletti!), Freeheld smette di essere un dramma romantico e si trasforma in un polpettone sui diritti civili che non aggiunge alla causa più di quanto non sia già stato detto da altri, in modo sicuramente più efficace (lo stesso Philadelphia affrontava con maggior disinvoltura il tema della parità LGBT più di 20 anni fa). E l’inserimento di personaggi macchiette – sarebbe bello fingere che il gay ebreo attivista interpretato qui da Steve Carell non sia mai esistito, soprattutto dopo la sua straordinaria performance in Foxcatcher – non è certo di aiuto. Per fortuna che ci sono Ellen Page e Michael Shannon, che con le loro prove contribuiscono a togliere un po’ di piattume a un film che poteva rappresentare molto di più. Dispiace più che altro per l’occasione persa, perché Freeheld arriva in un momento storicamente perfetto, un momento in cui il tema che tratta è davvero caldo tanto negli States (la recente apertura di Obama ai matrimoni gay) quanto da noi.

Voto 5