“Il più bel film che potevo immaginare era un film che non si fermasse mai”: l’ultima, definitiva, irreversibile avventura del grande cosmopolita del documentarismo moderno, caduto sul campo nel pieno delle riprese, è uno sconclusionato e fantasmagorico compendio di volti, gesti e civiltà in libera successione, un’odissea sul Nulla e una sfrenata elegia del movimento che la devota supervisione della montatrice Monika Willi plasma in una dirompente enciclopedia transmediterranea.

9. Corpo e anima – Ildikó Enyedi

Indagando quell’interferenza e quella convergenza tra la finitezza della carne e la sublimazione dello spirito che costituisce poi la cifra di ciò che ci rende umani, il ritorno al lungometraggio, dopo quasi vent’anni, della più clamorosa promessa della cinematografia ungherese emersa a cavallo tra i due secoli riassume nelle sue atmosfere diafane, neile sue vite spezzate e nel suo intimo disagio una visione del sentimento che trascende i limiti del reale e del tangibile per gettarsi con cieca fiducia nel sogno e nell’imperscrutabile.

8. In guerra – Stéphane Brizé

Un nuovo capitolo, complementare al mirabile excursus ottocentesco di Una vita, dello studio esistenziale di Stéphane Brizé, un’immersione nella confusione del contemporaneo che avanza e fagocita, nella stessa Francia in via di deindustrializzazione de La legge del mercato, nelle disperate barricate e negli scontri intestini di un proletariato in via di estinzione, in un’inguaribile crisi di coscienza di classe, trasfigurata dalla propaganda e dal passaparola: cinema partecipativo, furibondo, irriducibile e lucidamente antagonista.

7. A Quiet Passion – Terence Davies

Riaffiora dalle tenebre della distribuzione la voce del massimo cineasta britannico in attività: il paradosso della cronaca minuziosa di un’intera vita all’insegna dell’isolamento e della monotonia si risolve nel totale sovvertimento delle regole del biopic e nella capacità di individuare l’intima straordinarietà nascosta sotto la stasi del quotidiano.
L’illusione della permanenza, la poesia della routine, la consapevolezza dell’anima che fa i conti con l’assenza di Dio: il mondo di Terence Davies e quello di Emily Dickinson convergono fino a farsi l’uno lo specchio dell’altro.

6. Poesia senza fine – Alejandro Jodorowsky

Il pluridecennale silenzio cinematografico dello sciamano cileno de La montagna sacra si interrompe con un personalissimo dittico, anzi, un “(auto)ritratto dell’artista da giovane” di sconcertante sincerità: limata la ruggine e, grazie a un generoso crowdfunding, colmate le carenze di budget di La danza della realtà, il padre della psicomagia stende l’immaginifico e torrenziale bilancio della sua preistoria creativa e della rivoluzione intellettuale di tutto un Paese, in una baraonda di ricordi, fantasie, sogni e confessioni che folgora, incanta e commuove.

5. Ex Libris: The New York Public Library – Frederick Wiseman

Il decano della non-fiction statunitense completa la sua trilogia dedicata ai più importanti patrimoni del sapere anglo-americano aperta dall’universo accademico di At Berkeley e proseguita con la tappa londinese di National Gallery: con il suo consueto occhio ravvicinatissimo ma distaccato, il suo resoconto partecipe ma fattuale e la sua impressionante vastità di azione, Wiseman celebra le aule, le sale di lettura, gli archivi, gli uffici e gli altri meandri dell’istituzione bibliotecaria come l’espressione più lampante dell’uguaglianza e il fondamento più necessario della democrazia.

4. La stanza delle meraviglie – Todd Haynes

Una nuova dimostrazione, forse la più vertiginosa e arrischiata, dello smisurato talento trasformistico di Todd Haynes, un racconto a doppia elica, sospeso fra le atmosfere trasognate dell’era del muto e la grana grezza dei seventies, che assume i connotati della grande sinfonia urbana e che ristabilisce il primato dell’immagine nel linguaggio cinematico: tra un contributo musicale di Carter Burwell che assomiglia a una co-regia e il montaggio parallelo di Affonso Gonçalves, un viaggio denso e trascinante ad altezza di bambino dentro un intricatissimo labirinto audiovisivo che conduce dritti al più puro stato di stupefazione.

3. Still Recording – Said Al Batal e Ghiath Ayoub

“L’immagine filmica è l’ultima linea di difesa contro il tempo”: la più frastornante, eclatante e necessaria testimonianza di cinema diretto degli ultimi anni è un’autentica passeggiata all’inferno, tra le azioni di guerriglia, gli scontri a fuoco, la quotidiana resilienza e gli sprazzi di tregua del conflitto siriano, affrontato da un’équipe di giovani cineasti dilettanti “armati” di videocamera e impegnati in una missione che, prima di essere bellica, è soprattutto etica. Un reportage crudo, sporco e demistificante in cui la costruzione della memoria e il bisogno di “continuare a riprendere” travalicano la percezione dell’orrore e l’incombenza della morte.

2. Il filo nascosto – Paul Thomas Anderson

Fra compulsione e devozione, sopraffazione e simbiosi, senso del possesso e dolore dell’assenza, Paul Thomas Anderson definisce, perfeziona ed estremizza quel dialogo fra Amore e Potere che è alla base della sua poetica e firma un esempio irripetibile di opera postmoderna in grado di acquisire immediatamente il rango di classico: un oggetto sontuoso e respingente, gelido e incandescente, monolitico e pulsante, un complesso di contrasti e di contraddizioni a metà fra il melodramma hitchcockiano e il gigantismo wellesiano che appaga equamente gli occhi, la mente e il cuore.

1. Mektoub, My Love: Canto uno – Abdellatif Kechiche

Esuberante, eccessivo, euforico e palesemente fuori controllo: il nuovo romanzo di formazione del cineasta franco-tunisino è un’esperienza sensuale che sospende la narrazione per cogliere, con una libertà espressiva travolgente e un’empatia contagiosa, la duplicità dell’apollineo e del dionisiaco, una celebrazione della giovinezza, delle sue scoperte, dei suoi palpiti e dei suoi errori, immortalata in un assolato profluvio di corpi, danze, sguardi e baldorie che si vorrebbe non finisse mai.

Senza se e senza ma l’horror dell’anno, Hereditary è un’opera prima coraggiosa e spiazzante. Nel costruire un mondo ricco di inquietudine e suggestioni, Aster si diverte a tessere una trama in cui lo spettatore impiega un po’ a entrare, fino ad arrivare a un epilogo con la tensione accumulata che deflagra all’improvviso. Protagonista, un’immensa Toni Collette.

9.  BlacKkKlansman – Spike Lee
Cavalcando l’onda del black power di Hollywood, uno Spike Lee più militante che mai torna a guardare al passato per inquadrare il presente: quello dell’America trumpista più becera e razzista. Lo fa attraverso una pungente commedia sopra le righe in cui un nero e un ebreo diventano leader di una sede locale del Ku Klux Klan. A parte un lieve eccesso di retorica, un tripudio di sagacia e sottile ironia.

8.  Mission: Impossible – Fallout – Christopher McQuarrie
È un Ethan Hunt stanco quello di Mission: Impossible – Fallout, il migliore tra i film della saga iniziata con Brian De Palma, ma che ha trovato in Christopher McQuarrie una mano più idonea.
Alcuni dialoghi non avremmo mai voluto ascoltarli, ma c’è tanta di quella azione e tanta di quella adrenalina che si finisce per dimenticarli. Un plauso a parte va a Tom Cruise che, a 56 anni suonati, continua a girare tutte le scene senza controfigura, alcune delle quali folli e, ça va sans dire, davvero impossibili.

7.  Sulla mia pelle – Alessio Cremonini
È stato il caso cinematografico dell’anno, il film sull’ultima settimana di vita di Stefano Cucchi. Non dà giudizi Alessio Cremonini, ma ricostruisce quei giorni atroci attraverso silenzi e stanze vuote. Anche in questo caso, i difetti stilistici vengono oscurati dalla potenza della vicenda, e dalla magistrale interpretazione di Alessandro Borghi.

6.  Tonya – Craig Gillespie

La storia della pattinatrice americana Tonya Harding è il film sullo sport che non ci si aspetta. Un personaggio, quello dell’atleta olimpica, attraente e affatto banale, estremamente difficile da interpretare perché incredibilmente pieno di contraddizioni, che Margot Robbie rende alla perfezione. La sua Tonya è un anatroccolo sgraziato, il frutto delle angherie subìte da una madre perfida e anaffettiva (una altrettanto straordinaria Allison Janney).

5.  Dogman – Matteo Garrone
Dopo le mirabilie de Il racconto dei racconti, Garrone attualizza un fatto di cronaca tristemente noto e ricco di suggestioni e lo fa proprio. Ma non è la storia del Canaro della Magliana quella che vediamo. È più una parabola sulla genesi e sul compimento di una vendetta. Un rituale antico che rivive nelle brutture sia fisiche che morali dei due protagonisti, gli impeccabili Marcello Fonte ed Edoardo Pesce, e accade in un non luogo stantìo e ripugnante.

4.  L’isola dei cani – Wes Anderson
La rigorosa estetica spaziale di Wes Anderson che incontra il Giappone. Difficile immaginare un connubio più riuscito. Nel prendere spunto dal teatro kabuki, dai manga, dagli anime e dai paesaggi di Hokusai, Anderson non confeziona un semplice omaggio all’iconografia giapponese, bensì unisce a quest’ultima la propria, ordinatissima, visione del mondo. Quello che ne viene fuori è un capolavoro di animazione in stop-motion che affronta temi di stringente attualità, tra fake news, slogan populisti e razzismo.

3. Lazzaro felice – Alice Rohrwacher

Il cinema italiano, quello improvviso e spiazzante. Un’avventura magica e picaresca che si muove di continuo tra dramma e commedia, tra cronaca e storia, in un tempo e in uno spazio che sembrano solo immaginati. Una parabola di ingenuità e candore sulla bontà incondizionata e sulla rinascita che fa il verso al miglior Zavattini nonché, cinematograficamente parlando, un punto da cui ripartire.

2. ROMA – Alfonso Cuarón
Il nome del quartiere borghese di Città del Messico dove Cuarón è cresciuto fa da cornice a un racconto che è allo stesso tempo intimo ed epico, la storia di una famiglia che è anche quella di una nazione.
La nitidezza del bianco e nero per valorizzare al massimo la sorprendente fluidità narrativa dell’opera più struggente del regista messicano nei suoi 135 minuti di minuscolo, solenne, quotidiano.

1. Il filo nascosto – Paul Thomas Anderson

Questa volta va oltre, Paul Thomas Anderson, e chiede anche a noi di farlo. Di non fermarci alla forma, ma di arrivare fino alla sostanza, all’essenza. Oltre il visibile. Per oltrepassare questo limite, però, ha bisogno dei corpi, dei tratti spigolosi del volto di Daniel Day-Lewis e di quelli più dolci della sensazionale Vicky Krieps (una rivelazione), delle mani di lui, sarto tanto raffinato quanto nevrotico, e delle pose di lei, sua musa sgraziata. Poi la loro storia d’amore, algida e disturbante, all’interno di una narrazione ampia che sfiora i generi per valicarne, anche qui, i confini. Siamo nel territorio del sublime.

A cinque anni da The Master e dopo una coraggiosa incursione all’interno della complessità sintattica del mondo di Thomas Pynchon per Vizio di forma, Paul Thomas Anderson torna a raccontare una vicenda incentrata sul rapporto tra due persone. Siamo nella Londra degli anni Cinquanta, dove il rinomato sarto Reynolds Woodcock (Daniel Day-Lewis) e sua sorella Cyril (Lesley Manville) sono al centro della scena della Haute Couture con le loro creazioni realizzate per teste coronate, star del cinema, ereditiere e altre esponenti dell’alta società inglese.
Le donne entrano ed escono dalla vita di Woodcock, la cui fama di scapolo incallito non fa che accentuarne il fascino, fino a quando non incontra la giovane e tenace Alma (un’incredibile Vicky Krieps, mistero sulla sua mancata candidatura agli Oscar) che, inaspettatamente, entra nella sua routine ordinata e perfettamente regolata, stravolgendola del tutto.

The Master, dicevamo. Perché il rapporto tra il couturier Reynolds Woodcock e la sua musa-modella-amante Alma, almeno all’inizio del film, Anderson lo struttura nello stesso modo in cui aveva messo in piedi quello tra il guru Lancaster Dodd (Seymour Hoffman) e lo sbandato reduce Freddie Quell (Joaquin Phoenix), imperniandolo su una componente psicologica non indifferente. Woodcock è il pigmalione, Alma è la sua Eliza Doolittle, ne subisce il fascino, impara ad essere come lui vuole che sia e cerca di non deluderlo. Poi la storia prende una piega inaspettata e inizia a mutare genere e struttura. Ed è qui che viene il bello. La manipolazione tra i due smette di essere unilaterale e si fa reciproca, il tutto senza che Anderson smetta di mostrare bellezza in ogni sua forma: il dettaglio delle dita di Woodcock con i polpastrelli screpolati che cuciono eterei tessuti, le abitudini liturgiche e i gesti maniacali compiuti dal couturier contrapposti a quelli sicuramente meno aggraziati ma assai più vivi di Alma, al cui passato non viene mai fatto cenno e la macchina da presa che sembra accarezzare gli attori e i luoghi in cui si muovono, accompagnati da un’evocativa sonora composta da Jonny Greenwood, polistrumentista membro dei Radiohead, che aderisce perfettamente alle immagini senza sovrastarle.

Paul Thomas Anderson si diverte a giocare con lo spettatore e carica Il filo nascosto di tensioni e aspettative, con una padronanza del linguaggio filmico che in pochi possiedono. Nel farlo, ricalca in modo piuttosto pedissequo lo schema del torbido melò hitchcockiano Rebecca la prima moglie: c’è una giovane e nuova fiamma che entra nella vita del protagonista maschile e che viene portata in un ambiente al quale non appartiene. La giovane deve continuamente dimostrare a lui, a un’incombente presenza femminile che tiene tutto sotto rigido controllo (lì era la governante Judith Anderson, qui è la sorella di lui Lesley Manville) e ai fantasmi del passato (lì la prima signora de Winter, qui la madre di Reynolds e Cyril) di essere all’altezza della situazione e di meritare di affiancare Woodcock nel lavoro e nella vita. Riuscitissimo omaggio al cinema classico di Max Ophüls, Douglas Sirk e, naturalmente, Alfred Hitchcock, Il filo nascosto (che è stato girato interamente in pellicola) si inserisce perfettamente all’interno della filmografia di Paul Thomas Anderson in cui sono le ossessioni dei personaggi a portare avanti il racconto: giocatori d’azzardo, attori porno, fondatori di sette religiose, invasati life coach e petrolieri con il chiodo fisso del denaro. Tutti individui fuori dagli schemi in cerca di qualcosa che possa colmare il vuoto interiore acuito dalle loro manie.

Però, al netto di tanta bellezza, riconosciuta anche dall’Academy con 6 nomination agli Oscar 2018, guardare Il filo nascosto sapendo che si tratta dell’ultima prova di Daniel Day-Lewis, fa davvero male. Speriamo cambi idea ma, se così non fosse, il suo addio alle scene nei panni del sarto Reynolds Woodcock sarà comunque indimenticabile.

Voto 8,5