Siano benedetti i film che durano meno di un’ora e mezza. Soprattutto se sono anche irriverenti, cinici e divertenti come questo The Party, undicesima regia dell’inglesissima Sally Potter presentata lo scorso anno a Berlino. Partendo da uno degli assunti più adoperati e abusati nel cinema e nel teatro, ovvero rinchiudere un piccolo gruppo di persone in uno spazio ristretto, l’autrice mette in scena facendo affidamento su un solido impiento narrativo in un funzionale e accattivante bianco e nero, la storia di Janet (Kristin Scott Thomas), esponente di spicco del partito Laburista britannico, che decide di festeggiare la nomina a Ministro della salute nel neonato governo ombra insieme con il marito (Timothy Spall) e qualche amico. Durante la cena, però, una serie di rivelazioni personali da parte dei vari invitati trasformerà la festa in una vera e propria tragedia.

È un gioco al massacro The Party, una pochade, esattamente come lo era il polanskiano Carnage e si percepisce in ogni momento quel divertimento e quella sottile goduria da parte della Potter, di giocare con lo spettatore, a cominciare dal doppio senso del titolo (il riferimento è sia alla festa che al Partito Laburista di cui i protagonisti rappresentano le varie facce). Con l’intento di ironizzare sulla sinistra borghese radical-chic, le cui fila pullulano di intellettuali da salotto aggrappati a una manciata di ideali liberali e progressisti, The Party ne inscena il funerale politico e sociale, complice un cast di primissimo livello tra cui spiccano un immenso Timothy Spall, professore universitario distrutto dalla depressione e dall’alcol, una Patricia Clarkson in versione suffragetta nostalgica e disillusa e un Bruno Ganz life coach alternativo.

Sally Potter, dal canto suo, orchestra alla perfezione entrate e uscite di questa improbabile compagine, calibrandone umorismo e sarcasmo, così come le rivelazioni e il valzer di tradimenti che si mostrano pian piano, di pari passo con il deteriorarsi delle relazioni all’interno del gruppo. L’unità di luogo e di tempo e i dialoghi ironici e taglienti fanno il resto, incorniciando egregiamente questa black comedy sagace e fulminante.

Voto 7

Dopo l’infelice parentesi di Pan, prescindibilissima nonché ennesima trasposizione delle avventure del ragazzo che non voleva crescere mai, il regista inglese Joe Wright sembra essere tornato in carreggiata con L’ora più buia, dramma storico incentrato sulle settimane iniziali di Winston Churchill alla guida della Gran Bretagna come Primo ministro, agli albori della Seconda Guerra Mondiale, quando l’ombra della svastica minacciava l’intera Europa.
10 maggio 1940, il 65enne Winston Churchill viene nominato Primo Ministro dal non troppo convinto Giorgio VI (il Re balbuziente de Il discorso del Re), imprimendo alla politica estera del Regno Unito un carattere intransigente rispetto a improbabili accordi di pace con Hitler, auspicati invece dal capo del Governo uscente Neville Chamberlain insieme a Lord Hallifax.
Per molti Churchill appare inadatto a ricoprire quel ruolo, soprattutto in un contesto tanto drammatico in cui gli gli Alleati continuano a raccogliere sconfitte contro le truppe naziste, l’intero esercito britannico è arenato in Francia e gli Stati Uniti non muovono ancora un dito. Mentre la minaccia di un’invasione del Regno Unito da parte delle forze di Hitler si fa sempre più reale e 300.000 soldati della Regina sono bloccati a Dunkirk, Churchill si trova a combattere contro i membri del proprio partito, dell’opposizione e con Re Giorgio VI per la salvezza del Paese e per mantenere la propria reputazione, già ampiamente compromessa dalla Campagna di Gallipoli, durante la Prima Guerra Mondiale e dall’andirivieni tra il Partito conservatore e quello liberale. Il governo preme per negoziare la pace con la Germania, ma Churchill è inflessibile: nessun negoziato con i nazisti.

L’ora più buia, a dire la verità in modo un po’ ruffiano, presenta Winston Churchill come un irrefrenabile brontolone con la bombetta e la battuta sempre pronta, perennemente accompagnato da un sigaro e un bicchiere di whisky. Una caratterizzazione irresistibile con cui è impossibile non empatizzare sin dal principio. Tutto il resto, ce lo mette Gary Oldman che compie un incredibile lavoro sul personaggio, bofonchiando e annuendo mentre cammina con un’andatura incerta tra i corridoi angusti del Parlamento. Nonostante siano stati diversi gli attori inglesi che hanno interpretato lo statista che salvò l’Europa dalla svastica (da Richard Burton ad Albert Finney, da Michael Gambon a Timothy Spall, John Lithgow e Brian Cox), la prova di Oldman appare l’unica davvero degna di nota. Quello che è riuscito a fare il make-up artist giapponese Kazuhiro Tsuji ha del portentoso, ma la grandezza di Oldman va cercata soprattutto nel suo essere credibile facendo a meno di facili scorciatoie interpretative gigionesche e appropriandosi una personalità tanto complessa e controversa come quella del Primo ministro inglese.

C’è però un altro motivo, oltre alla prova di Oldman giustamente premiato con un Golden Globe a cui si aggiungerà quasi certamente un Oscar, per cui L’ora più buia risulta degno di interesse, ovvero il suo essere il perfetto contraltare di Dunkirk, l’altra faccia del film di Christopher Nolan, mostrando che cosa succedeva in patria mentre i soldati inglesi aspettavano di essere salvati da un imminente massacro sulle coste francesi. Se nel film di Nolan c’era l’agonia dell’attesa, ne L’ora più buia troviamo la strategia e l’arte di argomentare in modo abile e persuasivo nelle stanze del potere da parte di Churchill. Per il resto, la regia di Wright procede con con pochi guizzi e un classicismo un po’ troppo rigido, se si escludono un paio di scelte di montaggio leggermente più ardite, colpa anche dello script del neozelandese Anthony McCarten (già autore de La teoria del tutto) dalla tenuta narrativa che a tratti vacilla, fino a prendere una deriva populista decisamente troppo marcata.
Buone le prove di Ben Mendelsohn nei panni di Re Giorgio VI e di Kristin Scott Thomas come Clementine Churchill, ma il cuore del film rimangono Oldman e la sua interpretazione ottenuta a suon di “sangue, fatica, lacrime e sudore“.

Voto 6,5

Arriverà nelle nostre sale il prossimo 18 gennaio L’ora più buia, biopic storico diretto da Joe Wright (Espiazione, Anna Karenina) e interpretato da un immenso Gary Oldman nei panni di Winston Churchill. Abbiamo visto il film in anteprima – a breve la recensione – e possiamo confermare che il lavoro che Oldman ha compiuto, sia nell’aspetto che nella voce e nelle movenze, lascia davvero senza fiato.

L’ora più buia, che vede nel cast anche Kristin Scott Thomas, Lily James, Stephen Dillane, Ronald Pickup e Ben Mendelsohn, porta sul grande schermo la vera storia dell’ex primo ministro inglese Winston Churchill, soffermandosi su un momento particolare della sua vita. Il titolo del film si riferisce alla frase di Churchill usata per descrivere il periodo – tra l’invasione della Francia da parte dei nazisti nel 1940 e dell’Unione Sovietica nel 1941 – che vide l’impero Britannico combattere da solo nella guerra contro il nemico tedesco.

A pochi giorni dall’assunzione della carica di primo ministro della Gran Bretagna, Winston Churchill si trova ad affrontare una delle sue prove più difficili: considerare un negoziato di pace con la Germania nazista, o continuare a combattere saldamente per gli ideali, la libertà e l’autonomia di una nazione.
Mentre le inarrestabili forse naziste si insediano nell’Europa orientale e la minaccia di un’invasione diventa sempre più concreta, con un pubblico impreparato, un re scettico e il suo partito contro di lui, Churchill dovrà superare la sua ora più buia, chiamare a raccolta una nazione e provare a cambiare il corso della storia mondiale.

Di seguito l’intervista video a Gary Oldman in cui l’attore racconta che cosa ha significato per lui interpretare un personaggio tanto celebre quanto contraddittorio quale fu Churchill.

L’ora più buia: la videointervista a Gary Oldman

Oldman parla anche dello straordinario apporto che ha dato al suo personaggio l’artista e make-up artist giapponese Kazuhiro Tsuji, un vero pilastro a Hollywood, che nel 2012  ha lasciato l’industria del cinema per dedicarsi all’arte (le sue sculture iperrealiste sono davvero impressionanti), e che è tornato al suo primo amore quando ha saputo che avrebbe dovuto aiutare Gary Oldman a somigliare il più possibile a Churchill. Una sfida che non poteva non raccogliere.

Kazuhiro accanto al busto di Andy Warhol da lui realizzato

L’ora più buia: la videointervista a Gary Oldman

“Arrivavo sul set alle 3 del mattino per iniziare a truccarmi – racconta Oldman. La parte dei costumi prendeva un’altra mezz’ora, fino a quando la troupe non arrivava alle 7“.

E’ un cinema di donne quello di Saul Dibb, regista britannico che già sei anni fa aveva suscitato una certa curiosità con La duchessa, storia di Lady Georgiana Spencer, imperatrice della moda nell’Inghilterra di fine Settecento e che con Suite Francese torna a raccontare una vicenda con una prospettiva tutta al femminile. Seguendo le orme lasciate da Douglas Sirk, autore simbolo del melodramma familiare (Magnifica ossessione, Come le foglie al vento e via dicendo), la passione di Dibb per gli amori impediti, gli scontri familiari e le figure di donne sole, forti e inquiete capaci di dirottare il loro destino verso lidi forse più felici, rappresenta il fulcro di questo mélo di ampio respiro che si staglia in modo piuttosto netto dal sottobosco del genere, pullulante di storie e storielle generalmente stucchevoli e lacrimose oltre ogni misura.

Per farlo Dibb si appoggia a Dolce, opera incompiuta che Irène Némirovsky scrisse in segreto durante la Seconda Guerra Mondiale, prima di finire i suoi giorni ad Auschwitz nel 1942. Ambientato in Francia nel 1949, Suite Francese narra la storia di Lucile Angellier (Michelle Williams) che, nell’attesa di ricevere notizie dal marito prigioniero di guerra, vive un’esistenza soffocante insieme alla suocera (Kristin Scott Thomas), donna fredda e dispotica. L’esistenza della ragazza viene stravolta quando la cittadina in cui vive viene invasa dai soldati tedeschi, ai quali gli abitanti del posto sono obbligati a dare ospitalità. Inizialmente Lucile ignora la presenza di Bruno (Matthias Schoenaerts), un colto ufficiale tedesco che è stato dislocato nella loro abitazione, ma presto vedrà nascere un sentimento profondo nei suoi confronti.

In un film appartenente a un genere da sempre considerato secondario e di minor valore rispetto ad altri, quale è appunto il melodramma, c’è sempre bisogno di un elemento distintivo, di uno o più tratti caratteristici che facciano la differenza. In Suite francese la differenza la fanno il cast e il punto di vista da cui la storia viene raccontata. Michelle Williams conferma le sue doti attoriali, impeccabile anche Matthias Schoenaerts, già apprezzato al fianco di Marion Cotillard nello struggente Un sapore di ruggine e ossa mentre Kristin Scott Thomas è perfetta nei panni dell’impassibile suocera. Interessante poi come Dibb abbia voluto assegnare ad attrici già affermate ruoli di contorno che evidentemente tanto di contorno poi non sono. Ruth Wilson (fresca di un Golden Globe per il suo ruolo nella serie TV The Affair) e una quasi irriconoscibile Margot Robbie (The Wolf of Wall Street, Focus – Niente è come sembra) sono del tutto credibili nei panni di due contadine francesi alle prese con i non facili problemi familiari che l’invasione nemica non fa che acuire.

La Némirovsky conferisce al racconto una prospettiva corale che, partendo da volti di donne che emergono dalla massa e servendosi delle loro vicende per far luce sulle ingiustizie perpetrate ai danni del singolo, a poco a poco si allarga fino ad offrire uno sguardo più ampio sull’impatto devastante che un conflitto può avere sulla collettività. Dibb la segue in questo e mette in scena una guerra femmina, con le protagoniste costrette ad uscire dal “rassicurante” affresco domestico, ora mogli, madri, suocere disarmate che non hanno altro modo di combattere il nemico se non guardandolo negli occhi.

Voto 7

Sarà presentato tra qualche giorno al Festival di Cannes Only God Forgives – Solo Dio Perdona, l’atteso ritorno sul grande schermo di Ryan Gosling con il regista Nicolas Winding Refn (Drive). Oggi vi proponiamo tre clip della pellicola con Ryan Gosling, Kristin Scott Thomas e Yayaying Rhatha Phongam.

Questa la sinossi ufficiale: Bangkok. Dieci anni dopo aver ucciso un poliziotto ed aver fatto perdere le sue tracce, Julian (Ryan Gosling) gestisce un club di Thai Boxe come copertura per operazioni di spaccio di droga. Pur rispettato nell’ambiente criminale, vive un momento di depressione e vuoto interiore.
Quando suo fratello uccide una prostituta, la polizia si rivolge ad un agente che ha lasciato il lavoro: Chang, noto come l’Angelo della Vendetta. Il quale permette al padre della ragazza di uccidere l’assassino per poi “restaurare” la giustizia tagliando al vecchio la mano destra.
A questo punto arriva a Bangkok la madre di Julian (Kristin Scott Thomas), Jenna, capo di una potente organizzazione criminale, per recuperare il cadavere del figlio. E ordina a Julian di trovare il suo assassino e mandarlo all’inferno.
Ossessionato dall’Angelo della Vendetta, Julian lo sfida a un incontro di Thai Boxe, sperando che sconfiggendolo sul ring possa finalmente ritrovare la pace dello spirito. Ma Chang lo batte.
Jenna, sempre più furiosa, progetta una reazione ancor più terribile: tutto è pronto per un viaggio sanguinario attraverso il tradimento e la vendetta, verso lo scontro definitivo, in cerca dell’ultima possibilità di redenzione.

L’uscita di Only God Forgives è prevista per il 19 luglio negli USA. In Italia lo distribuirà 01 Distribution a partire dal 30 maggio.