Sono state annunciate le nomination ai 38° Razzie Awards, i premi che, come da tradizione, precedono di un giorno quelle del riconoscimento cinematografico per eccellenza: gli Oscar, le cui candidature saranno annunciate domani, 23 gennaio.

Quest’anno i temutissimi lamponi d’oro (Golden Raspberry Awards, è questo il vero nome del premio) assegnati alle peggiori pellicole dell’anno vedono in pole position titoli quali Transformers – L’ultimo cavaliere (con 9 nomination), Cinquanta Sfumature di Nero (con 8 nomination) e La Mummia (con 7 nomination) e attori come Tom Cruise, Mark Wahlberg, Emma Watson e Jennifer Lawrence.

Di seguito la lista con tutte le nomination ai 38° Razzie Awards.

PEGGIOR FILM

“Baywatch”
“Emoji – Accendi le emozioni”
“Cinquanta sfumature di nero”
“La Mummia”
“Transformers – L’ultimo cavaliere”

PEGGIORE ATTRICE

Katherine Heigl, “Unforgettable”
Dakota Johnson, “Cinquanta sfumature di nero”
Jennifer Lawrence, “Madre!”
Tyler Perry, “BOO! 2: A Medea Halloween”
Emma Watson, “The Circle”

PEGGIORE ATTORE

Tom Cruise, “La Mummia”
Johnny Depp, “Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar”
Jamie Dornan, “Cinquanta sfumature di nero”
Zac Efron, “Baywatch”
Mark Wahlberg, “Daddy’s Home 2” and “Transformers: The Last Knight”

PEGGIORE ATTORE NON PROTAGONISTA

Javier Bardem, “Madre!” e “Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar”
Russell Crowe, “La Mummia”
Josh Duhamel, “Transformers: Last Knight”
Mel Gibson, “Daddy’s Home 2”
Anthony Hopkins, “Collide” and “Transformers – L’ultimo cavaliere”

PEGGIORE ATTRICE NON PROTAGONISTA

Kim Basinger, “Cinquanta sfumature di nero”
Sofia Boutella, “La Mummia”
Laura Haddock, “Transformers – L’ultimo cavaliere”
Goldie Hawn, “Fottute!”
Susan Sarandon, “A Bad Moms Christmas”

PEGGIOR COMBO SULLO SCHERMO

Ogni combinazione di due personaggi, due sex toy o due posizioni sessuali, “Cinquanta sfumature di nero”
Ogni combinazione di due umani, due robot o due esplosioni, “Transformers – L’ultimo cavaliere”
Qualsiasi coppia di emoji odiose, “Emoji – Accendi le emozioni”
Johnny Depp e le sue mosse da ubriaco passate di moda, “Pirati dei Caraibi – La vendetta di Salazar”
Tyler Perry e il suo vecchio vestito o la parrucca passata di moda, “BOO! 2: A Madea Halloween”

PEGGIOR REMAKE/RIP-OFF/SEQUEL

“Baywatch”
“BOO 2: A Medea Halloween”
“Cinquanta sfumature di nero”
“La Mummia”
“Transformers – L’ultimo cavaliere”

PEGGIOR REGISTA

Darren Aronofsky, “Madre!”
Michael Bay, “Transformers – L’ultimo cavaliere”
James Foley, “Cinquanta sfumature di nero”
Alex Kurtzman, “La Mummia”
Anthony (Tony) Leondis, “The Emoji Movie”

PEGGIOR SCENEGGIATURA

“Baywatch”
“Emoji – Accendi le emozioni”
“Cinquanta sfumature di nero”
“La Mummia”
“Transformers – L’ultimo cavaliere”

Chissà perché quando i film americani raccontano realtà italiane (o comunque fatti avvenuti nel nostro Paese), il rischio di scadere nel ridicolo e nella macchietta diventa quasi sempre una certezza. È accaduto tante volte, anche a registi come di Woody Allen (To Rome with Love è il suo film peggiore in assoluto), o Ryan Murphy (avete presente Julia Roberts che incontra Luca Argentero in Mangia, prega, ama?). Perfino Ron Howard nei vari adattamenti ai romanzi di Dan Brown è caduto in questo fastidioso stereotipo. E Ridley Scott, che già nel 2001 aveva diretto Hannibal, portando quel mostro di Hannibal Lecter a Firenze circondato da un cast di improbabili comparse italiane – da Francesca Neri a Enrico Lo Verso – non sembra aver imparato la lezione e, con Tutti i soldi del mondo, cade nuovamente nel cliché.

Neanche a dire che il film non abbia dovuto far fronte a problemi ben più seri, come la scelta di cancellare, a un mese dall’uscita nelle sale, uno dei protagonisti (Kevin Spacey, a seguito delle numerose accuse di molestie ai danni di colleghi e collaboratori). Così ai 40 milioni di dollari di budget se ne sono aggiunti altri dieci, per chiedere a un veterano come Christopher Plummer di rigirare, in nove giorni, le ventidue scene in cui appariva Spacey, al ritmo di diciotto ore al giorno di set: un impegno notevole per l’ottantasettenne attore canadese e una vera e propria corsa contro il tempo per Ridley Scott e la troupe, per rispettare le date di uscita del film.

Basata sul libro Painfully Rich: The Outrageous Fortune and Misfortunes of the Heirs of J. Paul Getty scritto da John Pearson, Tutti i soldi del mondo, almeno su carta, aveva le caratteristiche per poter essere un interessante film-inchiesta su uno dei rapimenti che, negli anni Settanta, sconvolse l’opinione pubblica. Si racconta infatti di Jean Paul Getty (Christopher Plummer), magnate del petrolio noto per essere l’uomo più ricco al mondo e al tempo stesso il più avido. A Roma nel 1973 suo nipote, Paul Getty III (Charlie Plummer), viene rapito dalla ’Ndrangheta. Ma quanto accaduto a uno dei membri della sua famiglia non sembra essere per il vecchio, una ragione valida per rinunciare a parte delle sue fortune, tanto che si rifiuta di pagare il riscatto chiesto dai sequestratori. Toccherà quindi alla madre del ragazzo Gail (Michelle Williams) e a Fletcher Chase (Mark Wahlberg), un ex-agente della CIA diventato faccendiere di Getty Senior, cercare di raccogliere i 17 milioni di dollari necessari al rilascio di Paul, in a una sfrenata corsa contro il tempo.

Il risultato finale, però, non è all’altezza delle intenzioni iniziali e Tutti i soldi del mondo non solo è poco credibile, ma risulta poco fedele ai fatti, eccessivamente romanzati senza un’effettiva necessità (spostando il rapimento di Paul da Campo de’ Fiori a Porta Maggiore e non attenendosi alla verità storica neanche quando mette in scena la morte del vecchio Getty). Scott mescola in un calderone un po’ di Dolce Vita e di Vacanze Romane (è evidente la sua conoscenza limitata e piuttosto circoscritta del cinema italiano), per finire, quando i ritmi si fanno più serrati, ai toni di una fiction dalla dubbia riuscita (il covo delle Brigate Rosse è un appartamento al cui interno campeggia uno striscione con la scritta dell’organizzazione e la stella a cinque punte ben in vista, con Mark Wahlberg che li chiama “Comunisti di merda!”). Scricchiolano non poco le interpretazioni degli attori italiani (Nicolas Vaporidis che fa il bandito calabrese, la prostituta Francesca Inaudi, il medico legale Giulio Base e Maurizio Lombardi sadico macellaio della ’Ndrangheta), fortunatamente compensate dal cast internazionale. Il francese Romain Duris che veste i panni di uno dei sequestratori, conferisce una discreta credibilità al suo personaggio, ma soprattutto una Michelle Williams sempre più matura ed equilibrata e, paradossalmente, un Christopher Plummer che, con tutte le difficoltà del caso, è riuscito a restituire un ritratto dell’avido magnate ricco di sfumature.

Voto 5,5

Terzo capitolo di una trilogia con cui Peter Berg e Mark Wahlberg celebrano l’eroismo dell’uomo comune traendo spunto da fatti realmente accaduti, Boston – Caccia all’uomo ne rappresenta anche una sorta di ideale ritorno a casa.
Dopo i quattro marine dispersi in Afghanistan di Lone Survivor e la piattaforma petrolifera in fiamme nel Golfo del Messico di Deepwater – Inferno sull’Oceano, l’autore e l’attore/producer tornano in America, dove ricostruiscono con dovizia di particolari l’attentato terroristico che, il 15 ottobre del 2013, sconvolse l’intera città di Boston facendo esplodere due bombe durante la tradizionale maratona che vi si svolge in occasione del Patriot’s Day e uccidendo tre spettatori e ferendone alcune centinaia.
Il film risulta diviso in due parti ben distinte: la prima, più breve e concitata, procede spedita per accumulo di elementi di tensione fino alla violenta deflagrazione che, di fatto, rallenta il ritmo e introduce a una seconda parte tutta incentrata sull’identificazione dei due attentatori e la conseguente caccia all’uomo.

Se da un punto di vista contenutistico l’opera non nasconde in alcun modo il proprio patriottismo di fondo contro una minaccia inevitabilmente di matrice islamica, il principale motivo d’interesse appare la gestione, da parte di un regista muscolare e in genere poco incline ai chiaroscuri come Berg, di un materiale delicato perché legato a una tragedia recente, non ancora del tutto metabolizzata dalla coscienza collettiva.
Lo sforzo maggiore è quindi quello di evitare il pamphlet, coniugando il thriller a un tono più elegiaco e meditativo di quanto non ci si aspetterebbe, che, per molti versi, avvicina Boston – Caccia all’uomo a forme di classicismo eastwoodiane, pur senza mai raggiungerne la lucidità teorica.
E, proprio come nell’ultimo capolavoro del vecchio Clint, Sully, anche qui emerge forte l’idea di un Paese che, di fronte alle difficoltà, mostra una velocità di reazione invidiabile.

La macchina da presa non si stacca quasi mai dai volti di un’umanità che, sebbene stordita e dolente, non smette per un attimo di fare il proprio dovere. Malgrado la presenza nel cast di una star solitamente accentratrice, il film mantiene infatti una sua coralità, tesa a glorificare la comunione d’intenti (polizia, pompieri ed FBI, ma soprattutto i cittadini) in nome di una causa superiore.
Lo stile è volutamente freddo, ai limiti del documentaristico e, fatta eccezione per alcuni close-up di bandiere a stelle e strisce, Berg tiene a bada certi eccessi commemorativi per concentrarsi su una storia più forte di qualsiasi filtro che ne amplifichi la drammatizzazione.
Film medio e americano fino al midollo che, accorciando i tempi classici di elaborazione cinematografica del lutto, a tratti si scontra con i limiti dell’instant movie (vedi, ad esempio, le immagini dei veri protagonisti sui titoli di coda),  Boston – Caccia all’uomo si salva attraverso un processo di desaturazione retorica non comune in prodotti di questo tipo.
Pistolotto di Wahlberg su come l’amore vinca sempre su ogni forma di violenza a parte, ovvio.

Voto 6,5

A distanza di due anni da Lone Survivor, Peter Berg e Mark Wahlberg tornano a collaborare per questo Deepwater – Inferno sull’Oceano, spettacolare cronistoria di quello che viene tristemente ricordato come il peggior disastro petrolifero nella storia degli Stati Uniti, ovvero la devastante esplosione di una piattaforma trivellatrice – la Deepwater Horizon appunto – avvenuta nel 2010 al largo del Golfo del Messico, in cui persero la vita ben undici dei 126 lavoratori a bordo.
Il film, tratto da un’inchiesta del New York Times, è da intendersi prima di tutto come un sentito omaggio a ognuna di quelle vittime e un elogio degli eroici componenti dell’equipaggio, costretti a dar fondo a tutto il loro spirito di sopravvivenza per cercare di salvarsi a vicenda e uscire vivi da quell’inferno di fiamme e fumo.
I protagonisti vengono presentati come persone assolutamente normali, ordinari working class hero che vogliono solo fare il proprio lavoro per poi tornare a casa da moglie e figli.
Non stupisce neanche tanto, quindi, l’estrema accuratezza dei primi passaggi, quelli in cui si descrive con estrema minuziosità la catena di evitabilissimi errori umani che condussero alla tragedia, il primo dei quali inevitabilmente legato all’avidità di un management che pretendeva di risparmiare proprio sui controlli di sicurezza.

Pur essendo di base un disaster movie che più classico non si può (la struttura è grossomodo quella di Trappola di cristallo) Deepwater – Inferno sull’Oceano è quasi atipico nel suo indugiare più sulle cause tecniche dell’esplosione e sui suoi numerosi segnali premonitori che non sul disastro vero e proprio.
E Berg è abile nel costruire tensione attraverso un accumulo progressivo di elementi fatto soprattutto di continui stacchi di montaggio inframezzati da riprese della trivella subacquea, a evidenziarne la relativa fragilità strutturale contrapposta all’ingente numero di vite in gioco in superficie.
La porzione più corposa del film è quindi tutta incentrata sul presentimento dell’ineluttabile.
Poi, con la prima violenta fuoriuscita di liquido infiammabile e il divampare delle fiamme, inizia tutto un altro film e, per mezzora, il regista azzera qualsiasi distanza tra la sala cinematografica e l’azione, teletrasportando letteralmente lo spettatore tra le fiamme.
Le inquadrature si fanno sempre più strette, a braccare i corpi e farci percepire in maniera assai vivida la sensazione di claustrofobia che indicativamente si deve provare nel trovarsi su una inferno galleggiante in mezzo all’Oceano.

QUI LA NOSTRA INTERVISTA A MARK WAHLBERG

Quello di Berg è cinema orgogliosamente medio, che ha il suo pregio maggiore in una secchezza formale che contribuisce a sottrarre enfasi eccessiva ad una vicenda che è già fin troppo spettacolare di suo. Per dire che il film dura appena un’ora e mezza laddove un qualsiasi Michael Bay ci avrebbe costruito su un blockbuster da quasi tre ore. Se l’apparato tecnico è oggettivamente impeccabile e la struttura solida e rigorosa, qualcosa si potrebbe obiettare invece su uno script che poteva anche osare di più, a partire proprio dagli idealtipi umani utilizzati.
A prescindere da Mark Wahlberg, chiamato a interpretare qualcosa di molto simile a un eroe tout court, il resto della crew è composto da un Kurt Russell che fa un po’ troppo vecchio saggio del West (a tratti sembra ancora sul set di The Hateful Eight), una giovane donna fin troppo coriacea – guarda caso unico elemento femminile dell’equipaggio – e quella meraviglia di attore chiamato John Malkovich, qui costretto nei panni di un villain forse un tantino troppo monocorde.
Ma d’altronde alla base c’è una storia vera, e che storia, per cui ci piace immaginare che il processo drammaturgico possa aver abdicato di fronte ad una quanto più corretta rappresentazione della realtà.
Una realtà devastante che, ancora una volta, dimostra come qualsiasi battaglia ingaggiata dall’uomo contro gli elementi naturali (in questo caso il petrolio prima ancora che il fuoco) sia per forza di cose condannata alla più atroce delle sconfitte.

Voto 7

C’è qualcosa di così piacevolmente rassicurante già nel solo fatto che Seth McFarlane ci sia e continui a fare la sua cosa indisturbato.
Nello specifico la ‘sua cosa’ è quell’umorismo anarchico e sboccato che rappresenta la cifra stilistica distintiva dell’autore sin dai tempi della prima puntata de I Griffin, nel 1999, e che, nel tempo, non lo ha mai abbandonato, sia che si trattasse di condurre la cerimonia di premiazione degli Oscar che di ribaltare i codici di uno dei generi cinematografici più codificati di sempre nell’esilarante e, per chi scrive, molto sottovalutato Un milione di modi di morire nel West.
Sebbene quindi il ritorno alle vicende che vedono per protagonista l’orsacchiotto più scorretto della storia del cinema possa apparire, a prima vista, come un modo per adagiarsi sugli allori di un successo pressoché garantito (con i suoi 469 milioni di dollari, il primo Ted è la commedia vietata ai minori ad aver incassato di più in tutto il mondo), il discorso tende a ispessirsi una volta che si sia deciso di ragionare sui motivi di tale successo.
Il talento di McFarlane è infatti sbocciato e maturato non al cinema, bensì all’interno dei meccanismi tipici della lunga serialità ed è proprio quando applicata a una struttura narrativa che dia quasi per scontata la perfetta riconoscibilità dei personaggi che la sua comicità si sviluppa al meglio.
Ted 2 inizia infatti proprio come potrebbe fare una puntata de I Griffin (o anche American Dad o The Cleveland Show, tanto per citare altre due perle nate dalla penna di McFarlane), con una scena introduttiva in cui, molto semplicemente, l’autore avverte il pubblico di ciò che accadrà nelle successive due ore: in buona sostanza si riderà come se non ci fosse un domani.

La cosa che salta all’occhio sin dalle prime sequenze è come il processo di costruzione delle situazioni comiche e il ricorso agli argomenti che informano tali situazioni (in altre parole i continui riferimenti a sesso e droghe) siano stati considerevolmente potenziati rispetto al primo film.
Il risultato è che, quando si ride, si ride di più.
Beninteso, sempre che non siate tra quelli suscettibili di intimidirsi alla vista di un orsacchiotto di peluche che fuma erba da un bong a forma di pene o  per l’incidente causato da Ted e un divertito Mark Wahlberg all’interno di una banca del seme, forse la scena più esilarante dell’intero film.
Nel mezzo troviamo poi tutte le principali ossessioni di McFarlane, dall’amore incondizionato e mai celato per il musical, omaggiato con la lunga sequenza cantata che accompagna i titoli di testa, al gusto per la citazione che qui si manifesta in un adorabile richiamo a Jurassic Park e nella folle rilettura integrale di una delle scene più famose di Toro scatenato.
Ma è tutto il film ad essere un gioiellino di leggerezza e di gioioso cattivo gusto mai fine a se stesso, impreziosito dai camei di Tom Brady e Liam Neeson (quella in cui compare quest’ultimo è un’altra delle scene da tenere maggiormente d’occhio) e da un finale che potrà anche essere consolatorio ai fini della pura trama, ma cela al suo interno un sottotesto di inusitata scorrettezza politica.

Poi, è chiaro, la storia è quella che è e il modo in cui viene sviluppata risulta, a tratti, eccessivamente fiabesco, ma sarebbe un grave errore focalizzare l’attenzione su questo.
Gli aspetti più importanti – e, soprattutto, divertenti – di Ted 2 si trovano infatti negli angoli, leggermente fuori campo rispetto al buonismo di una linea narrativa che vede Ted battersi per il riconoscimento dei suoi diritti di essere umano e coincidono quasi sempre con gli insistiti riferimenti a una cultura nerd fatta di Star Wars e Signore degli anelli in cui Amanda Seyfried viene molto tranquillamente paragonata a Gollum e che rende, di fatto, Seth McFarlane un Kevin Smith perfettamente integrato nel sistema hollywoodiano e, di conseguenza, dotato di maggiori mezzi produttivi.
La profonda connessione tra i due autori, già evidente nella grana grossa dell’umorismo verbale, si palesa però in maniera incontrovertibile nella scena ambientata al Comic-Con in cui si scatena un’esilarante rissa tra cosplayer che non può non riportare alla mente l’immaginario fumettistico tipico del regista di Clerks e In cerca di Amy, il cui ultimo e notevolissimo Tusk resta ancora colpevolmente inedito in Italia.
Bando alle ciance, quindi, e correte a vedere Ted 2.
Perché si ride quasi ininterrottamente per due ore e, di questi tempi, non è affatto poco.

Voto 7