«Se vi dovessi parlare di lei, la principessa muta, che potrei dirvi? Vi dovrei parlare del quando? È successo tanto tempo fa durante gli ultimi giorni di regno di una Principessa delle fate. O vi dovrei parlare del posto? Una piccola città vicino alla costa ma lontano da qualsiasi altra cosa. O forse dovrei mettervi in guardia sulla veridicità di questi fatti e sulla favola dell’amore e della perdita, e del mostro che ha tentato di distruggere tutto».

Non siamo in IT ma anche ne La forma dell’acqua è tutto un galleggiare. La fiaba dark di Guillermo del Toro vincitrice del Leone d’Oro a Venezia 74 e in corsa per 13 Oscar è una storia d’amore in cui i personaggi fluttuano alla ricerca di una riconciliazione con la natura e con la società che li ha etichettati come diversi.
Siamo a Baltimora nel 1962. Elisa (incredibile Sally Hawkins), è una donna muta che lavora in un laboratorio scientifico di massima segretezza sotto la direzione del perfido colonnello Strickland (Michael Shannon). Impiegata come donna delle pulizie, Elisa è legata da profonda amicizia a Zelda (Octavia Spencer), la sua collega afroamericana costretta a combattere per far valere i propri diritti sia a casa che sul lavoro, e a Giles (Richard Jenkins), il suo vicino di casa gay, un disegnatore anch’egli continuamente discriminato. Un giorno, nel laboratorio, viene portata una creatura anfibia dall’aspetto umanoide (Doug Jones) alla quale Elisa si avvicina sempre di più, riuscendo a instaurare una tenera complicità.

La Bella e la Bestia? Certo. King Kong? Anche. E poi Il mostro della laguna nera, la pellicola cult di Jack Arnold, di cui l’uomo anfibio rappresenta una versione aggiornata non solo nella fisionomia, dato che entrambi vengono trovati in Sud America e catturati per essere studiati al fine di creare una tecnologia che consenta agli astronauti di respirare nello spazio). Poi c’è il contesto storico – siamo in piena Guerra fredda – che, esattamente come accadeva ne La spina del diavolo e ne Il labirinto del Fauno, anche se lì sullo sfondo c’era la Spagna franchista, incornicia gli avvenimenti caricandoli di una tensione narrativa angosciante e sostenuta. Lo schema adottato è dei più classici, ma a fronte di questa semplicità di fondo, del Toro affianca le raffinate digressioni in altri generi, dall’horror, al musical, passando per la spy-story, le ambientazioni curate nel più minimo dettaglio, una malinconica colonna sonora composta da Alexandre Desplat e tutto quell’ “arrangiamento estetico” che arricchisce la melodia di base fino a farla diventare una fantasmagoria visiva avvolgente e sofisticata dominata dai toni del verde e dell’azzurro.

Chi è Doug Jones l’uomo anfibio de La forma dell’acqua

Da sempre attratto dai freak, dagli emarginati e dai diversi – proprio come Tim Burton – questa volta del Toro affronta il fantastico in modo ancora più adulto e raffinato del solito e, nel farlo, sceglie di non eliminare lo sporco, operazione che viene implicitamente compiuta in ogni fiaba, ma lo lascia, rendendolo un elemento portante della storia. L’apice di questo discostarsi dalla tradizione lo troviamo nell’aspetto più carnale del rapporto tra Elisa e l’affascinante uomo anfibio, attraverso il quale si rende esplicito quello che nell’archetipo è sempre stato implicito.
Altro elemento fondamentale de La forma dell’acqua è l’omaggio al cinema del passato che diventa evasione dalla realtà per i personaggi ingabbiati in una società che li ripudia: l’appartamento di Elisa si trova sopra il cinema Orpheum che proietta il kolossal biblico La storia di Ruth e il musical con Pat Boone Mardì Gras, un cinema in cui, dice l’esercente “non entra più nessuno”. E nell’appartamento di Giles la TV trasmette i film di Shirley Temple e i balletti di Carmen Miranda. Di contro, il mostro. Non l’uomo pesce, ma quello creato dal sogno americano che è sul punto di sgretolarsi (Kennedy sarà assassinato di lì a poco mentre la Guerra del Vietnam è in pieno svolgimento), perfettamente incarnato dal personaggio di Michael Shannon, razzista conservatore ossessionato dall’apparenza.

Il resto è meglio che lo vediate con i vostri occhi.

Voto 8,5

Dopo aver conquistato l’America e l’Europa, finalmente Luca Guadagnino sembra aver trovato la chiave giusta per arrivare dritto anche al cuore dei suoi suoi connazionali. È un successo che arriva da lontano quello di Chiamami col tuo nome, film ospitato in anteprima mondiale al Sundance Film Festival e alla Berlinale lo scorso anno, dove ha ricevuto apprezzamenti unanimi. Ora, forte di tre candidature al Golden Globe e di quattro nomination ai prossimi Oscar come Miglior Film, Miglior Attore Protagonista, Miglior Sceneggiatura Non Originale e Miglior Brano Originale (Mystery of Love di Sufjan Stevens), arriva finalmente anche in Italia.

Chiamami col tuo nome, la recensione del film di Luca Guadagnino

Tratto dal romanzo di André Aciman, sceneggiato da James Ivory insieme a Walter Fasano e allo stesso Guadagnino, Chiamami col tuo nome è ambientato nell’estate del 1983, in una zona del cremasco non meglio identificata. Nella grande casa di campagna della famiglia Perlman, Lyle (Michael Stuhlbarg), archeologo, e Anna (Amira Casar), ospitano ogni anno per sei settimane un ricercatore straniero. Una forma di filantropia che la coppia, cólta, poliglotta e di ampie vedute, esercita con la connivente “rassegnazione” del loro figlio diciassettenne, Elio (il fenomeno Timothée Chalamet), che ogni estate si vede costretto a cedere la propria stanza all’ospite di turno. Il 1983 è l’anno dell’americano Oliver (Armie Hammer), o come lo soprannomina inizialmente Elio, l'”Usurpateur”, un giovane alto, biondo e disinvolto, con quella punta di arroganza nei modi che lo rende irresistibile per chiunque lo incontri. Tra lunghe passeggiate, nuotate e corse in bicicletta, tra Oliver ed Elio nasce un profondo legame destinato a cambiare le vite di entrambi.

Se in Io sono l’amore e nel successivo A Bigger Splash il cinema di Guadagnino si era sempre trovato, un po’ pericolosamente, al limite tra l’intenzionalmente ambizioso e l’ingenuamente fastidioso (troppo di maniera, troppo viscontiano senza essere Visconti, tra le critiche che gli sono state mosse), in Chiamami col tuo nome questo impasse viene superato, merito anche della raffinata sceneggiatura ivoriana, abilmente composta da due livelli ben distinti. Esattamente come accadeva in Camera con vista e Quel che resta del giorno, si percepisce infatti una modalità di scrittura che, se in superficie può apparire carente e, a tratti, anche omissiva, deputata a garantire una tranquillità formale ai personaggi che intavolano discorsi e discussioni come colti da un immobilismo psicologico, ad uno strato più profondo questa si fa gesto e sguardo, divenendo impetuosa e appassionata.

Chiamami col tuo nome, la recensione del film di Luca Guadagnino

Non ci sono scene scandalose, né momenti pruriginosi in Chiamami col tuo nome e le varie fasi del rapporto tra Elio e Oliver vengono svelate con una sensibilità che non è mai smielata e, cosa ancora più apprezzabile, senza etichette, in quello che è a tutti gli effetti un racconto di formazione e accettazione, di scoperta della propria identità e di iniziazione. Sullo sfondo, Guadagnino posiziona qua e là dei pezzi di anni Ottanta: la politica di Craxi e del pentapartito, un giovane Beppe Grillo che fa trasmissioni di satira in TV, le fiere di paese con balli e tresche che nascono e muoiono la stessa sera, le minigonne jeans e le Espadrillas. Come a dire, con una punta di malinconia, che tutto sommato si stava meglio quando si stava peggio. E poi ci sono Rohmer e Bertolucci, c’è L’età acerba di André Téchin, le partiture orchestrali di John Adams, Ravel, Debussy e i brani di Sufjan Stevens a incorniciare i momenti più intensi di un’estate struggente e indimenticabile che tutti, almeno una volta nella vita, dovrebbero vivere.

Voto 8

La Universal Pictures ha diffuso il nuovo trailer di Steve Jobs, biopic sul fondatore della Apple diretto da Danny Boyle e con protagonista Michael Fassbender.

Scritto da Aaron Sorkin, il film è ambientato “dietro le quinte dei lanci di tre importanti prodotti, fino ad arrivare al 1998, con la presentazione dell’iMac, e racconta i retroscena della rivoluzione digitale dipingendo un intimo ritratto del brillante Steve Jobs”.

L’uscita di Steve Jobs è prevista per il 9 ottobre negli USA. Nel cast anche Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels, Katherine Waterston e Michael Stuhlbarg.

La fitta schiera di personaggi grotteschi nati dalla mente dei fratelli Coen si arricchisce di un volto nuovo, quello di Larry Gopnik, un uomo serio. Professore di fisica ebreo, è il simbolo della medietà: vive la sua esistenza nella Minneapolis del 1967, convinto di essere a capo di una famiglia per bene. Mai convinzione fu più errata: Larry si trova presto a combattere con una serie di sventurati avvenimenti che lo travolgeranno in tutta la sua debolezza. Dal tradimento della moglie, che gli preferisce un anziano collega, al ricatto a cui viene sottoposto da uno dei suoi studenti. Al povero Larry non resta che rivolgersi a tre rabbini, per cercare di dare un senso a tutto quello che gli sta accadendo.

Continua la tradizione coeniana di voler raccontare le gesta di personaggi qualunque, meglio se di quelli che si lasciano trascinare dagli eventi (basti pensare al Drugo Lebowski o al barbiere de L’uomo che non c’era). Il film si apre con una frase che suona quasi minacciosa ” Accetta con semplicità tutto ciò che ti accade”, e con un prologo in Yiddish (lingua parlata dagli ebrei originari dell’Europa orientale) ambientato in un villaggio sperduto della Polonia, in un passato non meglio identificato. Nell’inquadratura successiva, ci troviamo catapultati nel Mid West, con  un auricolare che suona Somebody To Love nell’orecchio di uno studente ebreo.

Amaramente divertente e drammaticamente sarcastico, A Serious Man si fa portavoce di messaggi chiari e inequivocabili, andando a scavare nell’apparente tranquillità delle case color pastello e dei giardini con le staccionate sempre dipinte di fresco, in cerca di qualcosa di marcio e corrotto. I Coen ci offrono uno scorcio di ebraismo completamente diverso da quello che siamo abituati a vedere al cinema (il primo nome che ci viene in mente è quello di Woody Allen), con tutto quello che comporta l’essere ebrei osservanti un un’America alla vigilia del ’68.
I meccanismi narrativi perfetti e le contraddizioni di cui vive questo film, tra un brano dei Jefferson Airplane e un Bar Mitzvah, fanno il resto, dando modo ai Coen di realizzare il loro film più duro, impietoso e personale.

Voto 8

Qui trovate le videointerviste a Joel ed Ethan Coen, venuti a presentare il film al Festival di Roma.